QUIREBOYS A bit of what you fancy (EMI, 1990)

Entre los últimos coletazos del hard rock ochentero y el inminente movimiento grunge procedente de Seattle, A Bit of What You Fancy presentaba en sociedad a los Quireboys, banda londinense liderada por el carismatico Spike, con un soberbio ejercicio de rock and roll del que sencillamente ya no se hacía en aquel entonces —imaginaos hoy en día— repleto de pianos omnipresentes, ocasionales coros femeninos, puntuales arreglos de viento o cuerda, una voz rota y aguardentosa que parecía trasplantada de la garganta del mismísimo Rod Stewart y doce inspiradísimas composiciones que apestaban a bourbon y tabaco.

Canciones llenas de buen gusto, rock and roll vigoroso y estribillos memorables como “7 O' Clock”, “Man on the loose”, “Hey you”, “Misled” o “There she goes again” se encargaron de convertir A Bit of What You Fancy en un modesto éxito que auguraba a los Quireboys como a una de las formaciones más prometedoras de los incipientes noventas.

Un irresistible medio tiempo como “Whippin' boy” parece beber en cierto modo de esas canciones de carretera y rollo cowboy que tan bien les sentaba a los Bon Jovi mientras que “Sex party” es un verdadero cañonazo de rock and roll festivo que encierra el espíritu salvaje y despreocupado de los difuntos ochentas. La maravillosa “Sweet Mary Ann” y la mágica balada “I don't love you anymore” son de esos temas que de haber sido interpretados por Rod Stewart veinte años antes hoy serian piezas ineludibles en el repertorio del veterano rubiales. También hay reminiscencias suyas en  “Long time comin'” y en la hermosa “Roses and rings”.

El emotivo rock and roll final de “Take me h
ome” pone el broche de oro a un trabajo sencillamente perfecto e imprescindible que permitió a la banda codearse con verdaderos monstruos de la escena como Guns N’ Roses o los Rolling Stones al tiempo que les dejo palpar con la palma de la mano la gloria que desafortunadamente terminaría por escurrirse de entre sus dedos dos años después con la publicación de su siguiente trabajo.

FRANZ FERDINAND (Domino, 2004)

 En el primer disco de la banda escocesa hay adhesivas melodías y estribillos sin perder un sentido complejo de la instrumentación, música de afilada aristas y sonido compacto aunque para mi un tanto repetitivo. No obstante tienen vivacidad, energía, estilo… no hay descanso para el ritmo ni para el revival new wave/post-punk, hay guiños de los Talking Heads, Sparks, Duran Duran, Orange Juice o The Fall, aunque, eso si, bastantes niveles por debajo.

“Jacqueline” es una canción que se inicia con calma y apariencia acústica con reminiscencia de los Kinks antes de ser impulsada por guitarras con nervio y ritmos briosos. “Tell her tonight” es otra pieza de elevado ritmo con resonancias a XTC. “Take me out” es quizás su canción más popular con esas cadencias de baile al más puro estilo mod. Hay también un claro acercamiento a Pulp en The dark of the Matinée".

"Auf achse" és puro The Fall y “Cheating on you” es un apañado corte garage/pop/punk. Al comienzo de “This fire” parecemos retornar a los 60 para después cambiar de tempo y de nuevo abordar dinámicos ritmos en base a un riff de guitarra machacón. En “Darts of pleasure” incluso cantan en alemán; y de ahí al juego homoerótico de la fenomenal  “Michael”. “Come on home”, otro gran tema de buen trato melódico y enardecido ritmo de baile. Y cierra el álbum la muy new wave "40 FT".

ROSAS EN BLANCO Y NEGRO Orgasmodelia (Romilar D, 1992)

Grupo vallisoletano formado por César Parrado (voz y y guitarra), ex de Últimos Resquicios y BWR; Simon Philip Duggan (guitarra y voces) componente galés del grupo que también estuvo en la Orquesta Sinfónica Ciudad de Valladolid; Manolo Trujillo (bajo y voces), ex de UA Mujicks y Replicantes; y Agustín Villafañe (batería), ex de Reflejos, Exit y UA.

Practicaban una fusión de Rock'n'Roll y psicodelia con una base rítmica que lograba una densidad sonora donde se recrea el sonido de la guitarra a veces reforzando y otras creando melodías propias de la época mas acida de los U.S.A. y que la voz de César encaja a la perfección en la línea marcada por la banda.

