P.J. HARVEY Stories from the city, stories from the sea (Island, 2000)

 ¿Polly Harvey de buen humor? Bueno, más o menos. Si bien su característica angustia feminista sigue presente en gran medida, la música es, en general, menos confrontativa que en ttrabajos pasados. Varios temas —"Good fortune", "A place called home", "One line"— rozan el pop; de hecho, podrían pasar por canciones un poco más abstractas de The Pretenders ("You said something" suena como Chrissie Hynde cantando una melodía country mutante).

Dado su título, no sorprende que "The whores hustle and the hustlers whore" logre crear un sonido de guitarra convincentemente atonal, pero por lo demás, la única canción que realmente captura la furia característica de Harvey, al estilo Captain Beefheart, es (de nuevo, como era de esperar, dado el título) "Kamikaze". 

Otros temas destacados son "Big evil", que gira en torno a un mordaz riff neopsicodélico (una especie de "Paperback writer" disonante), la hipnóticamente hermosa "This mess we're in", una especie de pastiche de los primeros Cure a dúo con Thom Yorke de Radiohead, y la canción final "We float", una oda al piano a la reconciliación con los fracasos, que Harvey canta con una dulzura casi inspiradora.

Este album supone la aparición de una Harvey menos visceral a primera escucha, pero tan intensa como en sus comienzos. Desnuda, sincera, algunos de los que no supieron o no quisieron verlo en aquel primer momento han comprobado, con el paso de los años, que todo lo que és Pj. Harvey como artista tiene mucho que ver con lo que nos mostró en este disco, lo que ya conocíamos y sobre todo lo novedoso.

RYAN ADAMS AND THE CARDINALS Jacksonville city nights (Lost Highway, 2005)

 Desde que Gold (2001) no logró convertir a Ryan Adams en una superestrella Ryan Adams se ha refugiado en ejercicios de género, desde el rock elegante hasta el rock alternativo. Después de cuatro meses de Cold Roses (2005) este és la segunda entrega de una trilogía planeada de lanzamientos de 2005. 

Si bien la magnífica portada evoca deliberadamente los clásicos LP de country de los 60, el sonido del álbum no es tan honky tonk como eso sugiere, gracias a un puñado de temas melancólicos como "September", demasiado introspectivos, y que no pueden calificarse como country clasico. Aunque la mayoría de las canciones representan varios arquetipos clásicos del country, desde los dos primeros himnos de bar, "A kiss before i go" y "The end", hasta su dueto de "Dear John" con Norah Jones o el ligero estilo hillbilly de la galopante "Trains" y cómo "My heart is broken" está endulzada con los swings justos para darle un toque de caramelo, pero no para convertirla en una sensiblería country. 

 Es difícil no sacudirse la sospecha de que Ryan Adams es un artista de corte y pega, ya que no solo es fácil detectar influencias en todo el álbum, sino porque la atmósfera del disco causa más impresión que las canciones individuales. 

Dicho esto, Jacksonville City Nights todavía se ubica como uno de los mejores álbumes Adams, no solo porque vuelve a sus raíces, después de todo, esto no es alt-country, esto es country puro, sino porque mantiene un estado de ánimo consistente, está editado con precisión y bien secuenciado. Este és sin duda uno de su trabajos más agradables y, en última instancia, más escuchable.

PALACE MUSIC Arise, therefore (Drag City, 1996)

 Una vez más, Will Oldham con este trabajo emerge de la turbia neblina del Medio Oeste con otra ración de encantadoras y discretas reflexiones en su cuarto álbum de larga duración.

 Arise, Therefore, esta vez grabado bajo el nombre de Palace Music (anteriormente Palace Brothers , Palace Songs o simplemente Palace ), mucho más tranquilo que Viva Last Blues (1995) y menos apalache en su espíritu folk que la música anterior de Palace , las canciones de Arise, Therefore cambian y gimen con crujidos y temblores entrecortados, la voz serpenteante y poética de Oldham y la guitarra acompañada por el bajo de su hermano, Ned , el piano de David Grubbs y (¡sorpresa!) una caja de ritmos Maya Tone. 

Las letras (incluidas por primera vez) son hermosas en su cruda y pálida honestidad tan a menudo como indescifrables. "Veo cosas pintadas en los muros públicos/Ahora, pero también veo otras cosas/Detrás, pero justo delante de mi espíritu, está el verdadero camino trazado en línea", canta en "Kid of Harith". 

No pidas una interpretación: llegará con el tiempo, o no.

