Quinta entrega del grupo valenciano, avalada por los más de 80 conciertos -incluida su aventura por América Latina con shows en México, Chile y Argentina- ofrecidos entre la presentación de su anterior disco: 4 y la grabación de este Nuevos tiempos en Chicago, a cargo del maestro Steve Albini, productor entre otros de Nirvana, P.J Harvey o Pixies, y encargado de una vez por todas de acercarnos al grupo a su mayor virtud: el sonido directo y contundente que siempre han demostrado sobre un escenario.
Si el anterior trabajo adolecía de una falta de agresividad manifiesta, que no de canciones, en éste confirmamos todo lo contrario y nos encontramos con una crudeza y una fuerza que nos muestran al grupo que deseábamos recuperar de la época de Largometraje y la frescura de su primer disco.
El primer single, "Scandinavia", respira aire a Strokes por los cuatro costados. Este sonido nos acompañará a lo largo de todo el disco e incluso hay guiños a otro grupo de la nueva ola americana: Interpol, en Nunca ganaremos el mundial. En cuanto a las letras, la temática también se abre y además de las composiciones nostálgicas y de amor marca de la casa -"Por ti" o "Agujeros Negros" tema este último que huele a clásico de la banda-, nos descubren una faceta más acorde con los problemas de nuestro tiempo en "Van a por nosotros" , además de propinar un gancho directo al mentón a todos aquellos que los habían enterrado antes de tiempo, en la canción que da al título a estos flamantes y potentes Nuevos tiempos.
Henry’s Dream es el regreso al redil de Cave tras su balsámica incursión en las aguas del romanticismo melodramático, aunque The Bad Seeds no volverán a sonar nunca exactamente como en su primera etapa. Los colmillos seguirán ahí, pero ya no lucirán tan retorcidos y ponzoñosos como en sus primeros discos. A pesar de ello, el de 1992 es un trabajo violento, intenso y trágico atravesado por la lujuria, la muerte y los pecados irredentos que se acumulan en piezas tan valiosas como las dantescas “Papa won’t leave you, Henry” y «I had a dream Joe», la fabulosa e infravalorada “Loom of the land” o ese otro baladón que podría haber estado en el LP anterior, “Straight to you”.
Cave nunca quedó satisfecho con la producción de David Briggs, colaborador habitual de Neil Young, que aplicó un barniz brillante a un denso torrente sonoro compuesto por guitarras acústicas feroces, ritmos robustos y cuerdas épicas al que se incorporaban Conway Savage al piano y Martyn Casey al bajo, miembros permanentes de la banda desde entonces.
Sin ser una obra tan personal ni contener tantas piezas memorables como las inmediatamente anteriores, Henry’ Dream es un disco compacto con algunos exabruptos formidables, especialmente “Jack the Ripper”, un belicoso blues-punk con el olor del azufre y el sabor de la sangre en la boca. El cover de los canadienses Japandroids también tiene su punto.
Reseña de Gerardo Sanz sobre Alegato Meridional publicada en Rockdelux 245 (Noviembre 2006):
Decía Jardiel Poncela que la sinceridad absoluta es el camino más corto y seguro para llegar a la originalidad en el arte. Por esa misma senda transita Grupo de Expertos Solynieve, el nuevo proyecto de J al margen de Los Planetas, una banda que, comenzando por su colíder Manuel Ferrón, congrega a músicos granadinos de probada solvencia en la articulación de un extravagante discurso donde se reivindica el modus vivendi del sur español a partir de los modismos del folk-rock norteamericano. Y es que, tras una maqueta firmada por Montero Castillo y Aguirre Suárez y un EP acreditado a La Cultural Solynieve, este Grupo de Expertos que completan el guitarrista Víctor Lapido (Lagartija Nick, 091), el bajista Miguel López (Los Planetas) y el batería Antonio Lomas (José Ignacio Lapido) hace honor a su nombre en un debut insólito, uno de esos discos que nace broma pagana y acaba objeto de culto.
Grabado “poquito a poco” en el estudio (Refugio Antiaéreo) donde se adiestran las huestes de El Ejército Rojo, este “
Alegato meridional” redime los tópicos andaluces con la naturalidad de Vainica Doble, homenajeadas aquí con una emotiva versión del “Déjame vivir con alegría” que, en los ochenta, popularizaron Sergio y Estíbaliz. El salero y la siesta, el compadreo y la calma, la chicha y la limoná surcan un cancionero que revela el talento de Ferrón, buen compositor y mejor letrista. “La vida tiene arrugas de camisa mal planchada”, espeta en “Todo lo demás”, The Byrds a la sombra de Sierra Nevada tutelando cuarenta minutos donde se inventan la sevillana’n’western (“Claro y meridiano”) y el country de ida y vuelta –“La balada de buscando mi destino”, adaptación de “The Ballad Of Easy Rider” de Roger McGuinn–, donde se toma a Silvio por Dylan (la atinada lectura de “Sureños”) y a Kiko Veneno por Gram Parsons (“Una pila de cosas”), y donde casi todo, incluidas las dos variaciones de “Par de flamenquines”, es nada de lo mismo. Ciertamente, se ve que hay calidad.