En 1992 llega Orgasmodelia, su segundo trabajo y último, editado de nuevo por Romilar D, grabado en Audio Madrid bajo la producción de César de Paz. Para este disco cuentan con la incorporación de Oskar Vizan (guitarra, bajo y voces).
Por el contrario, quienes ya no están en el grupo son Simón y Manolo. Los temas que componían el trabajo fueron 'Tómame ya', 'Disfraz', 'Fa fa fa', 'Mucho camino', 'Lágrimas, amor y sangre', 'Cortina', 'Sobre la fortuna', 'Tu piel', 'Devuélveme mi vida', 'Culpable' y 'En el Metropol'.

ISABELLE ANTENA Tous meus caprices (Les Disques Du Crepuscule, 1988)

 Hubo un tiempo en que todas las referencias de Disques Du Crepuscule que veía caian en mis manos, y la verdad es que no recuerdo de ninguna que me haya defraudado.

El tercer álbum en solitario de Isabella Antena es también uno de los de mayor éxito comercial, lo que no sorprende dada su pegada pop inmediata. La canción de apertura "Caprices" sufre un poco de cierta estridencia funk especialmente con una molesta línea de sintetizador, mientras que "Time to work" cierra el álbum con la voz de Antena y su amplia visión haciendo que todo funcione. 

Interpretando una mezcla de originales, colaboraciones y una o dos versiones intrigantes, incluida una versión absolutamente maravillosa y teñida de samba de Frank Zappa "Village of the sun", que parece que podría ser original de ella: Antena inicialmente había querido grabar un álbum de jazz puro al principio. Si bien el resultado final resultó diferente, al escuchar su hermosa y cálida voz en fresco tono brasileño de "Romancia del Amor", así como en la genial  "Je Respire". 

Cortes como "Eclat de amor", y especialmente la vibrante "Une journee banale a New York City", repleta de guiños vocales de mediados del siglo XX y arreglos de big band, insinúan el plan original del álbum, mientras que otras canciones como "Memories" proporcionan tomas agradables de ritmos de baile más recientes.

MISHIMA Set tota la vida (Sinnamon, 2007)

Con Set Tota La Vida David Carabén alcanzó cúspides reservadas sólo a los más audaces. La intimidad, las preguntas, los viajes interiores, la infancia, el amor, la veneración, el apasionamiento... aquí el grupo hace una apuesta valiente y decidida por la brevedad, por captar el máximo con en el mínimo. Son canciones que se dan el testigo unas a otras sutilmente, abriendo nuevas ondas expansivas de una misma porción de belleza.

En "La tarda esclata" un piano loco, supersónico y una batería machacona vuelan, estallan y se reintegran y vuelven a intentarlo por el mismo camino, se escuchan coros a lo Beach Boys, toma la electricidad “Aguéev”, la intensidad nunca se abandona. “Neix el món dintre l’ull”  donde su autor confiesa que vomitó todos sus fantasmas, aparece repicando la rugosa “La forma d’un sentit”, con un sonido sucio y alterado que explotarían más en su siguiente obra, “Qui n’ha begut” ganó por derecho propio los mimos y parabienes de fans y extraños. 

Está  “El temple”, una canción que por muchos motivos se ha convertido en uno de mis temas refugio. Delicada, lúgubre, sollozante, el tratamiento vocal de David es increíble. Más lírica és “Els ametllers” con una guitarra y un acompañamiento previsible y rígido. "Un tros de fang" és ya todo un clásico de Mishima con su ritmo endiablado, al igual que "Llavors tú simplement" que también suena vertiginosa, frenética y hasta bailable. "Despertes l'inútil" es una pequeña obra maestra.

El medio tiempo “Alguna cosa em diu que sí” és country y “Em deuria enamorar” se desenvuelve con sigilo. “Vine”, que parte al parecer de una base de Oscar D’Aniello, es sin duda la canción más experimental del album, y “D’un costat del carrer” es noble, cotidiana, muy sencilla, quizá la más liviana de todo el album.

Set Tota La Vida da ganas de vivir y sufrir con sus ecos playeros, preciosismo y esa energía venenosa de adicción asegurada. 

ARAB STRAP Elephant shoe (Go! Beat, 1999)

A pesar de dar su permiso para que su sencillo de debut, "The first big end of the summer", para usarlo en un anuncio de Guinness, Aidan Moffat y Malcolm Middleton todavía aquí están enojados con la vida, el amor y el leve atisbo de felicidad. Moffat todavía nos advierte de las novias infieles y las paranoias que cultivan. Pero el hecho de que nunca se encuentre consuelo en el fondo de un vaso de cerveza no lo disuade de buscar esa alquimia milagrosa. La música de Arab Strap todavía está fracturada y es lamentablemente hermosa. El ambiente sombrío del grupo todavia funciona. 

