LA BUENA VIDA Album (SINNAMON, 2003)

 Aqui dejo la crítica que hizo del disco Fernando Navarro para IndyRock...

Tras cerrar su primera etapa como banda con el excelente `Hallelujah´ (y su apostilla `Harmónica´), La Buena Vida afrontan la continuación a su carrera casi como un nuevo principio (nuevo sello, Sinnamon Records, y un título inequívoco `Álbum´) con una obra paradójicamente continuista que contiene algunos de los más hermosos momentos que han grabado nunca los donostiarras. 

Obra sobre las formas del amor, sobre las disfunciones emocionales de una pareja, sobre campos, ciudades cubiertas por la nieve y luego por el sol, `Álbum´ cuenta en breves retazos, como hojas desprendidas de un árbol grande y viejo, los recuerdos de una pareja que se distancia y que narra su historia desde la distancia, perdidos cada uno en algún lugar, alejados de cuanto conocen, ignorantes del devenir de la existencia del otro. Obra de iniciación sobre la aceptación (o no) de los desastres, La Buena Vida convertidos ya (casi como Truffaut) en los cronistas definitivos del amor, los más verosímiles y sin duda los más conmovedores, han grabado una obra sobre pequeñas renuncias y sacrificios (`Lo que dicte el corazón´ o `Nada debería fallar´ insisten en ello) sobre la idealización del dolor y el autoengaño (`Un Actor Mejicano´, `Deja las Tiendas Desiertas´) donde la belleza siempre acaba por sorprender, apareciendo en cualquier recodo, en las curvas (los sofisticados arreglos de `Aún te puedo ver´, el adictivo increscendo de `hh:mm:ss´) que roza la tragedia (esa pequeña maravilla en forma de huida, sobrecogedora e intensa que se llama `Rumbo a...´, para mí, la canción del disco y aspirante a canción del año) para culminar con la maravillosa `Los planetas´, canción de múltiples lecturas en la que sobresale una estupenda idea final: entre los planetas, las constelaciones, entre el vértigo del cosmos, aún ahí, queda espacio para nuevos comienzos, para historias, para los sentimientos puros. El amor cabe en el universo, vienen a decir.

BILLY BRAGG Don't try this at home (Elektra, 1991)

 Heredero directo de la consecuencias del thatcherismo y de la que significaba el White Riot de The Clash. Bragg entra en los noventa con ganas de hacer un disco de banda, algo que iba haciendo poco a poco, introdujendo cada vez más instrumentos y colaboraciones. No quería ser el típico cantautor con guitarra al ristre y este trabajo da fé de ello. A Johnny Marr que produce dos temas del disco se le unen gente como Peter Buck y Michael Stipe de REM además de Danny y la habitual Kirsty MacColl. Entre todos se marcan un gran trabajo en el que brillan también versiones de Gregg Trooper, Sid Griffin o Fred Neil.

Aquí hay temas insuperables como "You woke up my neighbourhood" compuesta a medias con Buck y con Michael Stipe haciendo coros, la política "Rumours of a war" o la tierna "Mother of the bride" con la mandolina otra vez de Peter Buck. Pero también hay espacio para ese humno power pop que és "Sexuality" o la energética "Accident waiting to happen".

Demasiado se olvidan de este trabajo cuando se habla de las grandes obras de Billy Bragg aunque para mí és uno de sus puntales al lado de otro gran y olvidado disco como fué William Bloke (1996).

VIETNAM (BFE, 2017)

Este és el disco de debut de los Joy Division de Nueva Zelanda de 1985 reeditado por la discográfica valenciana B.F.E. en 2017, un disco que estaba absolutamente descatalogado de una banda prácticamente desconocida por aquí.

Aqui va un extracto de una entrevista en VICE con el bajista del grupo Adrian Workman en 2017 a propósito de esta reedición...

Se ha hablado mucho de la escena Flying Nun de Dunedin, pero ¿cómo era la escena de Wellington en aquella época? ¿Había mucho punk o post-punk? 

Cuando nos formamos en 1982, la escena punk local ya había experimentado un cambio significativo con respecto a las raíces de 1977. Había más diversidad emergente y el post-punk se estaba dando a conocer. Ahí es donde encajamos. Los pubs aún se resistían a contratar bandas, así que muchos conciertos se celebraban en locales alternativos como centros comunitarios. Era una escena vibrante, pero también muy volátil. Los conciertos a menudo se veían empañados por la violencia debido a la concentración de diferentes facciones de la comunidad punk en un mismo lugar. Las bandas se apoyaban mutuamente, compartiendo equipo y promocionando conciertos colectivamente.