La tercera entrega de F.A.N.T.A fué uno de los mejores discos de su carrera. Su primer álbum fue bueno. Corto, intenso, divertido. El segundo supuso un paso atrás, pese a que contenía dardos certeros como “Bruce Lee” y “Bazar oriental”. En este se desquitan con un disco en el que, si bien la fórmula es la misma de siempre (punk ramoniano de no más de dos minutos), los de Santa Coloma salen muy bien parados.
Aquí hay melodías mucho más imaginativas, arreglos vocales más innovadores y letras adictivas y con mayor pegada que en su anterior entrega. Del total de los diecisiete cortes sólo flojean para mi en un par, “Todo es por tu amor” y “Hechizo de amor”, las más edulcoradas, pero como tomo buen disco de punk pop invita a una segunda y tercera escucha de manera consecutiva.
Hay un hit incontestable: “Iker Jiménez”, himno dedicado al parapsicólogo más famoso de la televisión. Echan mano de temas de actualidad para firmar los momentos más brillantes del disco, “Adicto a tu fotolog” y “Cambio climático”, diseminan los clichés del género con criterio para conseguir no empachar: un justo homenaje a The Cramps en “Mi coche fúnebre”, reconstrucciones del legado de Sonic Surf City y The Queers en “Ya no quieres verme más” y “2084 Planeta Tierra”, y los preceptivos guiños temáticos a la ciencia ficción y los tebeos en “El chico con rayos X en los ojos” y “Cómics de Marvel”.
Es el disco que los supporters (su particular club de fans) esperaban de ellos, el que los siguió encumbrando como los perfectos segundones del punk pop patrio. Qué no cambien nunca.
Decimo disco de los valencianos, ahi va la crítica de MondoSonoro firma da por Carlos Perez De Ziriza...
En este trabajo LHR ensanchan sin traumas la marca de su discurso. “You gotta be cool” es la prueba más palpable. Un radiante single de adelanto, llano, directo y con estribillo en inglés, exento de complicaciones, que podría arquear la ceja del fan de largo recorrido. Pero también lo es el dueto con Zahara en “24 de marzo”, que remite a cualquier hit de Jeanette. Otros pasajes revelan continuismo con su pasado inmediato, como “Al querer”, que enlaza con ese molde de balada croonerizada y a tumba abierta que explicitaron hace algo más de dos años en “Si tú te vas”. O “La deriva continental”, que al igual que algunos de sus últimos singles, articula un swing bailable que parece carne de remezcla.
El álbum, en síntesis, es un muestrario condensado de todas sus potencialidades, porque “La vida es muy corta” exhibe músculo rock sobre guitarras crispadas, si nos vamos al otro extremo de su balanza. Y porque la pegada de los estribillos de “Nuestro momento” o “Albufera” (con Ramón Rodríguez a los coros) tienen todos los números para revelarse como clásicos instantáneos de su discografía, mucho antes de que los arpegios finales de “Ahora todo es posible” (que tanto recuerdan a “747”, el broche con el que los suecos Kent cerraron su inolvidable “Isola” hace casi veinte años) suman al oyente en una plácida despedida. No hay demasiada trampa ni cartón con ellos. Pero tampoco motivo para el escepticismo ni el desengaño. Porque en lo suyo no fallan, y su receta es más diáfana que nunca.
