DEPECHE MODE Exciter (MUTE, 2001)

 Es raro encontrar bandas capaces de mantener sus mejores cualidades en primer plano mientras experimentan con algo nuevo en cada lanzamiento, pero Depeche Mode demuestra ese equilibrio a la perfección en este para mi  maravilloso Exciter.

 Posiblemente el primer álbum del grupo como unidad cohesionada desde Violator  (1990) y con cierta semejanza a ese disco en el título general y los nombres de las canciones; compárese "The sweetest condition" con "The sweetest perfection", Exciter muestra al trío nuevamente equilibrando el pop con profundidades experimentales. Al igual que con Ultra (1997) , un productor externo ayuda a enfocar el resultado final en direcciones nuevas e intrigantes, en este caso, dicho productor es Mark Bell , conocido por su trabajo con Björk , pero también como parte del grupo insignia de Warp Records, LFO , que siempre reconoció su propio debut con Depeche. El oído de Bell para ritmos minimalistas y nítidos, y arreglos y cambios rápidos y sutiles, se adaptan maravillosamente a las canciones de Martin Gore . Si bien en esta ocasión hay pocos temas arrolladores que hagan vibrar estadios, la exquisita delicadeza que impregna todo el álbum es adictiva, con la guitarra de Gore ofreciendo solos resbaladizos y punzantes que se integran a la perfección con el flujo romántico y ahumado de Exciter. 

"When the body speaks" es una joya, donde su delicado trabajo y la sección de cuerdas de acompañamiento se combinan a la perfección. La voz de David Gahan , que ya se notaba que había aprendido en Ultra , es aún más flexible y apasionada que antes, desde la interpretación más plena del encanto sinuoso de "Shine" hasta el inquietante tema que cierra el álbum, "Goodnight lovers", una romántica nana con coros de contrapunto perfectos. El canto de Gore sigue siendo igualmente excelente, al igual que sus obsesiones líricas sobre, bueno, la obsesión: "Breathe", que cita más nombres bíblicos por verso que la mayoría de los predicadores, es un buen ejemplo en ambos sentidos. Cuando la banda sube el volumen al máximo, los resultados también funcionan: "The dead of night" es un homenaje mucho mejor a las raíces glam de Gore y a los descendientes del dance industrial de Depeche Mode que "Rush" de Songs of Faith and Devotion (1993)
.

SHOP ASSISTANTS Will anything happen (Overground, 1997)

 Shop Assistants no se andan con rodeos en su álbum debut Will Anything Happen. Subiendo los amplificadores al máximo, golpeando la batería con la mayor fuerza posible, entregando letras tiernas y duras con todas las burlas y besos, y escribiendo melodías lo suficientemente insistentes como para despertar incluso al que duerme más profundamente, la banda desmiente la idea de que son adolescentes, desgarbados o desaliñados. Las 14 canciones aquí son tan compactas como cualquier canción de los Ramones , tan intensamente emotivas como un sencillo de Buzzcocks , y tan dulcemente románticas como la canción de amor más apasionada de tu grupo femenino favorito. Los lanzamientos anteriores pueden haber sido un poco inestables en los bordes o no estar completamente formados, pero esas leves críticas no se aplican aquí. La guitarra de David Keegan es una fuerza de la naturaleza estridente, la sección rítmica de la bajista Sarah Kneale y la baterista Laura MacPhail se acoplan en una armonía simple y poderosa, y la voz de Alex Taylor es una mezcla perfecta de poder y delicadeza, es capaz de dominar con facilidad temas rockeros como "I don't want to be friends with you". 

Claro que algunas de las canciones se toman un respiro. “Somewhere in China” es una balada verdaderamente hermosa y evocadora; “After dark” es una encantadora canción de ritmo medio que suena como la banda sonora perfecta para un paseo otoñal por el parque, crujiendo las hojas bajo los pies y reflexionando sobre la vida y “All of the time” anticipa aproximadamente la mitad del catálogo de Sarah Records con su melodía impoluta y guitarras resonantes. Es un buen equilibrio entre canciones para la introspección y para la euforia, y demuestra un gusto exquisito al versionar la oda garage rock de Pleasure Seekers a la locura, “What a way to die”, con todo el desenfreno que merece. Will Anything Happen es fundamental,
uno de los pilares esenciales del noise pop, el indie pop y el twee pop —aunque la banda en sí está lejos de ser twee— y merece estar en la colección, física o digital, de cualquier persona interesada en estos estilos musicales.

