YANN TIERSEN Dust lane (MUTE, 2010)

Incluso en la era de la información, el mundo aún no se ha vuelto tan pequeño como la gente suele creer. De lo contrario, un talento como el de Yann Tiersen no habría eludido el reconocimiento internacional durante tanto tiempo. El compositor y multiinstrumentista francés Tiersen es un músico de formación clásica que creció en la era post-punk, y ambos mundos musicales influyen en su obra. A pesar de muchos años de álbumes en solitario de gran repercusión, bandas sonoras y colaboraciones con artistas tan diversos como Jane Birkin y The Divine Comedy , Dust Lane fué su primer álbum con un sello estadounidense.

 Se trata de una obra rica, evocadora y compleja en la que Tiersen demuestra su destreza instrumental, tocando una amplia gama de instrumentos, desde cuerdas hasta sintetizadores, en sus evocadoras composiciones de rock clásico. Temas vocales como "Fuck me" muestran el lado más pop de Tiersen, logrando un sonido contagioso y épico a medio camino entre M83 y Broken Social Scene , mientras que "Ashes" parece más acorde con su extenso trabajo en bandas sonoras, ya que se desarrolla gradualmente desde cuerdas que generan tensión y un piano que recuerda a las películas de terror, hasta ráfagas de guitarra distorsionadas y cánticos corales. Sin embargo, la sensación predominante en Dust Lane es la de un artista que venera a Ravel y a los Swans por igual, como se ejemplifica en "Dark stuff" y "Palestine", donde voces habladas y susurradas puntúan una oscura y dramática mezcla de ritmos rockeros, modalidades folk europeas y una concepción sonora sinfónica que distingue a Tiersen de los simples creadores de atmósferas sombrías. 

Dust Lane es el tipo de disco que te atrapa en su propio mundo y te arrastra con su viaje, tan inquietante como intrigante.
 

A-HA Scoundrel days (wea, 1986)

 Aunque no tan potente como su álbum debut, Scoundrel Days sigue triunfando musical y líricamente con el público como ningún clásico. Las dos primeras canciones constituyen uno de los mejores comienzos: la tensa melodía del tema que da título al disco, con la impresionante voz de Morten Harket en el estribillo y una música nítida y precisa, y "The swing of things", una pieza melancólica y elegante con un precioso arreglo de sintetizador y guitarra (además de una excelente batería a cargo del profesional de estudio Michael Sturgis ) y letras profundamente desgarradoras que rozan la intensidad sin llegar a desbordarse. 

Si bien el resto del disco no alcanza el nivel del inicio, se acerca bastante. Un claro punto débil son los intentos ocasionales de la banda por demostrar que son una banda "de verdad" con un rock más enérgico, como en "I've been losing you", realmente no hay necesidad de ello, y como resultado suenan mucho más "falsos", irónicamente. 

Otras canciones quizás solo se expliquen por la necesidad de traducir las letras: "We're looking for the whales" no es un himno ambiental, ni tampoco "Cry wolf", pero ninguna de las dos logra usar la naturaleza como metáfora romántica. Sin embargo, cuando a-ha está en su mejor momento, lo está: "October" fluye con un genial arreglo de bajo y teclados y una voz susurrante de Harket , "Maybe maybe" es un pequeño y peculiar tema pop que resulta encantadoramente tonto, mientras que "Soft rains of April" captura a la banda en su momento más dramático, con los sintetizadores de cuerda que le dan a Harket una base perfecta para lanzarse a una hermosa voz, concluyendo con un repentino y apagado susurro.

 Puede que los años 80 hayan quedado atrás, pero Scoundrel Days deja claro que no todo era malo en aquella época.

PARAMOUNT STYLES Heaven's alright (Cycle, 2010)

 Hay momentos en que sientes que tus oídos han viajado en el tiempo y te han transportado al Nueva York de los noventa, y así es exactamente como me impactó Heaven's Alright de Paramount Styles, la banda formada por el guitarrista de Girls Against Boys Scott McCloud. No es que lo retro sea lo principal, pero este álbum tiene esa atmósfera de aquella época.

Es difícil no pensar en figuras como Lou Reed al escuchar "Steal your life". Sobre un piano envolvente, la voz de Scott McCloud evoca profundamente los lacónicos cigarrillos que fumaba con tanta frecuencia el mencionado Sr. Reed. Incluso la líricamente dudosa —una desafortunada obsesión— "The girls of Prague" suena como si transcurriera en un suburbio neoyorquino con un sonido de guitarras. De igual modo, en momentos reflexivos como en "Stay alive", escuchamos las palabras de un cantautor de la gran ciudad, hastiado del mundo.

