CLAUSTROFOBIA Un chien andaluz (Nuevos Medios, 1989)

 Un Chien Andaluz, editado por Nuevos Medios en 1989, disco considerado en su día el mejor LP del año por RN3, es una joya desde el primer microsurco al último, es la obra de músicos en estado de gracia.

Por supuesto, nadie en 1989 entendió nada. El malditismo iba de serie con Claustrofobia. Aún hoy este memorable grupo apenas deja rastros en internet, su web, ubicada (parece ser) en un dominio checo, está baneada.

Grabado en Bellcaire d’Urgell, Un Chien Andaluz no solo merece figurar en la categoría de los 50 mejores Lps del pop español, sino que podría estar en la categoría de los 10 mejores de todos los tiempos. 

 Introducen de manera casi constante en el disco elementos árabes, con recitados, ambientaciones e incluso temas enteros extraídos del mismo desierto norteafricano (“Muluk el hwa”). La ligazón del flamenco y la música árabe se hace en este nuevo trabajo de Claustrofobia de manera indisoluble, haciendo bien que los temas tengan elementos de ambas vertientes coexistiendo o que sencillamente la misma canción evolucione de un extremo a otro continuamente como ocurre con ”A orillas de tu vientre”, que construyen a partir de la electrónica.

“Andalusí errante”, por ejemplo, tiene lírica como de cancionero antiguo que se mantendrá a lo largo de todo el disco, coros hipnóticos de María José y enérgica interpretación de Pedro. Igualmente “Arabesco”, con su letra acerca de personas que sufren marginación incorporada con esa manera tan peculiar desde la voz principal y su ambientación de castañuelas, percusiones y sintetizadores. “Sudor y espuma”, por su lado, arranca oriental para luego irse transformando en una especie de lamento que transcurre perezoso con maneras andalusíes.

Campanillas, ensueño, ambiente etéreo y mágico en “Tu ausencia” es igualmente una pequeña preciosidad. Si para “La camarga”, otro gran momento de combinación árabe – andaluz, contaron con apoyo externo para las voces principales en tono flamenco, con “Carmela: duquesa d’almuhia”, contaron con cuñas en árabe, que se engarzaban a las mil maravillas con ese aire inicial casi de rumba de Kiko Veneno y cante a modo casi de quejío.

Tremenda joya a descubrir de una banda irrepetible.

THE BOLSHOI Friends (Beggars Banquet, 1986)

  Friends es el álbum debut del grupo de 1986 y resume todas las virtudes de la banda. Aunque no tan influenciado por el gótico como el EP Giant (1985) , Friends sigue siendo muy oscuro. Las letras de Trevor Tanner relatan sin tapujos historias de hipocresía en "Away" y "Sunday morning". En "Away", una familia intenta ocultar que una vez obligaron a su hija a trabajar como prostituta: "El dinero escasea/Pero el honor familiar/Lo trae a casa, lo trae a casa/Y en la tienda, las lenguas se ríen entre dientes", canta Tanner con empatía. "Sunday morning", al igual que "Dear God" de XTC , es un ataque mordaz contra la religión organizada. 

Sin embargo, el objetivo de Tanner no es Dios; es ir a la iglesia. «Recuerdo cuando era joven/Sentirme mal los domingos por la mañana», rememora Tanner . Aunque para algunos pueda parecer una blasfemia, «Sunday morning» ofrece una perspectiva realista,Tanner suena como un antiguo monaguillo amargado, desilusionado por la fachada de inocencia de quienes lo rodean. El piano melancólico y nostálgico de Paul Clark pinta las imágenes descritas por las palabras de Tanner "Romeo in Clover" y "Books on the bonfire" retoman las guitarras sombrías y vertiginosas del pasado de Bolshoi, evocando a Psychedelic Furs y Bauhaus. 

Si bien Friends dista mucho de ser un disco perfecto, sin duda es mucho más nítido que los irregulares Lindy's Party (1987) o Away...Best of the Bolshoi (1987)

. Si el CD Friends/Giant , que combina Friends con el EP Giant , no está a tu alcance, este es el LP del Bolshoi que debes conseguir.

THE BLACK HEART PROCESSION The Spell (Touch and Go, 2006)

 Black Heart Procession, de San Diego, se dedica a crear música espectral y atemporal; podría ser la banda sonora de "El corazón delator" de Edgar Allan Poe, la música de una película muda de Fritz Lang o la música de fondo de algún paisaje postapocalíptico. Combinan la urgencia musical y la acentuación de la guitarra de Amore. Esta última constituye la esencia de The Spell, que compara la naturaleza hechizante del amor —un tema recurrente en Black Heart— con la sumisión consciente de la sociedad al control mental moderno (especialmente después del 11-S).