Órganos profundos pero poperos en "Direction of a strong man". "One four seven one" y sus ritmos  trip-hop picantes no disimulan la ira de Moffat. Actualizando "Ne me quitte as" de Brel, Arab Strap ofrece "Pajamas".

La depresión de Arab Strap es tan adictiva como atractiva. Elephant Shoe no es impactante o escandaloso, no tiene nada del humor alcohólico de su debut; es incluso más cínico que Philophobia (1998). Es la representación cruda y precisa de muchas vidas empobrecidas y dependientes. Elephant Shoe es un hermoso anuncio de servicio público. Parece que nos esté diciendo continuamente "La correa es fuerte ahora, pero un día se romperá"
.

THE WALKER BROTHERS After the lights go out (Fontana, 1992)

The Walker Brothers fueron un trío vocal estadounidense que disfrutó de una serie de éxitos británicos de 1965 a 1967 y una breve reaparición una década más tarde, la clase de grupo carne de compilaciones. After the lights go out seguramente debe clasificarse como una excelente, al menos en lo que respecta al trabajo inicial de los Walkers.

Fusionando, a veces incluso superponiéndose, las sensibilidades de la Motown y Phil Spector con grandes adornos teatrales y una entrega desgarradora, los Walker Brothers crearon algunas de las baladas más dramáticas de los años sesenta, las mejores de las cuales no han perdido nada después de cuarenta años. 

La voz de tenor bajo completo y claro de Scott Walker, un instrumento muy efectivo incluso cuando se interpreta de manera puramente sentimental, generalmente toma la iniciativa, aunque los otros Walkers (para nada son hermanos), John y Gary, brindan un apoyo más que digno. Aunque para mi gusto no todo aquí funciona, hay algunas cosas realmente exageradas, letras de telenovelas, órganos de películas de terror, violines estridentes y un ambiente digno de Broadway en su punto más cutre. Pero cuando estos chicos son buenos, son imbatibles. Las canciones "Love her", "Make it easy on yourself", "The sun ain't gonna shine anymore" o "Don't say goodbye" son todas obras maestras, grandes y descarnadas, melodramas totales, para guardar en la memoria del oyente después de cada escucha.  Esto es Pop superlativo de mediados de los sesenta, y dudo que alguien, de cualquier edad, no encuentre algo que le apasione
en este disco.

THE PSYCHEDELIC FURS World outside (East West Records, 1991)

 Me parece que siendo grandes The Psychedelic Furs son una banda bastante infravalorada, unos auténticos artesanos del Pop que aun a dia de hoy siguen en la brecha, y para mi gusto con una carrera diría que impecable.

Y este séptimo disco és un disco cálido, ameno de canciones serenas y medios tiempos, muy parecido aunque sin llegar a su altura al Mirror Moves (1984).

En sus canciones hay melancolía, guitarras eléctricas, atmósferas opresivas y unas baterías realmente atronadoras. Y luego está el gran Richard Butler y su voz a ratos afectada a ratos romántica. Desde la erosión del amor en "Valentine" hasta la indiferencia hacia una ex en "All about you" hay sitio para la vuelta a los 80 en "In my head", la inmediatez pop de "Until she comes" o las guitarras ululantes de "Sometimes".

THE BIG DISH Creeping up on Jesus (Virgin, 1988)

 Este es el segundo trabajo de The Big Dish, un disco del que sacaron tres singles "European rain", "Faith healer" y "Life". En la época se les comparó a bandas como Deacon Blue, Danny Wilson o los Commotions.

Scott Benarde de The Palm Beach Post escribió: "Lindsday es un escritor y arreglista talentoso. Sus canciones suenan como declaraciones triunfantes y oraciones esperanzadas. Las canciones del segundo lanzamiento de la banda suenan como brisas frescas y refrescantes contra la piel empapada de sudor". Paul Wagner de Santa Cruz Sentinel comentó: "Pop escocés que ofrece ritmos de tiempo medio, letras claras, mucho arte de escribir canciones, pero un sonido y una sensación aún indistinguibles".

