THE MISSION The first chapter (Mercury, 1987)

  La mayoría de las bandas que llegan a las grandes discográficas suelen ignorar su producción anterior una vez que el gran sello corporativo está pagando las facturas. Para The Mission, cuya reputación se construyó sobre sus primeros sencillos, era una necesidad hacerlos llegar fácil a los fans. Mercury estaba más que dispuesto a saturar el mercado del Reino Unido con lanzamientos de The Mission, ¿y qué mejor manera que reempaquetar viejos sencillos de un sello menor y lanzar la colección justo después de un debut exitoso? 

Entonces, por un lado, sacan provecho de la situación, pero por otro, The First Chapter es una colección bastante buena,  y que contiene algunos de los mejores momentos del grupo

. Algunos pueden criticar que la compilación no esté configurada en orden cronológico, pero la decisión de configurar el álbum en un patrón casi rockero/melancólico evita que el proyecto en general entre en la rutina. Los dos primeros sencillos, "Serpents kiss" y "Garden of delight", son, sin duda, los más destacados, pero sus versiones de "Like a hurricane" ( Neil Young ), "Wishing well" ( Free ) y "Dancing barefoot" ( Patti Smith ) son sorprendentemente sólidas, lo que demuestra que la banda estaba interesada en llevar el limitado alcance del rock gótico a ámbitos más interesantes que las simples cajas de ritmos y los murmullos melancólicos.

 Los temas más lentos y melancólicos ("Wake [RSV]", "Naked and savage") parecen interludios algo largos, y la versión de "Tomorrow never knows" de los Beatles podría haberse quedado en casa.

 Una introducción posiblemente mejor a The Mission que God's Own Medicine (y no solo porque se trata de su primer trabajo), The First Chapter es sin duda una joya para los fans, además de una interesante pieza histórica de una era a menudo olvidada del rock inglés.

HAPPY MONDAYS Yes please! (Factory, 1992)

 El cuarto álbum de estudio de los Happy Mondays fue el "punto muerto" de una carrera gloriosa y logró llevar a la ruina a la ya desesperada Factory Records. El álbum fue un desastre comercial y un fracaso crítico que Melody Maker resumió con solo dos palabras: "No, gracias". Es su álbum más oscuro.

La grabación del álbum siempre fue recordada por los excesos. Shaun dejó caer su suministro de metadona en el aeropuerto de Manchester antes de partir hacia Barbados y terminó fumando 25 piedras de crack al día durante el período de grabación. Bez condujo a través de la plantación cerca del estudio y volcó un jeep y se rompió el brazo. Cuando se quedaron sin dinero, vendieron los muebles de Eddy Grant para comprar más drogas. Esto llevó a que Shaun Ryder tomara como rehenes las cintas maestras para obtener más dinero, a pesar de que las canciones todavía estaban muy incompletas. (Recibió 50 libras).

 El seductor y sedoso sencillo principal fué "Stinkin' thinkin'", que es uno de los pocos puntos destacados del álbum. En “Monkey in the family”, canta: “Aléjate del toque de menta/ Donde se encuentran los Humpty Humpers”. El segundo sencillo fué "Sunshine and love", que suena como una mala imitación de Duran Duran. No tengo idea de si estaban siendo irónicos o sarcásticos (después de todo, eran los años 90). Pero te hace preguntarte si sabían que este álbum iba a ser malo, y si incluso les importó en ese momento. Si ves un reportaje de MTV News de esa época, ciertamente parece que no lo hicieron .

Los Happy Mondays se separarían justo después de Yes Please!, con Shaun Ryder y Bez, formando posteriormente el aclamado grupo Black Grape. La separación de los Mondays se produjo en el momento justo. Madchester estaba muriendo y los gustos musicales cambiantes en el Reino Unido pronto verían el auge de Blur y Oasis y la escena del britpop.

HANOI ROCKS Back to Mystery City (Lick Records, 1983)

 Habiendo rendido culto a Mott the Hoople durante gran parte de su carrera, no sorprende que para su cuarto álbum, Hanoi Rocks fueran directamente a la fuente, consiguiendo que Dale Buffin Griffin y Pete "Overend" Watts produjeran Back to Mystery City. El dúo hace que Hanoi Rocks suene como una banda mucho más poderosa que antes; en comparación con Self Destruction Blues (1982) , los riffs son más explosivos, la batería retumba y Michael Monroe está en pleno apogeo. 