SEBADOH Bakesale (SUB POP, 1994)

 Sebadoh empezó como el hobby de dos chicos que pasaban el rato en una residencia universitaria con un reproductor de casettes de cuatro pistas y un poco de hierba, pero para 1994, el proyecto paralelo de Lou Barlow (Dinosaur Jr)
había madurado hasta convertirse en una auténtica banda de rock, y en Bakesale, sonaban más como tal que nunca. Con la marcha de Eric Gaffney , la atención se centró en Barlow y sus canciones, y este se destacó con algunos de sus mejores trabajos hasta la fecha. 

Las confesiones introspectivas de "Not a friend" y "Dreams" eran más articuladas y sentidas que sus trabajos anteriores, y hay una gracia punzante en sus melodías, mientras que aporta un toque de guitarra rock a "License to confuse" y "Magnet's coil". Las melodías del bajista Jason Loewenstein no están tan inspiradas como las de Barlow , pero son efectivas, y sus giros se complementan muy bien con el trabajo de su compañero de banda. 

Y aunque Sebadoh claramente había aprendido mucho de sus años de dedicación al lo-fi, en Bakesale trabajaban en auténticos estudios de grabación y en lugar de tener que esforzarse para escuchar las canciones a través de capas de oscuridad auditiva, aquí Sebadoh irrumpía por los altavoces alto y claro. Y esta versión de la banda resistió bien el escrutinio; Barlow , Loewenstein y el baterista Bob Fay quizá no fueran la banda más compacta del mundo, pero tenían la energía y el compromiso para hacer que estas canciones funcionaran, y el sonido simple, directo y emocionalmente puro de Bakesale les fue de gran ayuda.

 El álbum se sitúa entre la música más potente y accesible que jamás publicarían. Bakesale confirmó que, tanto en teoría como en ejecución, Sebadoh había madurado hasta convertirse en una gran banda de indie rock, y si su obsesión por el amor y la autoestima fracturada aún parecía adolescente, al menos habían pasado de ser estudiantes de octavo a estudiantes de último año de instituto, y eso es un gran salto si se mira en retrospectiva.

SR. CHINARRO El mundo segun (Mushroom Pillow, 2006)

 Tras más de una década de fidelidad inquebrantable en el sello Acuarela, resulta que en sólo dos años el proyecto Sr. Chinarro cambia de discográfica dos veces. De Acuarela a El Ejército Rojo y de este a Mushroom Pillow.

Tras ser elegido disco del año por la revista Rockdelux y elogiado de manera unánime por El Fuego Amigo (2005), auténtica piedra de toque y bifurcación en una carrera de más de diez años, El Mundo Según reincide en la misma fórmula pero con aún más tino. Una apertura musical evidente, el intento por hacer explícitos sus textos lejos de la oscuridad impenetrable de algunos de sus trabajos del pasado dan como resultado un disco brillante, pulido, lleno de arreglos armoniosos y aunque quizá poco sorprendentes siempre eficaces.

La situación personal de Luque, como por ejemplo su reciente paternidad a la que dedica la encantadora y sorprendente “G.G. Peninston” parecen arrojar luz sobre toda la obra llena de guiños a sus fetiches musicales como en “La decoración” con unas guitarras que parecen sacadas de las manos de Johnny Marr. Los aires del sur presentes desde su segundo disco aparecen con total protagonismo en algunos momentos en los que el acento del sevillano salta sin pudor como en la sensacional “Gitana” o la festiva “Del montón”

.Pero entre tanta luz también hay tiempo para las tinieblas. El tono siniestro de canciones como la estremecedora “No dispares” (la más parecida a su etapa en Acuarela), la cautivadora “Angela” o ese retrato de la rutina que engulle a los urbanitas del siglo XXI, a la excepcionalmente brillante “Militar”. Pura angustia existencialista.

 Más que un disco rompedor esto és una puesta en limpio de los méritos obtenidos con El Fuego Amigo, eso sí agrandados y con un sonido más compacto resultado de la estabilidad de tener al fin una banda a la que se puede considerar Sr. Chinarro el grupo y no Antonio Luque y otros músicos que le acompañasen.

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BEN VAUGHN Dressed in black (DEMON, 1990)

 Dressed In Black es el cuarto álbum del músico Ben Vaughn, lanzado en 1990. Ben Vaughn es un cantautor y multiinstrumentista conocido por su mezcla ecléctica de rock, folk y música country.