¿Cuánta influencia tuvo Joy Division en la banda?

Nunca trazamos un rumbo musical específico con mucha profundidad. Sí escuché a Joy Division y creo que Shane también. Como bajista, me influyeron mucho Peter Hook de Joy Division y Simon Gallop de The Cure. El uso de efectos y la forma en que contribuyeron melódicamente a la música fue una revelación. En cuanto a las letras, ambas bandas también me conmovieron; capturaron la pesadez y la desesperación de la época. Tomé una cerveza muy oportuna y charlé de política (entre otras cosas) con Robert Smith después de un concierto de The Cure en Wellington en 1984. Después de ese encuentro, los paralelismos entre la Nueva Zelanda de Robert Muldoon y la Gran Bretaña de Thatcher y su influencia en la música cobraron sentido.

El álbum se lanzó unos años después de "Sunday Bloody Sunday" de U2. ¿Influyó su pop con tintes políticos en su sonido?

Sí, diría que probablemente nos influyó U2 de alguna manera. Nueva Zelanda captaba rápidamente las nuevas bandas y siempre estaban destinadas a ser algo especial. Recuerdo escuchar a Boy  en 1980 y quedar alucinado con la producción de Steve Lillywhite. Vi a U2 en Wellington en 1984 y sigue siendo uno de mis cinco conciertos favoritos. Estaban genial, y esto fue antes de los secuenciadores y las tonterías que introdujeron después. 

¿Te mudaste a Sídney un mes después del lanzamiento del EP? ¿Por qué? 

A finales de 1984, yo estaba prácticamente de camino a mi salida. Había muchos asuntos pendientes para mí y lo estaba pasando muy mal. Pete y yo negociamos que me quedaría un poco más para grabar algo. Él se fue y, sorprendentemente, consiguió una subvención del Consejo de las Artes que nos permitió financiar la grabación y cerrar el contrato con Jayrem. Vietnam no volvió a tocar después del lanzamiento del EP. Todavía no me siento del todo cómodo con mi decisión de dejar la banda en ese momento, pero hubo otros factores en juego.

¿Cuándo notaste por primera vez el interés en internet por la banda? 

Hace unos cinco años, alguien publicó el video de "Victory" en YouTube, y poco después, Frankie Teardrop, un bloguero neoyorquino, reseñó el EP en su sitio web. Se empezaron a usar frases como "clásico neozelandés perdido" y se le atribuyó un aire enigmático a la banda debido a nuestra falta de presencia en la web. Empecé una relación con Frankie y nos hemos hecho buenos amigos. Le envié una copia impecable del EP el año pasado por Navidad y ahora pincha "Victory" con frecuencia cuando pincha en los clubes alternativos de Nueva York.

BRUCE SPRINGSTEEN Born in the U.S.A. (COLUMBIA, 1984)

 Publicado en 1984, este disco se convirtió en un fenómeno comercial. Vendió más de 30 millones de copias y posicionando siete sencillos en el top 10 de Billboard, a pesar de albergar letras de profundo calado crítico. Grabado en los estudios Hit Factory de Nueva York entre enero de 1982 y marzo de 1984, Born in the U.S.A. significó el regreso de Springsteen a un sonido de rock más expansivo, tras la publicación de Nebraska (1983), un álbum de corte intimista y folk.

Sin embargo, el nuevo trabajo mantuvo la carga lírica de su predecesor, incluyendo letras que abordaban el pesimismo y el aislamiento. El ejemplo más emblemático es la canción que da título al álbum, Born in the U.S.A. A menudo fue interpretada erróneamente como un himno patriótico, cuando en realidad contiene una dura crítica a la participación de Estados Unidos en la Guerra de Vietnam. Y, en particular, al trato que recibieron los veteranos de dicho conflicto.

En comparación con trabajos anteriores como Born to Run (1975), el álbum incorporó un sonido más comercial. Estuvo marcado por el uso de sintetizadores, lo que contribuyó a expandir su creciente popularidad. Varias de las canciones del álbum, incluyendo la homónima, "Cover me" y "I'm on fire", ya estaban en desarrollo durante las sesiones de Nebraska, a última hora entró la crucial y exitosa "Dancing in the dark".

Otra canción que estuvo a punto de quedar fuera fue "No surrender". Springsteen dudaba de su inclusión porque sentía que "no siempre te mantienes y triunfas todo el tiempo en vida"

Born in the U.S.A. fue el álbum más vendido de 1985 en los Estados Unidos y el trabajo más exitoso comercialmente de Springsteen. Además, ostenta el hito de haber sido el primer disco compacto manufacturado en los Estados Unidos, cuando CBS inauguró su planta en Indiana en septiembre de 1984.