En una entrevista de 1988 con Record Mirror , su lider Steven Lindsay dijo sobre el álbum: "Lo nuevo de lo que estamos haciendo ahora es que tiene una sensación más cálida y directa. Swimmer (1986)

era un poco demasiado frío y distante... sobreproducido. El nuevo LP suena más como un esfuerzo de banda"

EL NIÑO GUSANO Circo luso (Grabaciones en el Mar, 1995)

A mediados del 95 se publica el primer disco de El Niño Gusano, Circo Luso, el más alabado de su carrera. 15 canciones grabadas con ínfimos medios y cuya portada corre a cargo del ilustrador Oscar Sanmartín, que desde entonces se encargó de realizar todas las portadas, creando un estilo de identidad estética propia. Circo luso fue destacado ese año en los primeros puestos de todas las listas de crítica especializada, e incluso llegó a aparecer en la edición francesa (!!!!) de “Los 100 mejores discos de la historia del rock” y fué incluido entre los 10 mejores discos de los 90 por El País de las Tentaciones. 

La explicación de porqué dicho disco fue (y es) tan alabado, a pesar de tratarse de su disco más inferior (en opinión de la mayoría de sus seguidores) hay que situarla en el contexto en el que salió: un momento de explosión de música independiente en el que siempre se echó en falta la personalidad, algo que a ese disco expiraba por todos sus poros.

Contiene “La mujer portuguesa”, su primer y gran hit. Sin embargo, las intenciones del grupo se palpan mucho mejor en los siguientes temas: “Pumuky” nos propone un viaje sumergido y “La ciudad de los loros” parece querer musicar algún sueño de Dalí, mientras unos reiterativos violines invitan aún más al surrealismo. También “Menta”, que define muy bien al grupo por esos saltarines coros y esa insistente melodía que suena casi desafinada en la garganta de Algora que, a pesar de no tener una gran voz (ningún indie español de la época la tenía), y de que desentona por momentos, sería impensable que las canciones las cantase otro.

Aunque aún no habían empezado con las elaboradas intrumentaciones y arreglos, que luego descubrirían en sus dos próximos discos, sabían lo que querían hacer en cada uno de los temas pasando por alto los más obvios (como “Nureyev”), y centrándonos en otros mucho más memorables, como la enorme “Ciempiés”, o “Capitán Mosca”. Dos caras de la misma moneda de El Niño Gusano: una amarga y agonizante, otra surrealista y cómica. En cualquier caso, las dos se mueven por el mismo terreno de las imágenes fuera de lo común.

JOHNNY CASH At Folsom prison (COLUMBIA, 1968)

"Hola, soy Johnny Cash". El 13 de enero de 1968, el músico subió al escenario vestido completamente de negro, como era tradición en sus shows. 'El hombre de negro', como fue apodado, no estaba recluido cumpliendo condena, estaba allí porque quería cantar a quienes pagaban por sus crímenes, lejos de su familias, privados de libertad.

Johnny tenía cercanía con quienes estaban tras las rejas. Su voz grave acompañada de la notas melancólicas imponían tal respeto que nadie se atrevía a interrumpirlo. La canción "Folsom Prison Blues" la compuso en 1955, pero tuvieron que pasar ocho años para interpretarla en la prisión misma.

Su interés por quienes están prisioneros era superior a una intención meramente comercial. El tema de apertura, "Folsom Prison Blues", con ritmo alegre, es una triste historia de un hombre que cumple condena y que, al ver pasar el tren, recuerda los consejos de su madre. Solo quiere tomar el tren y marcharse lejos de la prisión de Folsom, pero el dispararle a un hombre "solo para verlo morir" lo mantiene cautivo.

"Cocaine Blues", en tanto, es narrada por un adicto a la cocaína, quien bajo los efectos de la droga disparó a su mujer y queda como forajido hasta que lo capturan. Otra melodía imperecedera es "I got stripes", mediante la cual Cash narra el proceso por el que pasa desde que lo atrapan hasta que comienza a habituarse a la austera dieta de pan y agua.

Casi 55 años han pasado desde este álbum que catapultó a Cash a la fama. El artista que este año hubiese cumplido 90 años, fue capaz de crear su propio estilo dentro del género country y de reversionar temas de artistas pop, rock y reggae. "Personal Jesus" de Depeche Mode, "Redeption Song" de Bob Marley o "Hurt" de Nine Inch Nails son algunos de los temas que tomaron otro matiz en la voz de Cash, un artista inmortal cuyos versos se escuchan hasta el día de hoy.