Este álbum se lanzó tras dos excelentes lanzamientos de Ben Vaughn con Ben Vaughn Combo y un álbum que grabó con los restos del Combo bajo su propio nombre. Para Vaughn, cuyas canciones habían sido versionadas por varios otros artistas (incluidos Marshall Crenshaw y The Skeletons), Dressed in Black fue su primer proyecto de gran presupuesto.

El álbum muestra el singular estilo compositivo de Vaughn y su habilidad para crear melodías pegadizas con un toque vibrante. Las canciones abarcan una amplia gama de temas y emociones, a menudo con un humor irónico. Algunos de sus temas más destacados y conocidos son "Dressed in black", "Big drum sound" y "New wave dancing".

El trío principal se complementa con grandes músicos adicionales, como John Hiatt, Alex Chilton, Foster & Lloyd, Gordon Gano y Peter Holsapple. C
ada músico toca al servicio de las grandes canciones, brindándoles el carácter y el apoyo que necesitan y merecen.

MIGALA La increible aventura (acuarela, 2004)

 Migala, siguiendo el camino empezado en su anterior disco, Restos de un Incendio (2002), en el que la energía se imponía a la nostalgia (sin dejarla de lado), tienen en este trabajo su mejor disco. Más cercanos a ese post-rock al que se refería la revista Wire cuando hablaba de Bark Psychosis que a la fantochada en la que se había convertido el “movimiento” gracias al aburrimiento que ya mostraban (y provocaban) Mogwai y compañía por aquella época, el último disco de los madrileños, que incluían a Nacho Vegas como parte del grupo y tenía a Paco Loco en la producción, fué un acierto detrás de otro.

Las influencias, con las que siembre habían sido muy explícitos, se dejan ver, pero aquí el grupo suena a Migala y sólo a Migala. Sí, hay krautrock en la fantástica “El tigre que hay en ti” y en “Sonnenwende” (esta última con un efectivo toque flamenco, que ellos mismos subrayaban tocando las palmas en directo); hay mucho de Bill Callahan en “You star, strangled”, pero aquí la atención está puesta en lo que ellos y nadie más hacen. Muestra de ello son las extraordinarias instrumentaciones de “www (searching for the Wicked Witch of the West)” y en la final “Lecciones de vuelo con Mathias Rust”.

Finalmente está la obsesión de Migala con el cine que va más allá de sus habituales referencias a películas, aquí en forma de samples de “La Guerra de las Galaxias” (George Lucas, 1978) y “El Mago de Oz” (Victor Fleming, 1939), ya que el disco incluía un DVD en el que Nacho García Piedra ponía imágenes a cada una de las canciones, según el grupo tan importantes como el propio disco.

Migala con este disco consiguieron una obra redonda. Y lo hicieron sin renunciar a todo lo que habían sido a través de los años, sino llevándolo un poco
más allá.

FERIDA verí (Ferida, 2021)

Extracto de la crítica del disco por Xavi Martinez para la revista Ruta 66 de 3 de Marzo de 2021...

 Ferida son un combo que proviene de la provincia de Alicante, y se puede afirmar sin titubear que lo suyo es el punk rock sin aditivos. Este es su tercer larga duración y la cosa sigue sin novedad en el frente, muy fieles a su manera de comprender la música.

Punk rock de manual con dejes hardcore y de corte clásico, lo cual no quiere decir que el cuarteto no tenga su personalidad propia. Cumplen con los requisitos del género, son raudos y van a piñón en tonadas como «Pena De Mort» o «Deixa De Parlar», pero también muestran una querencia notable por la melodía, pero sin caer en la trampa fácil del punk pop californiano. No, lo suyo más bien muestra devoción por las enseñanzas establecidas por Bad Religion o Misfits, e incluso por Social Distortion. «Quan Es Fa De Nit», «Tots Sants» o «Una Veu» serian quizás los más claros ejemplos de estos Ferida más melódicos.  Punk rock, algo de hardcore, melodías, textos con sustancia esto es lo que vuelven a ofrecer Ferida en su nueva referencia discográfica que además cuenta con una producción nítida pero no exenta de mala uva y pegada. Dicen que las heridas tienen que cicatrizar, pero tratándose de esta creo que vale la pena dejarla abierta durante unas cuantas escuchas.

TOM PETTY Full moon fever (MCA, 1989)

 Aunque Let Me Up (I've Had Enough) (1987) encontró a los Heartbreakers recuperando su fuerza como banda y descubriendo una nueva manera de  componer canciones, simplemente no se vendió tan bien. Quizás ese factor, junto con la fatiga de la carretera, llevó a Tom Petty a grabar su primer álbum en solitario, Full Moon Fever. 