El aura de los 50, fiesta glam de los 70 y el caos del hard rock de los 80 hizo que la banda hiciera que su propio sonido fuera incluso mejor que antes, pero el dúo de producción también dejó aún más espacio para experimentos intrigantes dentro de las propias canciones. Así, el glam stomp a todo trapo, los tambores que imitan a los de Burundi y los ruidos de animales durante la alegre juerga de "Tooting bec wreck" (una de las muchas canciones de Hanoi Rocks que rinden homenaje a su hogar lejos del hogar, Londres), o el claramente obvio "Mony Mony" robado de la canción principal, con voces reverberadas que hacen maravillas.

 Llamar a la primera canción "Strange boys play weird openings" y que sea una imitación de canción folk rústica (con guitarras acústicas, flautas y pájaros cantando) es una gran manera de divertirse. Más aún, hay que admitirlo, cuando las cosas de repente dan un giro hacia el brillante tema rockero "Malibu Beach nightmare". Otras canciones, como "Beating gets faster" y "Ice cream summer"  pueden ser más típicas de Hanoi Rocks, pero es un patrón lo suficientemente bueno como para seguirlo.

 A su manera, no fueron tanto pioneros como seguidores de un estilo que no muchos intentaron en su momento.

MARY MARGARET O'HARA Miss America (Virgin, 1988)

 Un álbum de folk-country que siempre significará el hallazgo de alguien muyb singular. Llegué al álbum después de escuchar la versión de Cowboy Junkies de "You will be loved again" en _The Caution Horses_, una canción fresca y melancólica. Sin embargo, la versión original de Miss O'Hara es mucho más extraña, sobria y obsesionante.

 En su mayor parte, acompañándose a sí misma en un solo con lo que las notas del álbum llaman "infinite guitar"  y cantando en un nivel alto nervioso e inseguro, O'Hara suena como si estuviera recorriendo vacilante la melodía hasta que llega a la nota correcta; La rudeza de la interpretación se adapta perfectamente al material lírico, ya que son canciones de nostalgia suburbana, sueños medio recordados y ambiciones adolescentes, todas las locas pasiones y promesas de vida imaginadas por los jóvenes transformadas en estas canciones en melancólicas historias. 

No he escuchado este álbum durante casi diez años, pero aún recuerdo las interminables en las que escuchaba canciones como "You will be loved again" o "Keeping you in mind"; tal vez para eso es que Miss America es la banda sonora perfecta, para las noches que pasamos despiertos soñando; también sería un acompañamiento perfecto para un largo, largo viaje en solitario a través de un desierto y otros lugares perdidos.

Muchos dicen que O'Hara és el Cruyff de la música, grabó una obra maestra y nunca más se supo (a exepcion de una banda sonora creo que por 2001), la verdad és que aunque no grabe nunca más nos queda un trabajo soberbio y perdurable.

BRIGHTON 64 La banda de la casa de la bomba (Al.leluia, 2006)

 Extracto de entrevista a Brighton 64 en Ferbrero de 2022 para su 40 aniversario...

Brighton 64 sufrió su viacrucis discográfico: de Flor y Nata a Twins, y de ahí a EMI, lanzadera de ‘La casa de la bomba’. “Ahí tocamos el cielo, pero la discográfica no apostó nunca fuerte. Siempre hemos sido un grupo incómodo”, estima Albert Gil, recordando el día que se levantaron de una reunión en Madrid porque les propusieron un cambio de nombre. “Una semana después nos llamaron y seguimos adelante, porque Paco Trinidad vio claro que ‘La casa de la bomba’ iba a ser un ‘hit’”.

Canciones como ‘Barcelona blues’ (regrabada ahora con su letra original en catalán) o ‘En mi ciudad’ recuerdan el inequívoco anclaje condal de la banda en aquellos primeros 80 de “tierra de nadie”, recuerda Albert Gil. “Nosotros sabíamos que en Barcelona había mucha chicha, pero no trascendía como en Madrid, donde hicieron de la fiesta una manera de vida profesional”, observa. Quizá haber tenido que compaginar la música con otras actividades, como la enseñanza, ha ayudado a Brighton 64 a conservar la pureza. “De dedicarnos al 100% al grupo habríamos tenido que hacer muchas concesiones, y nosotros no hemos hecho ninguna”.

Brighton 64 dio paso, a finales de los 80, a Brigatones, sin tratar así de conservar a toda costa una marca que no volvería de forma estable hasta 2011. “Ahora hay grupos que duran tiempo, pero entonces las bandas nacían, se separaban y dejaban un bonito cadáver, de modo que eso es lo que nos correspondía hacer a nosotros”, explica el cantante Ricky Gil, fascinado por la “carrera meteórica” de The Chords, “que duraron solo dos años” y grabaron un álbum y ocho ‘singles’.

