LOVE OF LESBIAN Cuentos chinos para niños del Japon (Mushroom Pillow, 2007)

 Era el año de 2007 y Love of Lesbian integrada por Santi Balmes (voz, guitarra, teclado), Julián Saldarriaga (guitarra, coros), Jordi Roig (guitarra) y Oriol Bonet (guitarra) se encontraba de estreno con el lanzamiento de su quinto material de estudio, un álbum que cambió por completo el camino de su carrera.

El estreno de Cuentos Chinos para Niños de Japón fue todo un éxito, las ventas incluso fueron mucho mayores a las de los álbumes anteriores y una de las razones de esto fue el cambio de idioma, ya que, es esta ocasión y en su anterior disco sus temas fueron en español lo que creó una gran conexión con el público.

Este trabajo es uno de sus mejores discos, el sentimiento se nota en cada tema, la voz de Santi Balmes es increíble, cualquier tema podría ser asociado a algún momento de nuestras vidas.

Es difícil escoger solamente un tema, ya en su primer tema describe a la perfección cada situación que hemos vivido a lo largo de los años, la sensación de sentir que estamos en otra galaxia llena de lucecitas brillantes y parpadeantes que nos da “Universos infinitos”. Y qué decir de “La niña imantada”, “Los colores de una sombra” o “Noches reversibles” que se sienten como un disparo directo al corazón y por momentos te hacen sentir melancolía y por otros mucho amor

.Para todos los enamoradizos también hay temas en este álbum que seguro les cautivarán como “Un día en el parque”, “Me amo” o “Shiwa”.

Cuentos chinos para niños de Japón fue una entrega que cautivó a muchos y que lo sigue haciendo generación tras generación, debido a que el sentimiento que cada integrante le pone a este material es impecable y se siente en cada tema, cada letra y por supuesto en cada entrega que la banda nos muestra en vivo.

PANSY DIVISION Undressed (LOOKOUT!, 1993)

 Esto decia Jon Ginoli, el lider de esta banda angelina, a propósito de la reedición el año pasado de Undressed...

"El mundo del rock/punk/underground de principios de los 90 parecía maduro para una banda gay, pero nadie había salido oficialmente del armario, ni siquiera los que creías que lo habían hecho (todavía). Pensé en formar una banda de rock y hacer un álbum que no tuviera nada que perder, nada que ocultar, y Undressed fue el resultado: cachondo, pegadizo, divertido, sincero, sucio y romántico, estridente y crujiente. Se lo llamó queercore, pop punk, punk gay. Alejado de la música de los clubes gays, esta era mi idea de alegría gay, una celebración queer que rockeaba. 30 años después, todavía estamos orgullosos de ello y contentos de tenerlo de nuevo impreso en vinilo por primera vez en más de 20 años."

Aparte de estas declaraciones Jon ofreció también una lista de las bandas que le inspiraron para la gestación de este trabajo...Beat Happening, The Bats, The Lemonheads, Superchunk, Jonathan Richman & the Modern Lovers, Galaxie 500, Mekons, Two Nice Girls, The Vertebrats, Hüsker Dü, The Jesus and Mary Chain, David Bowie, Pete Shelley y Prince

. Mal gusto no tuvo.

LEONARD COHEN Death of a ladies' man (Warner, 1977)

 Una de las asociaciones más controvertidas en la carrera de ambos se inauguró el día en que Leonard Cohen y Phil Spector decidieron grabar un álbum juntos. El disco surgió como un desafío en sus carreras . Los fans de Cohen se quedaron absolutamente desconcertados como si el hombre que una vez rimó "cama deshecha" con "dandome una mamada" fuera ajeno a la explicitud. También es cierto que una escucha superficial del álbum sugiere que todo fue simplemente un montón de ideas locas lanzadas al aire para ver dónde aterrizaban.

Aunque si prestamos atención muchas cosas cobran sentido. La alborotada "Memories" avanza a toda velocidad, . "Iodine", por su parte, se balancea sobre uno de los arreglos rítmicos más seductores, y cualquiera que busque un éxito bailable que se salga por completo de su linea puede recurrir a "Don't go home with your hard-on", un tema que no solo capturó un toque funk casi irresistible, sino que también involucró a Bob Dylan y Allen Ginsberg en su bullicioso coro de acompañamiento.