El segundo álbum en solitario de Lloyd Cole, Don't Get Weird on Me, Babe, de 1991, se adelantó media década a su tiempo. Si hubiera salido en 1996, después del proyecto Cardinal de Richard Davies , el Gideon Gaye (1994) de High Llamas y la nueva creencia en los círculos indies de que Pet Sounds y Burt Bacharach eran íconos musicales dignos de veneración, este trabajo habría encajado perfectamente. El año en que aparecieron el Loveless de My Bloody Valentine y Nevermind de Nirvana , Don't Get Weird on Me, Babe (título cortesía de Raymond Carver) fue considerado una auténtica rareza. Sin embargo, en retrospectiva, es claramente una de las mejores obras de Lloyd Cole. El álbum se divide en dos partes bien diferenciadas. Una (la primera mitad en los EE. UU., la segunda mitad en el resto del mundo) es más del característico pop de guitarra alfabetizado y tintineante de Cole, con la excelente "Tell your sister" y el inusualmente rockero "She's a girl and i'm a man". lo más cerca que estuvo Cole de un sencillo de éxito estadounidense. Este lado presenta una banda principal de Fred Maher (quien coprodujo) a la batería, Matthew Sweet al bajo y Robert Quine a la guitarra. Ese trío también aparece en la otra mitad del álbum, pero ese conjunto de seis canciones está dominado por una orquesta completa arreglada y dirigida por Paul Buckmaster . Las dramáticas orquestaciones de Buckmaster añaden una dimensión completamente nueva a las canciones con bordes más oscuros sin ahogarlas en el estilo Mantovani . De hecho, los arreglos son bastante discretos, especialmente en el inquietante y silencioso "Margo's waltz", una hermosa canción con una parte de bajo de jazz de Leland Sklar , vibraciones sutiles, coros femeninos entrecortados y batería casi subliminal. Con una fuerte reminiscencia del trabajo más sobrio de Bacharach de los años 60, especialmente durante los encantadores solos de Hammond B3 del ex Commotion Blair Cowan , "Margo's w altz" se encuentra entre las tres o cuatro mejores canciones que Cole haya escrito. Sin embargo, es sólo uno de los muchos aspectos destacados de este álbum excepcional y subestimado.
The Neon Judgment es una banda belga de new wave , formada en Lovaina en 1981 por Dirk Da Davo (nacido Dirk Timmermans, teclados/vocalista) y TB Frank (nacido Frank Vloeberghs, guitarrista/vocalista). A menudo han sido citados, junto con la banda belga Front 242 , como los pioneros de la música corporal electrónica (EBM) un género de baile electrónico de principios de la década de 1980 que combina música industrial y electro
Los dos temas que se incluyen en este EP son dos auténticos pelotazos, en ellos podemos encontrar todo un tratado en música europea y fria, industrial. Fueron dos de sus mayores éxitos e influencia máxima en posteriores bandas como Laichbad, Nine Inch Nails.
Aunque se volvieron a reunir posteriormente podríamos decir que este trabajo cierra su época dorada.
Sin duda este tercer trabajo de LHR no tiene la magnificencia compositiva y arreglista de Largometraje(1999), ¿a cambio qué tenemos?, pues por un lado violines, muchos violines, en casi todas las canciones aparecen, aunque especialmente en las dos que abren el álbum. Además de violines encontramos dos aspectos bien distintos, por un lado hay momentos extremadamente minimalistas, casi acústicos, como "Bona nit" y algunas fases de "Universal" y "El hombre del espacio interior". Por otra parte, lo que encontramos son temas excesivamente ruidosos, con momentos en los que no se logra distinguir nada, como "Canción de amor definitiva" y algunos pasajes de "Potterville" y "Un día perfecto".
Por otra parte, hay temas buenos, los mejores del disco para mi son "Universal" y "El hombre del espacio interior", aunque en la primera, la verdad es que la joden bastante con el ritmillo que se marcan ”… sigue así, lo estás haciendo muy bien…”, que la verdad es que no pega mucho con el resto de la canción. Por su parte en "Potterville" y en "El cuarto azul" juegan con los teclados analógicos y la densidad sonora para crear paisajes oscuros y envolventes, consiguiéndolo en parte con la primera, pero lo que es "El cuarto azul" se queda bastante floja y aburrida (también contribuye a esto el speech-susurro en alemán!!).
. El disco supuso la confirmación definitiva del grupo en la escena pop nacional y la constatación de la progresión de la banda, igualando el nivel mediático con el sonoro, es notoria la evolución a lo largo de estos primeros discos, desde el sonido 90's de sus primeras grabaciones, la banda va adquiriendo matices extraídos de sus referencias musicales como The Go-Betweens, Teenage Fanclub o Magnetic Fields, lo que enriquece todavía más su sonido.
¿Es Materia Oscura un duelo a muerte entre Parade y Antonio Galváñ? ¿Asistimos a la definitiva confesión de Galvañ, tras perder la batalla y quitándose el casco oscuro, al “Parade, soy tu padre”? ¿O simplemente es otro cuento creado para aligerar la estancia en un refugio alpino de un frío y desapacible verano? ¿De qué manera hay que tomarse las estrofas de ¿»Eres un robot»? («Queridos oyentes/ Os tengo que contar/ Que vuestro cantante/ Hace tiempo que no está/ Al señor Parade/ Algo le pasó») o los continuos reproches que se echa él mismo en cara en otras canciones como haría un amante despechado y con algo de rencor acumulado?