BLOOD CIRCUS Primal rock therapy (SUB POP, 1989)

La banda que hizo vibrar los pasillos de la sede de Sub Pop con tanta fuerza, que finalmente hizo que Jon Poneman y Bruce Pavitt lanzaran una versión en CD de sus primeros trabajos, fue Blood Circus. La banda era, sin duda, la verdadera definición de rock; incluso el título de su material que no fue sencillo lo explica por sí solo: Primal Rock Therapy … Sin mencionar que arruinaron los planes de Pearl Jam de ser la primera banda grunge en escribir una canción sobre surf.

Se formaron en 1987 por T-Man (su nombre real, Tracey Simmons) al bajo, Doug Day a la batería, el guitarrista Geoff Robinson y Michael Anderson (quien tocó brevemente en la primera formación de Swallow) también como vocalista y guitarrista. Dieron su primer concierto en el Vogue, abriendo para The Obituaries. Poco después, la banda firmó con Sub Pop e hizo su debut en vinilo en 1988 con el sencillo Two Way Street b/w 6 Feet Under . Luego contribuyeron con la canción The Outback a la compilación Sub Pop 200 y dejaron a todos boquiabiertos, un año después, tras lanzar el EP Primal Rock Therapy . El EP fue grabado nada menos que por Jack Endino en Reciprocal Studios y contiene 5 canciones.

Blood Circus tocó en muchos conciertos con la mayoría de las bandas de Seattle y también compartió cartel con bandas como The Flaming Lips, Butthole Surfers, White Zombie, etc.; realizaron una gira por Estados Unidos y se separaron en 1990. Michael tocó en Hard Belly Lloyd y T-Man se unió a la banda Yummy por un tiempo. Por suerte, Sub Pop reeditó Primal Rock Therapy en CD en 1992 (con su sencillo debut y cinco canciones de una sesión de grabación abortada de 1989) y la banda hizo un par de conciertos de reunión en Seattle.

LA HABITACION ROJA Años luz II (INTROMUSICA, 2021)

LHR vuelven a sorprender con la segunda parte de Años Luz, la cual a partir de su sencilla pero al mismo tiempo poderosa narrativa describe a la perfección la complejidad de las relaciones humanas; el amor y el desamor, deseos y desilusiones o simplemente su desgaste, como en el caso del sencillo "La fragilidad", donde los versos se acomodan para dar a entender este agotamiento por el cual muchos hemos pasado.
Años Luz II, es un material que sirve (como toda la música) de ayuda para saber que todo “estará bien” en algún punto, sin dejar de ser conscientes que las experiencias son las que constituyen el crecimiento emocional de cada individuo

.Por la manera en cómo esta escrito y compuesto este material parecería que va dirigido hacia alguien que sufre por una “necesidad” de amor o alguien pesimista a ello, lo cierto es que las 11 canciones dentro de este disco de alguna manera dejan una pequeña reflexión para todo aquel que lo quiera escuchar. Sin dejar de lado "El día internacional de los amantes", una magnifica canción para aquellos que contrario a los antes descritos, se vuelven locos por amor o pasa a ser su “debilidad” llevándolo a los extremos durante el curso de la vida.

Aquí ya ha pasado bastante tiempo desde la formación de la banda y en cada álbum existe una superación al anterior, es así que, podría decirse que La Habitación Roja ha creado un disco que es “necesario” escuchar para entender un poco el proceso en el cual fue realizado (que curiosamente fue antes de la pandemia) y poder “sanar” o continuar “sufriendo”.

 

PISTONES Persecucion (Ariola, 1983)

 Persecución es un LP con muchas posibilidades. ¿Uno de los discos con mayor calidad de la época de La Movida? Posiblemente si. Entre otras cosas porque Pistones, unos chicos tímidos de barrio, hacían discos, no canciones del verano como muchos de sus compañeros de promoción, aunque con el pelo tieso. 

Tal vez la producción de un incipiente rockero como Ariel Rot permitió sacar mejor el jugo a los textos de Ricardo Chirinos. Posiblemente si. Estableció un “numerus clausus”de sintetizadores, eso seguro.

 Nos presentan un trabajo lleno de magnificas melodías inspiradas en historias de perdedores, idolos caídos, adictos al desamor y a otras sustancias. Pero contrastadas con ritmos muy directos y melodías mayores, heredando actitud de la Generación del 77. 