El propio Cohen nunca estuvo
contento con el disco: la mezcla de Spector , se quejó, le quitó "las entrañas al disco", pero cuando sugirió al productor que lo intentara de nuevo, sus súplicas fueron ignoradas. Finalmente, accediendo a descartar el álbum como "un experimento que fracasó" y confiando en que sus fans serían capaces de distinguir sus "verdaderas capacidades energizantes", Cohen permitió que se lanzara tal como lo dejó Spector , y luego se retiró de hecho durante los siguientes cinco años. Su juicio, y el que más comúnmente se transmite en la historia del rock, no ha sido confirmado por el tiempo. Junto con Songs of Love and Hate , Death of a Ladies' Man representa el punto culminante de la primera década de Cohen como artista discográfico, tanto lírica como estilísticamente adentrándose en direcciones musicales completamente inexploradas, y ciertamente preparando el escenario para las producciones a gran escala que marcarían su música después de su regreso. Incluso podría ser su obra maestra.

WILCO Am (SIRE, 1995)

 Este es el primer trabajo de la banda y, en lo que a mí respecta, una joya. Todas las canciones son extremadamente tocables, mezclan rock, country, blue eyed soul y R&B.

No es raro que el primer trabajo de una banda sea tan bueno, después de todo, pasaron mucho tiempo perfeccionando estas canciones, tocándolas una y otra vez, creando un grupo de seguidores y luego clavando cada canción porque las conocen muy bien.

"Shouldn't be ashamed" podría ser la canción insignia de cualquiera. Dice mucho con un simple acorde y una voz obscena, en solo tres minutos y medio. "Passenger side" son lamentaciones sobre la pérdida del permiso de conducir de un fumador de marihuana. "That's not the issue" es un punteo con los dedos y un movimiento de cabeza en su máxima expresión. Disfruta de esta canción con actitud y onda.

En medio de la explosión grunge, Wilco se desmarcaron con un disco que, esta vez sí, define el country rock alternativo, y que da el pistoletazo de partida de una carrera que todos conocemos. Lástima que en el camino perdieran los riffs que aquí aporta en muchas ocasiones Brian Henneman (Bottle Rockets) o que en ocasiones antepusieran la experimentación a las necesidades de una canción. 

GREEN DAY Dookie (reprise, 1994)

 Dookie fue un éxito comercial casi inmediato, quizás en parte porque el público general nunca había escuchado algo así antes. El álbum produjo éxitos en las listas con "Longview", el neurótico entrenamiento cardiovascular punk rock "Basket case" y, con más éxito, "When I come around". Si bien estas canciones fueron las más destacadas, la totalidad de Dookie es igual de energético. Desde el brillante estallido de la canción de apertura "Burnout" hasta las armonías despreocupadas de  "Pulling teeth", Green Day se deleita en la subversión inteligente y se niega a tomarse demasiado en serio en ningún momento, incluso cuando crea canciones pop perfectas.

La melodía veloz como el rayo y la actitud irreverente de la banda fueron un cambio con respecto al regodeo sombrío del grunge, e incluso las canciones aquí sobre temas más pesados ​​se entregan con una frivolidad adolescente y burlona. Las masas finalmente estaban listas para este tipo de punk rock y el álbum no solo marcó el giro de Green Day de trío de sótano a estrellas de rock globales, sino que también marcó el comienzo de una comprensión colectiva más amplia del punk que se extendería en cascada a las siguientes generaciones de creadores de melodías jóvenes, ruidosos y engreídos como Blink-182 , luego Fall Out Boy , luego Paramore , y así sucesivamente. 

Es un punto de inflexión para el rock alternativo que todavía se siente tan vibrante décadas después, y captura a Green Day en un estado entre la oscuridad y un nivel de fama casi
improbable, sin saber lo que vendría y simplemente trabajando con las mismas materias primas que siempre tuvieron para hacer de su próximo disco uno del que pudieran estar orgullosos.

GUNS N' ROSES Lies (Geffen, 1988)

 Cuando el álbum debut Guns N’ Roses, Appetite for Destruction, llegó al puesto 1 del Billboard desordenó completamente el panorama musical de la época. Las personas estaban listas para consumir cualquier tipo de material disponible de la banda de Axl Rose. Es por eso, que la compañía discográfica a cargo de los Guns decidió lanzar el 29 de Noviembre de 1988 el álbum Lies.

El disco, que fue promocionado como si fuera uno nuevo, era algo así como una compilación. Sin embargo, contiene algunos de los éxitos más grandes de la banda. Este disco es una introducción perfecta a la banda, se pueden escuchar cláramente las influencias que inspiraron a los Roses. La guitarra explosiva de Slash, acompañando a la dinámica voz de Axl crean un espectacular dúo.