Sin embargo, la distinción entre "solo" y " Heartbreakers " es difusa porque Full Moon Fever tiene esencialmente el mismo estilo que los álbumes de Heartbreakers ; Mike Campbell coescribió dos canciones y coprodujo el disco, y él, junto con Benmont Tench y Howie Epstein , tocan en el álbum. Sin embargo, el álbum suena diferente a cualquier disco de Heartbreakers debido a la presencia del exlíder de Electric Light Orchestra, Jeff Lynne . Petty coescribió la mayor parte del álbum con Lynne , quien también es el productor principal del disco. 

En sus manos, el rock de raíces de Petty se vuelve limpio y brillante, con capas de brillantes armonías vocales, teclados y guitarras acústicas. Es un sonido amigable, listo para la radio, y si bien ha envejecido un poco con los años, su maestría sigue siendo admirable y atractiva. Pero la verdadera razón por la que Full Moon Fever se convirtió en el mayor éxito de Petty es que contaba con una selección de canciones que rivalizaba con Damn the Torpedoes (1979).

 Full Moon Fever no tenía un solo tema flojo; aunque algunos no fueran tan fuertes como otros, el álbum estaba lleno de momentos destacados: "I won't back down", la melancólica "A face in the crowd", los descartes del rockabilly "Yer so bad" y "A mind with a heart of its own", la versión de los Byrds "Feel a whole lot better", la contundente "Runnin' down a dream" y "Free fallin'", una balada sobre la transición a la edad adulta que podría ser la mejor canción de Petty. 

Full Moon Fever podría haber sido concebido como un desvío improvisado, pero se convirtió en una pequeña obra maestra.

SEPTIMO SELLO Ya empezamos (Twins, 1986)

 Cuando llego el éxito se incorporo el "punky" en la guitarra y se grabo el Lp 'Ya empezamos' producido esta vez por el entonces "Rey Midas" Paco Trinidad. De aquí salió una frondosísima colaboración que se plasmaría en decenas de Lps de éxito en el que colaboraba como programador, arreglista o voces en coros (Hombres G, Duncan Dhu...). Paco fue el "culpable" de mi incorporación al mundo midi, por que me empujo a comprarme el primer sequenciador SQD-1 de Korg. Tampoco quiero dejar pasar por alto que el técnico de sonido fue Eugenio Muñoz en los estudios Trak de Madrid y del que, ahora me honro ser su amigo. Eugenio Muñoz es el dueño de los estudios BOX y fue ,junto con Luís Delgado (otro gran amigo mio) Mecánica Popular, uno de los proyectos musicales que mas influencia ejerció en mi vida, como concepto sonoro.

Luego llegó un batería y poco a poco el concepto techno fue diluyéndose. Esto y otros problemas añadidos hacen que tome la decisión de abandonar un grupo que yo había creado y que deje a la deriva para su hundimiento.

Extracto de una conversación de Mariano Lozano (creador, compositor y caja de ritmos de Septimo Sello) para la web Grupos Nacionales Nuevaola80

LOS FABULOSOS CADILLACS El ritmo mundial (CBS, 1988)

 Lanzado en 1988, el tercer disco de Los Fabulosos Cadillacs no hizo más que terminar de confirmar el éxito que habían cosechado con sus dos primeras producciones (Bares y Fondas, de 1986 y Yo Te Avisé, de 1987). Originalmente llamado El Ritmo Mundial. La Revolución del Rock, en su versión de Long Play, su nombre fue acortado cuando se adaptó al formato CD.

Con apenas una duración de 37:30 minutos, esta obra invita a cantar a los gritos durante la mayor parte de sus once canciones. 

Se trata de un material que combina principalmente letras de amor con ritmos ska, rock y cierto coqueteo con el rap y la salsa. De aquí se extraen temas que se volverían auténticos himnos del grupo con el correr de los años, como “Revolution rock” (cover de The Clash), “Vasos vacíos”, “N° 2 en tu lista” o “Te tiraré del altar”. Aunque también hay otras grandes canciones como “Conversación nocturna”, “Siempre me hablaste de ella” o “Más solo que la noche anterior”.   Según describió el propio Vicentico en una entrevista en 2009, este disco “se anticipó a toda la onda que llamaron ‘alterlatino’. El título es claro: quisimos mezclar ritmos de todos lados. Creo que fue un disco adelantado a la época”.

 Nada mejor para distraerse que ponerse a cantar y bailar sin parar (o al menos por el tiempo que dura este discazo). Ponele play y dejate llevar
.