El tema que abre el disco, "Tangled", "The fix" y la canción que da título al álbum también presentan líneas de guitarra vibrantes —interpretadas alternativamente por Jenkins y Nathaniel— y ritmos de batería insistentes en la mezcla. "The Waiter #5" se despliega con una gracia lánguida, impulsada por la sierra fantasmal de Jenkins. "Return to burn" se arrastra amenazadoramente desde algún pantano prehistórico con el lap steel de Jenkins como grito de sirena, y "To bring you back" es un rapsódico final de disco con una sensación panorámica de las altas llanuras. 

 Tocadas con arco o con los dedos, y en algunos temas ambas técnicas, sus cuerdas evocan todo tipo de estados de ánimo y texturas, desde el latido del corazón de una gitana "Not Just Words" a un aire folclórico de Europa del Este en "The letter". Bajo las melancólicas melodías de The Spell, la sección rítmica palpita con una energía siniestra. Cuando todos estos elementos se fusionan —como sucede, por ejemplo, en el crescendo de "The replacement", o en el majestuoso vals en 6/8 de "The letter", o en la paranoia a doble tempo de "The fix"— el efecto es asombroso. 

La música de Black Heart se compara a menudo con las oscuras inclinaciones de Nick Cave , y ciertamente exploran el mismo territorio melancólico. Sin embargo, las letras de Jenkins tienden a ser escasas y elípticas en lugar del juego de palabras elocuente de Cave .

AEROSMITH Pump (GEFFEN, 1989)

 Con Pump, Aerosmith volvió oficialmente a la cima de su carrera. Lleno de temas rockeros pegadizos como “Young lust”, “The other side” (ambos éxitos menores) y el explosivo “Voodoo medicine Man”, la gran producción de Pump (nuevamente cortesía de Fairburn) y la potente batería de Joey Kramer hacen que estascanciones te muevan. 

La abiertamente comercial “Love in an elevator” (el mayor éxito del álbum) es irresistiblemente pegadiza y encantadoramente descarada, co la mentalidad de Aerosmith de nuevo centrada en el sexo en lugar de en las drogas. De hecho, “Monkey on my back” trata sobre la lucha de la banda por mantenerse limpios (es una lucha diaria). 

En otros temas, “My girl” tiene un ritmo enérgico y “Don't get mad, get even” es un excelente blues pantanoso, fácil de cantar, pero aún mejor es la magnífica “FINE”, que en realidad significa “Jodido, inseguro, neurótico y emocional”, mientras que varios interludios extraños le dan a Pump su propio sabor único e interesante. 

En cuanto a los otros sencillos exitosos, “What it takes” es una balada poderosa excepcional con un gran final desvanecido, mientras que la ganadora del Grammy “Janie's got a gun” es una canción conmovedora sobre el abuso infantil que alcanza una profundidad a la que Aerosmith rara vez aspira, además de ser genial. 

Steven Tyler está en excelente forma vocal en todo momento, mientras que las guitarras de Joe Perry y Brad Whitford proporcionan muchos ganchos, haciendo de Pump fácilmente uno de sus álbunes más potentes y mejores
.

FLEETWOOD MAC Bare trees (Reprise, 1972)

 Podría decirse que este és el primer álbum consistentemente que Fleetwood Mac grabó, Bare Trees de 1972 es también el álbum donde la banda finalmente define su personalidad musical post-blues. Discreto pero menos narcolepticamente suave que el soñoliento Future Games de 1971 , Bare Trees es un álbum de cantautor en el estilo tradicional de principios de los 70, respaldado con la fuerza musical suficiente para evitar sonar como un soft rock débil al estilo de Bread o Cat Stevens . 

Este es el único álbum en el que el cantante y guitarrista Danny Kirwan es la figura dominante, escribiendo cinco canciones frente a las dos de Christine McVie y Bob Welch cada uno. Impresionantemente, los tres compositores logran una pequeña obra maestra en la cara B, "Spare me a little of your love" de McVie suena como un ensayo general para la serie de éxitos que comenzaría a escribir en 1975 , y es su primera canción pop realmente buena. En comparación, las mejores canciones de Kirwan y Welch son hitos de sus carreras. "Dust" de Kirwan combina una melodía suave y fluida con letras melancólicas y resignadas, y un estribillo
memorable. "Sentimental Lady" de Welch fue, por supuesto, su primer éxito en solitario en su versión regrabada de 1977, pero esta toma original es muy superior y una de las grandes canciones pop perdidas de principios de los 70. Con una magnífica melodía vocal, estribillos pegadizos y un impresionante solo de guitarra con trémolo, "Sentimental Lady" tiene una letra quizás algo trillada, pero es una canción sincera y entrañable, y lo mejor que Fleetwood Mac hizo en los años.