La segunda mitad del disco comienza con "Patience". La clásica balada de los Guns N’ Roses muestra un lado más suave de la banda de hard rock. También hay lugar para letras súmamente ofensivas como "One in a million". En esta Axl Rose canta utilizando insultos xenófobos, homofóbicos, y raciales. En la portada del disco, se puede ver una disculpa de antemano frente a esta canción. «Esta canción es muy simple y extremadamente genérico y generalizada. Me disculpo frente a cualquiera que se haya sentido ofendido», lee la pequeña dedicatoria.

B.B. KING Live at San Quentin (MCA, 1990)

 Las súplicas de BB King a la audiencia, literalmente cautiva, para que aplauda a los guardias que vigilan a los prisioneros en su primer álbum en vivo en casi una década son casi ridículas. 

A diferencia de la ironía burlona de Johnny Cash en su álbum grabado en la misma prisión en 1969, donde se puede sentir que el desdén de Cash por los captores es tan fuerte como el de los reclusos, King parece ser totalmente ajeno al hecho de que estos son prisioneros retenidos contra su voluntad. Y ese es el problema con este disco competente, aunque poco destacable: 

King simplemente está haciendo lo que tiene que hacer. Bien podría estar tocando para un público de sangre azul bajo las estrellas en algún cobertizo del Medio Oeste.

En cuanto a este set, y su contenido, es como se esperaba; aunque abre un poco frenéticamente y caóticamente, se pone en modo crucero tan pronto como en "Let the G
ood Times Roll" (la segunda pista), con BB entregando la exhibición habitual de interpretaciones vocales portentosas y de largo alcance intercaladas por carnosos riffs de blues.

 "Peace to the World", una canción con un cierto aire a "Joy to the World" de Three Dog Night y editada con un falso aplauso legítimo de la multitud,  "Into the Night", y un par de melodías relajadas que, energizadas por el entusiasmo de la multitud, también terminan ganando impulso y vitalidad como sucede con "Sweet Little Angel",  “Everyday I Have the Blues”, o los saxofonistas potencian su sonido y entablan una animada conversación en “Never make a Move too Soon”.

DUFFY Rockferry (A&M, 2008)

 Aquellos que se sintieron tentados a descartar a Duffy como el último par de pestañas postizas que se colaron en el desfile del neo-soul británico, deben escuchar a Rockferry. Más auténtica que Joss Stone, aunque no tan honesta como Amy Winehouse (ambas cosas son buenas), Duffy puede ser la mejor opción de todas, ya sea por o a pesar del hecho de que carece de la fuerza de personalidad sobre la que Winehouse ha construido su carrera, desde "F**k Me Pumps" hasta "Rehab". 

La voz de Duffy puede pasar de angelical a diabólica en unos pocos compases, y lo que le falta en potencia y riqueza (su voz es un poco más aguda en los registros más altos), lo compensa fácilmente con las sutilezas y la dulzura de su arte vocal, y su capacidad para llevar una balada con la combinación adecuada de drama y estilo. Las dos primeras canciones, "Rockferry" y "Warwick Avenue", son imágenes especulares una de la otra: baladas grandiosas y arrolladoras con producciones cargadas de cuerdas de Bernard Butler y Jimmy Hogarth que se convierten en una contribución significativa al poder de Duffy. Contrariamente a las expectativas, su composición es más estridente que la de Winehouse , pero nunca se entrega con el mismo tipo de arrogancia atrevida.

 Ocasionalmente, lucha por estar a la altura de la fuerza de sus convicciones líricas; su voz suena más joven que la de Winehouse , y sus mejores interpretaciones vocales llegan cuando está herida ("Hanging on Too Long"). La producción de Butler convierte su voz sólida y su composición intrigante en un excelente álbum; aunque se mantiene en un segundo plano, los ocasionales floreos de guitarra o las cuerdas endulzadas hacen de Rockferry un mejor debut que el de Joss Stone o Amy Winehouse 

FANGORIA Absolutamente (Warner, 2009)

.Alaska y Nacho Canut grabaron su debut discográfico en 1990 con Salto Mortal y lanzaron un nuevo álbum cada dos años, además de algunas compilaciones y numerosas reediciones de lujo de sus álbumes acompañadas de material adicional. La productividad de Fangoria ayudó a construir una base de fans devotos no solo en España sino también en el extranjero, en México y Argentina. Quizás lo más impresionante es que el dúo mejoró con la edad, mientras que muchos de sus contemporáneos de la década de 1990 se desvanecieron. Por ejemplo su anterior album El extraño viaje (2006), tuvo mucho éxito.