A aquella “energía juvenil urbana” siguen invocando en esta etapa madura de Brighton 64, asentada con la implicación de otro miembro histórico, el teclista Jordi Fontich, y de dos fichajes modernos, Eric Herrera (batería) y David Abadía (bajo). El batería original, Tino Peralbó, colgó las baquetas, pero su hijo Dan (que lidera una banda, Dan Peralbo, ganadora del último Sona9), aparece en el nuevo video de ‘La casa de la bomba’. La saga continúa.

THE OTHER TWO & you (Warner, 1993)

El álbum debut de Stephen Morris y Gillian Gilbert fuera de New Order fue visto como una especie de puesta al día con respecto a los trabajos debut de Electronic y Revenge. Pero los Other Two ya habían trabajado en una variedad de proyectos de antemano, sobre todo para varias bandas sonoras de películas y televisión.

Aquí lo más novedoso está en la voz de Gilbert , que rara vez se escucha en New Order : su canto suave y apasionado se adapta perfectamente al material, como en la hermosa "The greatest thing". El interés de Morris por las posibilidades de la percusión electrónica y acústica también se hace patente en los ritmos entrecortados de "Moving on", combinados con una parte de guitarra acústica rítmica para darle más impulso, y el retumbar lento y turbio de la breve "Night voice" son buenos contrastes con el impacto más nítido de canciones como el brillante sencillo "Tasty fish" e "Innocence". 

Más de una vez, The Other Two & You suena como un trabajo complementariode Republic de New Order , pero a diferencia de ese aquí el dramatismo funciona como un todo. Fué este el único disco que han editado hasta la fecha (con una sonada reedicion en 2010) por parte de LTM.

EL GUINCHO Alegranza (Discoteca Oceano, 2007)

 El álbum debut de El Guincho es tan brillante como las plumas del loro, tan resplandeciente como los fuegos artificiales y tan cálido como las palmeras que adornan la portada. La música fluye y brilla como el sol en un día de verano abrasador. Aquí hay afro-pop, tango, indie pop, techno y post-rock. El Guincho usa samples y su propia y dulce voz; al igual que Panda Bear hizo con Person Pitch. 

Hay puntos de referencia como son Stereolab , High Places o el folk de alta tecnología de Animal Collective pero también clásicos más antiguos como Beny Moré o Pérez Prado aunque realmente sería difícil encontrar un álbum que mezcle y combine sonidos y culturas con tanta facilidad. 

 Encontrar una canción más adecuada para retozar alegremente que "Costa Paraiso" o "Prez Lagarto" sería una tarea dificil, mantenerse de mal humor con "Palmitos Park" o "Fata Morgana" es casi imposible. El disco comienza sonando como una explosión de felicidad en Technicolor hasta que "Polca Mazurca" termina el disco de manera relajante. Tampoco es un disco para puristas de la world music, rockeros, indies o entusiastas de la música de baile que siguen las reglas a rajatabla; tienes que ser muy abierto de mente para apreciar el sonido de El Guincho. Si eres uno de estos afortunados oyentes, Alegranza es oro puro.

MALEVAJE Margot (3 CIPRESES, 1986)

 Con Margot Malevaje da un importante paso adelante. La mejoría es notable en el grupo, tanto en los músicos, más rodados y con un dominio mayor del género (tango), como en Antonio Bartrina, que cada vez canta mejor. Además, entran nuevos instrumentos, un violín, con la colaboración de Manolo Más Ayensa, y una armónica, la de Ignacio Martín Sequeros. Y es especialmente  decisiva para el futuro de Malevaje, la entrada del maestro Osvaldo Larrea en el bandoneón, un instrumento sin el que es muy difícil entender el tango.

Mientras estaban dando los últimos toques al disco, conducido al estudio por el cantante de tangos Roberto Grandi, conocen al maestro Osvaldo Larrea, bandoneonista, compositor y arreglista argentino, viejo tanguero que estaba de vacaciones en Madrid, y que se sorprende de que gente joven y de España se dedique a interpretar tangos, cuando en Argentina la mayoría de los jóvenes no quería ni oir hablar del asunto. Tanto que se anima a colaborar en este segundo disco, poniendo su bandoneón sobre la grabación ya hecha de dos de las canciones, la que abre el disco "Aquella cantina de la ribera", y la que le da título, la excelente versión del clásico "Margot". Destacaría tambien la versión del mexicano Jose Alfredo Jimenez de "Tu recuerdo y yo".