En fin, Antonio Galváñ quizás pasa por algo a medio camino entre la crisis personal y el hastío, o simplemente por la mala leche general que nos azota a todos, pero ello no quita que su genio creativo le siga bastando para firmar un disco notable que aguanta el recuerdo de otros trabajos suyos donde seguía creyendo en el juramento hipocrático del pop. Y es que tampoco este disco es un vía crucis autocompasivo donde Galváñ carga con la cruz y se deja azotar con gusto, simplemente es un trabajo de alguien que refleja sus dudas, miedos y decepciones tras casi veinte años de carrera. Hay gente que en casos parecidos se compra un Cayenne. Por otro lado es destacable que en esta atmósfera sombría, y aunque en la primera canción del disco pide “N o más rocanrol”, su música sigue ofreciendo su contradictoria luminosidad característica y recuerda en su ritmo a canciones de discos anteriores. Casi casi se podrían bailar algunas de sus canciones. Casi.
Los seguidores de Parade quizás pasarán momentos de angustia escuchando algunas letras, aunque si no se atienden tanto se quedarán con un disco muy pop, con grandes momentos pero como siempre también algún que otro pequeño bajón. Su obsesión con el espacio sideral sigue intacto, por si alguien se lo estaba preguntando. Su alter ego tan parecido al famoso Major Tom sigue orbitando la Tierra y viendo los fuegos artificiales en los cielos de Beijin. Quizás esta vez un poco más incómodo de lo habitual pero sentirse así en un entorno enfermo es signo de buena salud.
Crítica de Jordi Dalmau para Muzicalia del 3 de Julio de 2011.
Ahi va la crítica de este trabajo que publicó MondoSonoro...
Whitney consiguieron con este disco lo imposible. ¿Cuando fue la última vez que escuchasteis una canción compuesta después del año 1998, que acabara con un “na-na-na-na” y no les provocara un espasmo incontrolado de los que te contraen la cara en una mueca de intenso recelo y desvían la mirada? ¿Eh? ¿Cuándo? “Golden days” fué la melodía del mes de agosto en todo el mundo, en gran parte porque el cantante de Whitney, Julien Ehrlich, es también su batería y tiene una voz magnífica, adolescente, soul, intensamente nostálgica y adictiva. No es por desmerecer el trabajo de Max Kakacek, la otra alma de Whitney y también ex Smith Westerns, pero con esta voz tiene la mitad del trabajo hecho.
Ayuda lo suyo que el disco de debut de Whitney, claro heredero del pop indie clásico, sea un trabajo impecable de pop vintage, delicadamente construido como una carta de amor a influencias refrescantes, que apenas asoman por el pop americano de los últimos años como The Band o Gram Parsons, pasadas por el tamiz de la Stax. Alimentadas por historias de amor frustradas y largas sesiones de terapia comunal con los colegas en el parque del college, canciones como “No woman” o “Southern nights” harán el resto.
Grupo seminal donde los haya, és la nave nodriza de gentuza como Jon Spencer, Neil Hagerty o Bob Bert, grabaron 3 discos y este es el segundo, de título y portada más que curiosos.
En este artefacto las canciones son más sustanciales y la producción más limpia (aunque lejos de ser de escucha fácil). La combinación de guitarras ruidosas, percusión tipo cascabel y voces con gruñidos y gritos no ha cambiado pero hay más profundidad en el estruendo. Por supuesto, PG todavía estaban improvisando sin bajo pero el sonido es más completo, menos metálico.
El mayor cambio, sin embargo, es que las letras no parecen diseñadas simplemente para ofender. Claro que sigue habiendo muchos tacos por ahí, pero se usan más como especia que como ingrediente principal.
Spencer y su equipo parecen más preocupados por pasar un buen rato que por cabrear a todos. Y si esto significa agregar un poco de funk a la mezcla, que así sea. "Understand me" y "Dick Johnson" son intentos particularmente exitosos de darle algo de ritmo al ruido. Algunas de las otras pistas entran en la categoría de relleno, pero todavía hay más aciertos que errores. El resultado final es que Dial 'M' para Motherfucker suena más como un plano de lo que harian despues Jon Spencer Blues Explosion que como el PG de sus primeros años. El hecho de que Spencer se encargue de la mayor parte de las voces, que anteriormente compartían con Julia Cafritz, quien pronto dejaría la banda, solo refuerza esa impresión.