Para empezar, se recupera dos de las mejores canciones de lo que constituía su repertorio hasta el momento, las sensacionales “Nadie”, que gana en contundencia, especialmente por los teclados introducidos, y una revisada “Metadona” que mejora notablemente la ya de por sí brillantísima versión original; los arreglos de guitarra, la línea de bajo, los teclados, el estribillo y los coros, todo, cambia a mejor, convirtiéndose no sólo en su canción más emblemática y la favorita de los fans del grupo, sino en una de las mejores canciones del pop español de los 80.

El largo venía precedido de la edición del single "El Pistolero”, que se convirtió en el gran éxito del grupo, elevándolo a la primera línea del pop español y sonando en las radiofórmulas y discotecas de toda la geografía española -se hizo incluso una versión extendida de la canción, dirigida a las pistas de baile y editada en maxi-single.

Pero la joya de la corona es el precioso medio tiempo, de tono melancólico y guitarra española, “Lo que quieras oir”, que sería otro de los singles de cierto éxito extraídos del LP.

Pistones fueron una de las mejores bandas de los 80 aunque con muy poco reconocimiento, quizas algun dia como ha pasado con 091 se pongan las cosas en su sitio.

MANIC STREET PREACHERS Know your enemy (Epic, 2001)

 MSP contraatacaron en 2001 con un disco duro y político. La portada, con su estilo de bloques, lo revela a simple vista, al igual que el feroz tema de apertura, "Found that soul". Luego, cuando el álbum se sumerge en "Ocean spray", volviendo brevemente a la atmósfera de su anterior trabajo , queda claro que esto es casi una epopeya. Este es el álbum donde los Manics unen todos sus hilos dispares, suben la apuesta política, prueban cosas nuevas, todo en un intento por demostrar que siguen vigentes. Cuando funciona, puede ser bastante estimulante, pero cuando no, es completamente exasperante. La tensión entre lo ridículo y lo apasionado siempre ha hecho de los Manics una banda fascinante, pero aquí, oscila precariamente entre lo sublime y lo ridículo. Los Manics suenan más convincentes cuando regresan a los rockeros furiosos o en sus extensas baladas de estadio a medio tiempo. Cuando se arriesgan, fracasan estrepitosamente, ya sea en la parodia disco intencionada "Miss Europa disco dancer" o en "So why so sad", otro horrible y pesado homenaje a Brian Wilson.

 Luego está la politización, todavía encaprichados con el marxismo, despotricando sobre injusticias de hace 50 años y aprendiendo un poco de historia del arte, para luego salpicar su discurso con referencias que revelan lo cultos que son. Así, el resultado es la mediocre "Baby Elian", la aceptable aunque forzada "Let Robeson sing", la incómoda "My Guernica" y la encantadora "Freedom of speech won't feed my children", en la que Richard Gere se convierte en el embajador del feo e hipócrita liberalismo estadounidense, vinculando de alguna manera "besarle el trasero al Dalai Lama" con el bombardeo de la embajada china. 

Ahora bien, los Manics, tanto bajo la dirección de James como de Wire , siempre han transitado por esta línea (particularmente en The Holy Bible), donde funcionó gracias a la intensa rabia de las letras y la música, pero aquí los objetivos parecen un tanto perezosos y obvios, y dado que se extienden a lo largo de un disco que dura unos interminables 74 minutos (incluido el espacio que separa la pista 16 y una pista extra), ya no parecen peculiaridades, sino muletas. Dañan gravemente un disco que suena más potente y mejor que cualquier otro desde la desaparición de Richey James , pero carece del sentido de la artesanía que convirtió a Everything Must Go (1996)
en una pequeña obra maestra.

DAMIEN JURADO Brothers and sisters of the ethernal son (Secretly Canadian, 2014)

 Brothers and Sisters of the Eternal Son és un conjunto de canciones sinuosas que ocultan intrincadas técnicas de producción en las composiciones cada vez más complejas y con múltiples capas de Jurado. El elemento más destacable es la fuerte influencia del dub de los 70, que al principio se esconde en los rincones, pero que finalmente se extiende a lo largo del álbum. Las voces procesadas de "Jericho Road" vibran con ecos distorsionados mientras la canción se desarrolla en lo que suena como una actualización de una pista perdida de Jesus Christ Superstar. Esta canción se extiende a la épica "Silver Donna", también empapada de eco acuoso, percusión de mano con mucho ritmo y voces en falsete de Jurado, alcanzando su clímax con armonías ondulantes de llamada y respuesta cerca del final de la canción.