THE SMITHS Louder than bombs (Rough Trade, 1987)

 Esto és una recopilación de sencillos, caras B, temas de álbumes y sesiones de la BBC, recopilada para el mercado estadounidense, Louder Than Bombs es una colección excesivamente larga y desenfocada que, sin embargo, presume de una gran cantidad de material brillante. 

Dado que Hatful of Hollow (1984) no estaba disponible en Estados Unidos en el momento del lanzamiento de Louder Than Bombs, esta recopilación contiene grandes fragmentos de ese álbum, así como varios cortes de The Smiths (1984), lo que hace que el disco resulte un poco redundante para la mayoría de los fans de The Smiths. 

Además, Louder Than Bombs contiene algunos de los peores materiales que el grupo jamás grabó, incluyendo el para mí insulso instrumental "Oscillate wildly" y una versión de "Golden light" de Twinkle . 

Excluyendo todo este material, el resto del disco es brillante. Los sencillos "Shakespeare's sister", "Panic", "Ask", "Shoplifters of the world unite" y "Sheila take a bow" son definitivos, al igual que los elegíacos "Unloveable", "Asleep", "Stretch out and wait" y la soberbia "Half a person", todos ellos indisponibles en ningún otro sitio (excepto la versión británica de Louder Than Bombs,el  The World Won't Listen de 1987 ). Además, el pop burlón y vibrante de "You just haven't earned it yet, baby" y el peculiar diario de viaje que es "Is it really so strange?" son otras dos canciones esenciales que no se encuentran en ningún otro sitio. 

Aunque The World Won't Listen (1987) es una colección más concisa, Louder Than Bombs es una compra obligada para cualquier fan de los Smiths.

COME Gently down the stream (MATADOR, 1998)

 La música de Come siempre ha sido un poco de dificil escucha, pero cuando entras en ella la recompensa és inmediata. En ningun disco es esto más cierto que en su cuarto álbum. 

Aunque es un álbum largo y oscuro, podría decirse que es el más accesible, ya que la rabia que fluía a lo largo de Don't Ask Don't Tell y Near Life Experience (1994) se ha convertido en una amargura resignada, y eso significa que no hay tantos asaltos sónicos. En cambio, las guitarras se entrelazan perfectamente, creando láminas de sonido catárticas, a veces atonales, a veces blues. 

Del mismo modo, las canciones individuales de Thalia Zedek y Chris Brokaw se entrelazan a la perfección a lo largo del álbum, lo que convierte a este disco en el más trabajado de Come hasta la fecha. No es tan vigoroso e inmediato como Don't Ask Don't Tell , pero vale la pena el esfuerzo al escuchar la música ambiciosa y difícil de Come.

Las canciones son una mezcla entre la conducción, los entrenamientos rítmicos y las tendencias más melódicas. Hay un equilibrio casi perfecto entre el blues y el rock. El tema "Saints around my neck" se superpone a ambas categorías y resulta extrañamente inspirador a pesar de su mensaje sombrío. Si bien hay canciones densas y pesadas, también hay muchos momentos verdaderamente memorables con melodías desgarradoras e impresionantes, un ejemplo de esto es "The fade-outs", una canción que une el rock disonante con un
himno. 

"A Jam Blues" complementa la canción anterior: es un ejemplo perfecto del sonido blues saturado y fangoso en el que Come se especializa. Quizás la canción más densa del álbum. "The former model" es una interesante desviación del resto del álbum, un melancólico arreglo de cuerdas y piano, sirve como una especie de descanso antes de continuar con la segunda canción más larga del álbum, "March".

THE PANTANO BOAS Raw tapes (3 Cipreses, 1989)

 Ahí va un extracto de una charla que mantuvo Fina Roman (bajista de Pantano Boas) con el blog Viva Puluba en 2009 bastante reveladora.....

En nuestro nuevo grupo todo el mundo quería mandar, Javier nuestro manager tenía toda nuestra confianza y podía hablar por nuestra boca, nosotros no teníamos tiempo de hacer de relaciones públicas ya que trabajábamos como negros diez horas al día para pagar la vivienda y demás ya que trabajamos desde los 14 años tanto Pepín como yo, y después a ensayar y encima autodidactas llegábamos a casa a las once y media de la noche o más, totalmente exhaustos !!. Pero nunca nos asustó el trabajo ni los cambios, desde muy jovencitos estábamos acostumbrados a currar de 8 de la mañana a 8 de la noche y después a estudiar hasta las once de la noche y ahora desde aquella noche de 1981 seguíamos currando pero en lo que nos gustaba, la música, seguiríamos luchando con el nuevo grupo!.