 Absolutamente sigue más o menos el curso del trabajo reciente del dúo, tomando como base el dance-pop, el glam rock y un poco de goth punk y techno de vanguardia para crear un estilo electro-pop de amplio alcance que es comercialmente viable pero al mismo tiempo creativo y único. Gran parte del álbum está orientado al baile, aunque hay algunas canciones más lentas como el sencillo "Más es más". El sencillo siguiente, "La pequeña edad de hielo", es una canción de ritmo rápido con cuerdas disco y coros.

 En términos de sonido, Absolutamente se grabó en Londres con el equipo de producción de Tony y Neal X , ambos ex integrantes de la banda británica de post-punk Sigue Sigue Sputnik , que tuvo cierto éxito a mediados de los 80. Hay rastros de Sigue Sigue Sputnik en Absolutamente, suficientes para darle al álbum un sonido ligeramente diferente al de los álbumes anteriores. Sin embargo, Fangoria se mantiene fiel a lo que les ha funcionado bien en el pasado. Fangoria intenta un enfoque nuevo al grabar el álbum en Londres y emplear la temática de Warhol , pero al final, Absolutamente en realidad no es tan diferente de sus predecesores

LOVE Forever changes (Elektra, 1967)

Este trabajo tuvo muy poco impacto en las listas cuando se lanzó por primera vez en 1967, pero años después se lo reconoció como uno de los mejores y más inquietantes álbumes que surgieron del Verano del Amor, lo que sin duda tiene tanto que ver con los temas y el tono del disco como con la música. Aquí las guitarras eléctricas sólo aparecen ocasionalmente en temas como "A house is Not a motel" y "Live and let live", la mayor parte del disco está construido alrededor de texturas entrelazadas de guitarra acústica y orquestaciones sutiles. El toque punk de los primeros trabajos de Love dio paso a un sonido más suave, contemplativo y orgánico. 

Un cierto malestar entre Arthur Lee y Bryan McLean refleja la angustia del grupo, pero Forever Changes es también un álbum que anuncia los últimos días de una edad dorada y anticipa la creciente fealdad que dominaría la contracultura en 1968 y 1969; imágenes de violencia y guerra rondan "A house is not a motel", las escenas callejeras de "Maybe the people would be the times" o "Between Clark and Hillsdale" reflejan una mentalidad hastiada que el flower power no podía aliviar, los conflictos de raciales surgen a la superficie de "The red telephone", el romance se convierte en cinismo en "Bummer in the summer", la experiencia psicodélica recae en el abuso de drogas duras en "Live and let live", e incluso temas suaves como "Andmoreagain" y "Old man" suenan elegíacos. Por no hablar de la belleza con toques aflamencados de la eterna "Alone again or".

Forever Changes es indiscutiblemente la obra maestra de Love y un álbum de belleza perdurable, pero también es una de las pocas obras importantes de su época que vio las nubes oscuras que se cernían sobre el horizonte cultural y el resultado fue una música tan profética como convincente.

XTC The big express (Virgin, 1984)

 XTC aprovechó al máximo todos los trucos de un  estudio con The Big Express, creando su álbum más minuciosamente detallado, multidimensional y dinámico hasta la fecha.

 El material más animado y el sonido más brillante recuerdan algunos de los momentos anteriores de la banda, pero sobre todo, The Big Express señala un punto de inflexión para la banda, estableciendo el modelo para su enfoque posterior: una combinación de perfección en el estudio combinada con una composición impecable que da como resultado un álbum completamente consistente y disfrutable de principio a fin. 

Skylarking (1985) , el álbum que siguió, recibió mucha más gloria y ciertamente su impacto fue mayor (este fue prácticamente ignorado), pero realmente, The Big Express cubre gran parte del mismo territorio y es un álbum muy aprovechable en muchos sentidos.

 Hay una "frialdad" mecánica en el álbum, caracterizada por un uso intenso de sintetizadores junto con las líneas de guitarra irregulares, marca registrada de Dave Gregory. En elementos como los riffs de guitarra entrecortados de "Wake up" y "Shake up donkey up", uno puede evocar fácilmente una imagen visual de engranajes girando dentro de una enorme máquina. “All you pretty girls” esparce percusión y armonías vocales por todo el espacio de escucha, con la voz principal de Andy Partridge bien anclada en el altavoz central. “This world over” es una de las composiciones más hermosas de Partridge, sin duda y “You're the wish you are i had” es un tema muy Paul McCartney, nuevamente coloca voces en armonía por todo el espacio de escucha y, esta vez, las guitarras rítmicas de Gregory vienen desde atrás.