 El resto del álbum es menos mágico, pero la instrumental "Sunny side of heaven" y la funky "Danny's chant" impresionan por su uso de arreglos atmosféricos y apuntan a las sutiles pero efectivas decisiones de producción que convertirían a Fleetwood Mac (1975) y Rumours (1977) en algunos de los álbumes más disfrutables de su época. Bare Trees no está a esa altura, pero demuestra que, tras cinco años de falsos comienzos y experimentos fallidos, finalmente estaban en el camino correcto.

ST. ETIENNE Finisterre (MANTRA, 2002)

 ¿Un regreso o una repetición? Independientemente de tu opinión sobre este grupo como fan, es un poco de ambas cosas. Quienes esperaron casi una década a que el grupo volviera a la fórmula desordenada pero magistral de antifórmula de los tres primeros álbumes deberían estar contentos con este. Al igual que So Tough (1993) y Foxbase Alpha (1991) , el flujo del álbum es encantadoramente inconexo y parece estar compuesto de tangentes. 

En ese sentido, Finisterre es un regreso, abandonando los enfoques unificados adoptados en Good Humor (1998) y Sound of Water (2000). El álbum se asemeja a lo que muchos fans de siempre llamarían un regreso descarado: un regreso en lugar de nuevas ideas (por decirlo de alguna manera). El brillante y vibrante instinto dance-pop del grupo rezuma prácticamente en un tercio de estas canciones, aunque ninguna alcanza la altura de su mejor material. 

Si otro tercio del álbum no sonara como si solo pudiera haberse creado tras el resurgimiento del electro  podría haberse publicado en cualquier momento de la segunda mitad de los 90. El resto del álbum, junto con parte del material con influencias electrónicas, explora territorios melancólicos y, en ocasiones, oscuros. De hecho, no hay arreglos de cuerda grandiosos, ni guitarras acústicas delicadamente rasgueadas, ni una sola melodía digna de ser silbada en las últimas cuatro canciones del álbum. 

Aun así, Saint Etienne sigue siendo uno de los mejores grupos
pop de Inglaterra; solo parecen malos cuando se les compara consigo mismos, y este álbum, a pesar de sus defectos, tiene un puñado de momentos capaces de hacerte pensar que son el mejor grupo pop que jamás haya existido.

SUEDE Head music (Nude, 1999)

 Coming Up fue el regreso triunfal que Brett Anderson y compañía esperaban, y fue un disco estupendo, en el que Suede había empezó a alcanzar los límites de las ideas de producción de Ed Buller , además de resultar un tanto superficial. El hecho mismo de que su secuela fuera producida por Steve Osborne , el hombre detrás de los clásicos LP de New Order y Happy Mondays , sugería que estaban volviendo a las oscuras corrientes subterráneas de sus dos primeros discos, pero Head Music es Coming Up, Pt. 2. 

Trabajar con Osborne ha añadió algunos elementos vagos de música electrónica y dance al sonido característico de Suede, pero estos se manifiestan principalmente en forma de sintetizadores analógicos burbujeantes y cajas de ritmos enlatadas de la vieja escuela. En esencia, son solo un adorno, ya que las canciones en sí son extensiones del glamour llamativo de Coming Up . Si bien eso supone una progresión artística, tampoco lo califica como un mal álbum, y nunca sonaron tan espontáneos como aquí. 

La banda nos vacila en el ritmo ridículamente embriagador de "Elephant man". Bien es verdad que es difícil no extrañar a los primeros Suede, la psicodélica "Indian springs" se acerca a capturar la esencia, pero es brillante, no amenazante, y las baladas son bonitas, no majestuosas. Pero incluso en esta encarnación más depurada, nadie hace este tipo de pop basura tan seductoramente como Suede. Nadie puede producir un sencillo tan emocionante como "Electricity", nadie puede crear himnos de sexo y drogas tan electrizantes como "Can't get enough", o suspirar tan atractivamente como "She's in fashion". 

En definitiva, nadie hace que la vulgaridad barata suene tan seductora.

NUEVA VULCANO Principal primera (BCore, 2004)

 Escuchar este disco fué una de las mejores alegrías musicales desde hacía tiempo. Es un disco corto, intenso, variado, y sobretodo, cercano. Pinceladas que recuerdan a Superchunk, voces tipo Los Planetas, Husker Du, punteados con furia, la línea del bajo como una apisonadora, las baterías cortando el tiempo pero añadiendo fuerza…

En definitiva, un trío muy bien compensado, que se dejan respirar y se complementan a la perfección. Sus letras y melodías buscan ahondar e impactar (lo consiguen). 