 En algún punto entre los momentos más enérgicos de los primeros Crosby, Stills, Nash & Young y la encantadora confusión de los álbumes de Congos producidos por Lee Perry , la canción encuentra su voz singularmente quebrada. En otras partes del álbum, las elevadas autoharpas, los tonos psicodélicos del órgano y los brillantes arreglos, a menudo orquestales, de Swift no dejan ningún espacio demasiado vacío o demasiado expuesto. Como una versión mucho más experimental del ritmo perfecto de las mejores obras de Bon Iver , canciones como "Silver Katherine" fusionan la siempre hermosa composición de Jurado con un acompañamiento magnífico y la dosis justa de magia de estudio para mantener el ritmo durante todo el álbum.

 Lo que podría haber sido un álbum algo monótono se transforma en un espacio de introspección profunda, una intensa dinámica emocional y misteriosas connotaciones religiosas. Este álbum da continuidad al trabajo vibrante y ambicioso de sus predecesores.

THE STROKES Room on fire (RCA, 2003)

 El primer sencillo de este segundo trabajo, "12:51", deja clara la intención de The Strokes, sus guitarras silbantes y sintetizadas, junto con las palmas, son innegablemente pegadizas, pero al principio, la canción parece estar buscando una estructura. Sin embargo, con el tiempo se vuelve sutilmente adictiva: es una canción pop encubierta. Del mismo modo, el álbum comienza con "What ever happened?", no precisamente el comienzo más probable para lo que debería ser un segundo álbum triunfal de una de las bandas de rock más aclamadas de la década de 2000. En muchos sentidos, Room on Fire es el intento de The Strokes por ser tomados en serio.

Room on Fire también tiene una actitud distintiva. Is This It (2001) sonaba sin esfuerzo, pero es evidente que se puso mucho esfuerzo en Room on Fire. Sin embargo, los momentos más elaborados del álbum son los más emocionantes, "Automatic stop", una mirada juguetona y conmovedora a un triángulo amoroso, avanza con un ritmo reggae, "Under control", un homenaje extrañamente hermoso al soul de los 60, es posiblemente para mi la mejor canción de The Strokes hasta la fecha. Varias canciones recapturan algo de la exuberancia de Is This It, "You talk way too much" acelera con uno de sus riffs más al estilo de The Velvet Underground, la línea de bajo al estilo Motown y las guitarras brillantes de "Meet me in the bathroom" añaden algo de estilo a su descaro.

Sin embargo hay una especie de cansancio que flota en el disco como humo rancio, especialmente en "The end has no end", una canción repetitiva sobre una ruptura molesta que repite una y otra vez su título, "Reptilia", mientras tanto, suena como una larga noche de fiesta que se ha agriado. Esta sensación, la precisión de la interpretación y los arreglos de la banda, y la forma en que cada canción termina abruptamente a veces hacen que el álbum suene demasiado cerrado.

Algunos podrían quejarse de que nunca segundas partes fueron buenas
, pero Room on Fire demuestra que, incluso después de todo lo que les ha sucedido, The Strokes aún pueden sorprender.

MOGWAI Les revenants (SUB POP, 2013)

 Desde la impactante escena de 28 Days Later, cuando el personaje de Cillian Murphy despierta y encuentra Londres transformado en un páramo al ritmo de "East hastings" de Godspeed You! Black Emperor , el post-rock y los zombis han ido de la mano. 

Mogwai, que ha explorado la muerte y el horror en su música desde sus inicios y ha compuesto bandas sonoras para Zidane y La Fuente de Darren Aronofsky , llevaba tiempo queriendo componer música para un proyecto como Les Revenants, su banda sonora para la serie de televisión francesa basada en la película homónima de 2004. En la serie, los muertos se levantan de sus tumbas, pero el mundo no se acaba y el pánico no se desata necesariamente (al menos no de inmediato). Reflejando esto, la música de Mogwai es más bien una explosión musical que se cuece a fuego lento. 