Si bien tal vez se adentran demasiado tiempo en terrenos melancólicos, Paramount Styles nos ofrece un álbum que avanza en línea recta hacia la redención.

SEEFEEL Quique (Too Pure, 1993)

 Los inicios de Seefeel son tan brillantes como misteriosos. Mark Clifford , Daren Seymour , Justin Fletcher y Sarah Peacock habían desatado una curiosa mezcla de rock progresivo, ambient y minimalismo, una especie de híbrido electrónico que hacía que los oyentes se rascaran la cabeza mientras pulsaban el botón de repetición. Las estructuras de las canciones se basan en añadir y quitar capas, manteniendo los cambios de acordes al mínimo. Temas como "Climactic phase 3" y "Polyfusion" se deslizan sobre brillantes collages de bucles de teclado ocasionalmente adornados por las frases vocales sin palabras de Peacock . "Industrious" es un cielo abierto de majestuosa ambientación y voces, con una batería corta que ancla la mezcla por todos lados. "Imperial" superpone varias capas de secuenciación  induciendo una especie de trance que nada tiene que ver con la pista de baile. "Plainsong" avanza con un ritmo trepidante, aquí, la voz de Peacock es igualmente simple en su interpretación. 

"Charlotte's mouth" es otra compilación de bucles de guitarra muy producidos, como gotas armónicas de retroalimentación que caen alrededor de una pista rítmica seca y zumbidos de notas de bajo dub. "Through you" gotea desde las vigas con acordes ambientales y épicos y una cueva húmeda llena de burbujeo de batería carbonatado, y la apropiadamente titulada "Filter dub" sigue el estilo rítmico implícito, con nubes saturadas de reverberación fantasmal. El álbum cierra con "Signals", una sosegada plegaria nocturna que brilla y centellea en una animación suspendida, muy similar al rico y explorado Apollo: Atmospheres & Soundtracks de Eno y Lanois. 

El cuarteto se adentraría más tarde en terrenos más oscuros con álbumes minimalistas como Succour y CH-VOX , pero aquí se mantienen más fieles a sus raíces como un grupo impulsado por la guitarra. En cierto modo, esto
es Seefeel en su versión más elaborada. Entrecierran los ojos observando las refracciones geométricas de la luz y graban los resultados.

DEPECHE MODE Exciter (MUTE, 2001)

 Es raro encontrar bandas capaces de mantener sus mejores cualidades en primer plano mientras experimentan con algo nuevo en cada lanzamiento, pero Depeche Mode demuestra ese equilibrio a la perfección en este para mi  maravilloso Exciter.

 Posiblemente el primer álbum del grupo como unidad cohesionada desde Violator  (1990) y con cierta semejanza a ese disco en el título general y los nombres de las canciones; compárese "The sweetest condition" con "The sweetest perfection", Exciter muestra al trío nuevamente equilibrando el pop con profundidades experimentales. Al igual que con Ultra (1997) , un productor externo ayuda a enfocar el resultado final en direcciones nuevas e intrigantes, en este caso, dicho productor es Mark Bell , conocido por su trabajo con Björk , pero también como parte del grupo insignia de Warp Records, LFO , que siempre reconoció su propio debut con Depeche. El oído de Bell para ritmos minimalistas y nítidos, y arreglos y cambios rápidos y sutiles, se adaptan maravillosamente a las canciones de Martin Gore . Si bien en esta ocasión hay pocos temas arrolladores que hagan vibrar estadios, la exquisita delicadeza que impregna todo el álbum es adictiva, con la guitarra de Gore ofreciendo solos resbaladizos y punzantes que se integran a la perfección con el flujo romántico y ahumado de Exciter. 

"When the body speaks" es una joya, donde su delicado trabajo y la sección de cuerdas de acompañamiento se combinan a la perfección. La voz de David Gahan , que ya se notaba que había aprendido en Ultra , es aún más flexible y apasionada que antes, desde la interpretación más plena del encanto sinuoso de "Shine" hasta el inquietante tema que cierra el álbum, "Goodnight lovers", una romántica nana con coros de contrapunto perfectos. El canto de Gore sigue siendo igualmente excelente, al igual que sus obsesiones líricas sobre, bueno, la obsesión: "Breathe", que cita más nombres bíblicos por verso que la mayoría de los predicadores, es un buen ejemplo en ambos sentidos. Cuando la banda sube el volumen al máximo, los resultados también funcionan: "The dead of night" es un homenaje mucho mejor a las raíces glam de Gore y a los descendientes del dance industrial de Depeche Mode que "Rush" de Songs of Faith and Devotion (1993)
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