Yo p
ersonalmente destacaría “Hospital”, “La venda negra”, “El día de la luna”, “Dinamita” y “Quiromancia”. Por citar algunas.

Un disco más cercano al rock independiente y algo alejado de los iniciales postulados de Bcore. Sin embargo, si no tienes manías y sólo buscas un buen disco, este lo es. Y mucho.

AGENT ORANGE This is the voice (ENIGMA, 1986)

 El segundo álbum de Agent Orange, largamente esperado, no es exactamente una segunda parte de Living In Darkness (1981) , aunque en muchos aspectos se diferencia bastante de aquel, el mismo ataque de fuerza nuclear que combina a partes iguales la intensidad del surf y el punk, pegadizo y amenazante a la vez.

 Dicho esto, es un álbum sólido por sí solo, y los pequeños cambios en el sonido básico tienen un gran significado en su contexto. Por ejemplo, Palm estira más su voz que antes, añadiendo más reverberación, la misma que ayudó a dar cuerpo a canciones anteriores como "Somebody to love". El resultado son joyas como los dos primeros temas: la inquietantemente paranoica "Voices (In the night)" y la igualmente psicótica y enérgica "It's in your head". Sus potentes declamaciones semihabladas siguen dominando el álbum en general, pero el ligero ajuste del estilo básico da sus frutos. Musicalmente, la banda acierta de pleno como siempre y sube un poco más el listón, como con los versos angulares y new wave (sin sonar a new wave) de "Fire in the rain", o la frágil guitarra acústica/a lo Byrds en más de un tema. 

Levesque se luce en el bajo, Miller golpea la batería con la misma fuerza que la primera vez (su introducción fluida a la pieza central del álbum, "In your dreams tonight", es un momento destacado), y Palm, como siempre, es un dios de la guitarra infravalorado, que combina potencia, precisión y ganchos a la perfección.

 Este álbum nunca recibió tanta atención como Living, pero no fue por falta de talento.

THE NEW RAEMON A proposito de Garfunkel (BCore, 2008)

Lo nuevo que propone Ramón con este nuevo nombre, es ante todo escuchar su voz en castellano. Una voz que es el plato fuerte de este disco, y  la gran arma de Ramón Rodríguez.

The New Raemon es un proyecto intimista, melancólico e irónico, que da la impresión de haber sido concebido como algo visual, deambulando entre lo literario y lo  musical (incluso lo cinematográfico). Relatos musicados, canciones narradas con esencia de imagen, y de personajes, casi palpables. Y todo eso con un trasfondo sonoro que da la sensación de pasar desapercibido, tras estos ingredientes descritos, pero que después resulta principal causante del enganche directo que se produce con este álbum al primer golpe de escucha.

Cotidiano, construido a partir de emociones y problemas comunes, resulta tan personal como si uno mismo lo hubiera compuesto. Haciéndose acompañar por lo más selecto de Barcelona, Ricky Lavado y Ricky Falkner, de Standstill, entre otros, Ramón hace uso del humor y la palabra para fabricar canciones enormes como “Tú, Garfunkel”, “El fin de la resistencia”, “El cau del pescador”, y las demás.

Equilibrio, tranquilidad; sinceridad y simpleza, belleza y sensibilidad, componen este “A Propósito de Garfunkel” (Cydonia / B-Core, 2008), un inmejorable debut que para ser más perfecto, además cuenta en sus primeras copias de los magníficos dibujos de Martín Romero.

Un suma y sigue que lo convierte en una pequeña delicia de esas que permiten soñar.

Reseña de La Fonoteca a cuenta de la publicación de A propósito de Garfunkel.

MAGA 2001-2008 (Limbo Starr, 2009)

 A finales de 2008 Maga anunció que terminaba su relación con Limbo Starr, la discográfica con la que habían publicado todos sus trabajos, es por eso que Limbo Starr publicó un CD más DVD titulado Maga 2001 - 2008 a modo de repaso de la carrera del grupo junto a ellos.

Además de una selección de sus mejores canciones incluye cinco versiones de Radio Futura, Danza Invisible, La Unión, Depeche Mode y Echo & The Bunnymen.

Como anécdota cabe destacar que Miguel Rivera tenía un grupo de versiones de los años 80 españoles denominado Proyecto Datura. De hecho no es extraño ver al trío tocando en sus conciertos canciones como “Anabel Lee” de Radio Futura. También es de destacar el hecho de que el bajista Javier Vega, uno de los más destacados en ese instrumento del panorama independiente en España, formó parte como miembro estable de la banda de Sr. Chinarro esa etapa del grupo, además de que Jordi Gil se convirtió en el productor habitual de la banda de Antonio Luque.

Para mí Maga és uno de los grupos más especiales y a la vez más injustamente valorados de mi discografía.