Les Revenants es una banda sonora genuina, ya que rara vez llama la atención y sus melodías evocan atmósferas en lugar de forzarlas. Esta música suele ser contenida, incluso suave, recordando a veces los momentos más delicados sus primeros EPs en temas como "Relative hysteria", "Special N" y "Fridge magic", que brilla con una gélida amenaza. Incluso hay una especie de nana en "What are they doing in heaven today?
" , una de las pocas canciones para cantar a coro en el repertorio de la banda. Por supuesto, hay algunos momentos dramáticos, sobre todo en los temas que enmarcan la banda sonora, "Hungry face" y "Wizard motor", y en la ominosa "This Messiah needs watching", con su bajo distorsionado, pero incluso esos temas nunca explotan como lo hicieron álbumes como Hardcore Will Never Die, But You Will (2011) . 

Y eso es algo bueno: si bien Mogwai es conocido por definir el sonido del post-rock, también son muy buenos desafiando las expectativas, algo que Les Revenants logra con una brillantez íntima y discreta.

AZTEC CAMERA Stray (wea, 1990)

 Tras el dance-pop de Love de 1987 , Stray es una de las colecciones de canciones más seguras y diversas de Roddy Frame . A diferencia de los álbumes anteriores de Aztec Camera, no hay un estilo unificador en el disco, y la variedad convierte a Stray en una de las mejores colecciones de Frame. 

Desde el pop rock de los sencillos "The crying scene" (lo más cerca que Aztec Camera estuvo de un éxito en Estados Unidos) y "Good morning Britain" (una vibrante colaboración con Mick Jones de The Clash y Big Audio Dynamite ) hasta el jazz elegante y sofisticado al estilo Chet Baker de "Over my head", Frame abarca todo el espectro musical, pero es el cuarteto de canciones que conforma la segunda mitad del álbum el que más impresiona. Estas cuatro canciones, "How it is", "The gentle kind", "Notting Hill Blues" y la tierna canción acústica que cierra el disco, "Song for a friend", forman un ciclo conectado que mezcla folk, soul y pop en proporciones variables. 

Comenzando con una denuncia amargamente cínica de la sociedad moderna, las cuatro canciones transitan por la tristeza y la resignación hasta un final esperanzador y dulce. Despojadas de la pretenciosidad que empaña algunas de las letras anteriores de Frame —escritas, para ser justos, cuando aún era adolescente—, las letras de Stray son las primeras que están a la altura del notable sentido melódico de Frame . La producción sencilla y discreta de Frame y Eric Calvi también se aleja de los desafortunados excesos tanto de Love como de su desafortunado predecesor producido por Mark Knopfler , Knife (1984). 

Con la excepción del álbum debut de Aztec Camera de 1983, High Land Hard Rain (1983)
, este es el mejor álbum de Roddy Frame .

FALETE Amar duele (Sony BMG, 2004)

 "En un tiempo en el que los cantantes no cantan y los artistas parece que se han olvidado de que la palabra artista viene de arte, llega Falete, lo que no hay, lo que faltaba: trae el eco de Caracol y Juan Gabriel, de Bambino y de Rocío Jurado", escribe Jesús Quintero de Falete. Y le conoce bien, desde hace tiempo. Los dos son ratones coloraos.

Porque Falete es un habitual de Ratones Coloraos, el programa de Jesús Quintero en Canal Sur TV. Sevillano de 25 años, el arte le viene de lejos: su padre fue uno de los Cantores de Híspalis. A los 17 años debutó en el teatro Lope de Vega, de Sevilla, cantando para La Chunga. Después viajó a Estados Unidos, cantó al lado de Juanito Valderrama, José Menese y José Manuel Soto, apareció en 1997 en la antología Novísimos... Huele a flamenco, regresó a Japón en el 2002 junto a la Paquera de Jerez para hacer una gira por teatros... Y por fin, en 2004 Falete publica su disco Amar duele.

Aquí no hay broma porque como dice su productor José Miguel Évora "graba como los antiguos, del tirón". No se bromea con canciones que en su día bordaron Bambino (Payaso, Procuro olvidarte) o Rocío Jurado (Lo siento mi amor, Señora) o Chavela Vargas (Un mundo raro) o La Lupe (Puro teatro). Pero Falete es imprevisible y junto a estos excesos se atreve con el Palabras para Julia de Paco Ibáñez y José Agustín Goytisolo. Excéntrico.

Composiciones de Manuel Alejandro, José Alfredo Jiménez o Tite Curet que Falete canta por bulerías, por rumbas, por balada o por lo que haga falta. Canciones que parecen hechas para él porque, como dice Jesús Quintero "Falete canta lo que ha perdido".

Critica de LaHiguera.net