Como mencionaba antes todos querían mandar, Javier dirigiendo lo que le dejáramos o sea el control de nuestra imagen pública de hecho él iba muchas veces a las entrevistas ya que nosotros madrugábamos y no estábamos para ir a la una de la madrugada a ninguna radio y menos para viajar entre semana a Madrid a ver al señorito Jesús Ordovás.

Decir que nuestros directos eran brutales y la gente salía realmente impactada ya que nuestra fuerza era innegable y que los desafíos en directo del señorito Ignacio eran superados en fuerza y poderío por mi bajo y la batería de Pepín y supongo que ello aun nos hacía más atractivos ya que un día en KGB se quedaron varios muchos cientos de personas en la calle deseando vernos.

La historia llegó
a su fin, grabamos tres singles y dos Lp’s : Full Blood Crash otro que se llamó Mortorbeast, salimos en un recopilatorio francés de los mejores grupos de rock europeos que se llama Tant qu’il y aura du Rock, sacamos un lp de rarezas o sea directos mal grabados sin consultanos a Pepín ni a mí una vez ya separados,se llamó Raw Tapes, porque nuestros dos productores, Javier nuestro productor ejecutivo y Jaime Gonzalo nuestro productor musical se resistían a creer que The Pantano Boas había llegado a su fin.

Eran finales del año 1988 y pensamos en ser padres trabajar y divertirnos en nuestro tiempo libre escuchando la nueva música electrónica que empujaba con fuerza. Menudo descubrimiento el acid house el trip hop el house el minimal el techno el rock electronico, por algo ya éramos fans de Kraftwerk, Devo, The Residents o Yello antes de 1980 y después de New Order cuando falleció Ian Curtis.

CHUCHO Los diarios de Petroleo (Chewaka, 2002)

  Los Diarios de Petróleo és una obra dividida en cuatro partes. Un primer fragmento que incluía cinco canciones (cuatro caras B), un segundo fragmento similar, el fragmento principal o disco y un último fragmento de similares características que los dos primeros. En conjunto, 28 temas con los que que Fernando Alfaro hacía un minucioso resumen vital en lo que fue el tercer disco de su banda.

 En el fragmento principal hay quince canciones, más una escondida (la emotiva "A todos los amigos que he perdido"). Un disco que abre hablando de la muerte, "Cataratas de sueño». Sin embargo, la celebración de la parte positiva de la vida protagoniza muchas historias dentro del disco, desde "El secreto de la ciencia" a "Demasiada poca gente" o esa simpática canción dedicada a sus propias hijas, "Chapoteosis de chiquillos en la bañera". 

Sin embargo, a mitad del disco, el recuerdo va asaltando al narrador y en algunos casos el homenaje al pasado es hermoso y entrañable, como en "Mi padre", o doloroso, como "Ricardo ardiendo" y la brutal "Extrarradio". Hay muchos más pasajes autobiográficos o que al menos parecen que habla en primera persona: "De aire", o "Abre todas las ventanas".

Los fragmentos «adosados» a esta obra, I, II y último, están encabezados por canciones del fragmento principal y los temas no son simples Caras B. "El colector de fluidos", o ese fantasma del 78 (1997) llamado "Tocado, hundido". Curiosamente, también hay una composición de los principios de Surfin’ Bichos, "A Morte", y "Cielos despejados" de Isabel León, pareja de Fernando Alfaro, que sigue tocando teclados y haciendo coros con Chucho. "Cráter" es una canción destrozante, como aquella "Mis huesos son para ti" que hizo con Surfin’ Bichos.

La nostalgia en este trabajo
es un sentimiento persistente. Un disco que seguramente dejó extenuado por cantidad y por profundidad a su autor. Un testimonio de una vida dedicada a la música y al amor, sobre el que comenzar de nuevo.

DENNIS WILSON Pacific ocean blue (Caribou, 1977)

 Aunque las raíces de este álbum de 1977 se remontan a principios de los 70, el único proyecto en solitario de Dennis Wilson es sin duda un producto de su época, tanto musical como textualmente. Las 12 canciones del álbum revelan a un compositor que buscaba expandirse por su cuenta y abordar una visión musical que se alejaba mucho de lo que los Beach Boys eran capaces de manejar o ejecutar. El propio Wilson criticó duramente el álbum, alegando su falta de sustancia, y esperaba con ansias el lanzamiento de Bamboo, un disco que permaneció inacabado e inédito al momento de su muerte.