El resultado, de nuevo, es original y diferente a lo que se venía escuchando por entonces, y vuelve a funcionar bastante bien a nivel comercial.

RACHEL'S Selenography (Quarterstick, 1999)

 Rachel's es una banda con un pedigrí impresionante y una discografía irregular. Forman parte de uno de los complejos de bandas más interesantes (que incluye a June of 44, Sonora Pine y los ahora desaparecidos Rodan) y tanto el núcleo de esta banda como sus numerosos miembros satélite han demostrado ser excelentes músicos y compositores.Hay muy pocas bandas que hagan esto, música de cámara con  sensibilidad de rock independiente. 

 En este disco la música de cámara sigue prevaleciendo, el violín de Christian Frederickson sigue ocupando el primer plano, pero hay más graves, se grabaron más temas con una batería y hay un uso más libre de samples y otras cosas interesantes. Las canciones varían desde el ambiente lleno de vibráfonos y pitidos de "Artemisia" hasta la combinación más simple y exuberante de piano/cuerdas/trompeta de "Cuts the metal cold".

Selenography , aunque cubre una amplia gama de texturas instrumentales, presenta una visión más cohesiva que todo lo que Rachel había ofrecido hasta ese momento.Han afinado su enfoque y el resultado es sustancial. Si esperas algo tan experimental como fué The Sea and the Bells (1996) , Selenography probablemente te decepcionará, pero si apreciaste la austeridad de Handwriting (1995)
y buscabas más, tu búsqueda ha terminado.

THE WINDBREAKERS At home with Bobby and Tim (DB Records, 1989)

 En este disco, Bobby Sutliff se reúne con Tim Lee después de una pausa en la discografía de los Windbreakers. Aquí, el dúo produce un par de canciones capaces, algunas, de redifinir viejos estilos y otras explorar nuevos terrenos. 

La atípica "Closer to home" de Lee es una canción con arreglos sencillos, dominada por la guitarra acústica, con influencia country y una melodía muy directa y casera. Más típicas de su producción anterior son "Just fine", una canción rockera de ritmo rápido que toma prestado su estribillo de "Already gone" de los Eagles , y "Ill at ease", un tema lento con un sonido REM bastante definido . Las deudas con REM también son evidentes en algunos de las canciones de Sutliff , especialmente en "Cold, cold rain" (que se ve estropeada por un solo de guitarra demasiado exagerado) y "I thought you knew" (un tema que de alguna manera se las arregla para ser al mismo tiempo rápido y angustiado). 

"On the wire" también es una canción de ritmo lento (algo poco común en Sutliff ) y tiene letras que van al grano como "Por lo que a mí me importa/Puedes irte/Directo al infierno". A veces, Sutliff se esfuerza notablemente por conseguir notas altas tipo Neil Young, una característica no tan bienvenida. 

El álbum también contiene una versión del ex guitarrista de True West, Russ Tolman de "Portrait of you"

. La calidad del sonido es buena, aunque a veces no está completamente pulida. Vale la pena escuchar este álbum, especialmente para los fanáticos del buen  power pop.

PAUL SIMON Graceland (Warner, 1986)

 Con Graceland, Paul Simon tuvo la idea de combinar su siempre perspicaz composición con la poco escuchada música mbaqanga de Sudáfrica, creando un fascinante híbrido que volvió a encantar a su antiguo público y le ganó uno nuevo. 

Es cierto que el ángulo sudafricano (incluido su aspecto controvertido durante los días del apartheid) fue una poderosa herramienta de marketing y que la música pegadiza logró presentar a los oyentes esa combinación mágica: algo que nunca habían escuchado antes pero que, sin embargo, les sonaba familiar.

 Tan ecléctico como cualquier disco que Simon había hecho, también se adentró en el zydeco y el rock & roll con sabor a conjunto, al tiempo que marcaba un sorprendente nuevo enfoque lírico ya presagiado en algunas canciones de Hearts And Bones (1983); En su mayor parte, Simon abandonó un enfoque narrativo y lineal de sus letras y, en su lugar, dibujó retratos sumamente poéticos "Diamonds on the soles of her shoes", abstractos en "The boy in the bubble" y satíricos de la vida moderna en "I know what i know", a menudo cargados de imágenes impactantes y giros expresivos sacados de los titulares o escuchados en el habla contemporánea. 

Graceland, un disco de enorme éxito, se convirtió en el estándar con el que se midieron los experimentos musicales posteriores de los grandes artistas.