Pacific Ocean Blue es una visión melancólica del paisaje del sur de California y de la propia vida interior de Wilson, o de su lucha por tenerla. Desde el lamento ambiental, "River song", que abre el disco, podemos percibir el surgimiento de un nuevo tipo de música de la Costa Oest, es una melodía rock tenue que gira en torno a una hermosa figura de piano, guitarras arrastradas y una letra que se preocupa personalmente por el estado de la naturaleza que se desmorona a su alrededor. "Dreamer" es una pieza clásica del rock de los 70.

 Sin embargo, Pacific Ocean Blue es, en su mayor parte, un diario. Dado que se grabó durante casi siete años, las canciones reflejan la calidad de la vida de Wilson en el estudio: de lo que era capaz, lo que aprendió y cómo se superó. Tomemos, por ejemplo, la tierna balada stoner de "Thoughts of you" y "Time". Con su piano lánguido y resonante, flotando en la mezcla con una presencia sombría, Wilson canta con un anhelo genuino, aunque atenuado por su aparente resignación a la pérdida total. Este último tema también incluye un melancólico solo de trompeta que recuerda a Chet Baker y se transforma en un himno trompetista al final.

 Este álbum es un clásico, eufórico y acobardado fragmento de rock y pop de los 70, tan esencial como lo fué ese mismo año el
  Rumours de Fleetwood Mac .

SIMPLE MINDS Once upon a time (Virgin, 1985)

 Este fué el primer álbum de Simple Minds que compré. Entonces era bastante seguidor del rock de grandes estadios (U2, en particular), y estos eran uno de los más grandes nombres.

"Alive and kicking", el primer sencillo, fue grabado bajo la presión del éxito de "Don´t you forget about me". El productor, Jimmy Iovine, los empujó a crear una composición a la altura sonora y comercial. Pidió una obra de alcances épicos. El tecladista, Mick MaCneil, es el autor de los acordes, el verso y la introducción. Robin Clark, ex cantante de Chic y David Bowie, colmaría, con portentosos coros, una canción que, como diría Jim Ker, adquiriría la categoría de himno. Con un bajo que te hiela  la sangre, "Sanctify yourself", fue el segundo sencillo.El tercero, "All the things she said", abre con una guitarra que aviva dulces agudezas. Dos días antes de celebrarse Live Aid, fue escrita, "Ghost dancing", que sería el cuarto sencillo del álbum. 

Piezas como "Oh Jungleland", "I wish you were here" y "Come along way", por razones de tiempo no obtuvieron la popularidad como sencillos. Notoriedad que no desmerece su calidad musical.

Once Upon A Time, es uno de esos discos que se disfrutan de principio a fin. Hoy es un buen día para desempolvarlo y ponerlo en el tocadiscos. 

MOJO NIXON & SKID ROPER Root hog or die (Enigma, 1989)

 Wikipedia dixit......

Robert Christgau le dio a Root Hog or Die una calificación de sobresaliente, considerándola "el mayor logro artístico de Nixon". Sin embargo, no le impresionaron los cortes de Roper, calificándolos de "el bostezo de siempre" y comentando que "la lealtad de Mojo a su compañero, quien tiene su propio álbum, Dios nos ayude, es una de las razones por las que creo que tiene buen corazón". Los Angeles Times señaló que, "aunque sus letras son una risita continua, la música delata una verdadera afición por las raíces del rock and blues", escribiendo que Nixon "interpreta el papel del chico malo de la secundaria con suficiente entusiasmo como para resultar entrañable, al menos para los oyentes que no se ofenden fácilmente con la burla desquiciada y escatológica". El Dallas Morning News afirmó que las canciones "se doblan y se resisten con una energía estridente... La música es cruda y pegadiza, llena de guitarras punteadas con precisión y trompetas suavemente atrevidas".

El periódico Toronto Star consideró a Nixon "la respuesta lasciva y anarquista del rock a Foghorn Leghorn", y escribió que varias canciones son "diatribas lascivas y bobas apropiadas". El Calgary Herald etiquetó la música como "uno de los rock 'n' country 'n' blues más funky y despojados que existen". The Gazette juzgó el álbum como "rock borracho, beligerante y de tienda de novedades, en busca del chiste perfecto". El Chicago Tribune calificó a Nixon de "libertario rockero, un tipo que ensalza la libertad de expresión, el libre pensamiento y el amor libre con audacia y sinceridad a partes iguales".