El dúo madrileño Ellos volvió a la carga. Y lo hicieron con su segundo álbum, uno de los trámites más complicados para muchas bandas. Ni lo sé ni me importa es el título este trabajo, que se publicó dos años después de su sorprendente debut Lo tuyo no tiene nombre (2001). En esta ocasión, la producción ha corrido a cargo del grupo mismo, que se ha encerrado en su estudio de grabación “Amarillo”para ofrecernos doce temas de electropop, con las mismas influencias del tecno ochentero que en su primer álbum, pero con una clara voluntad de ampliación de su campo de acción.
Este segundo trabajo se trató de un disco mucho más… ¿maduro? Quizás esta palabra esconda demasiados matices, puede que la palabra no sea ésta. El caso es que Ni lo sé ni me importa supone un espaldarazo a la simplicidad, la inocencia del primer trabajo. Aunque siguen siendo temas llamados a hacernos bailar a todos con sus estribillos pegadizos, sus melodías refrescantes y sus bases discotequeras, como por ejemplo “Ni hablar” o el single de presentación “Hermético”, se atreven a incluir otros arreglos con los que seguramente hace un par de años no soñaban con trabajar, en “Creo que no” por ejemplo. Han dado un mayor protagonismo a la guitarra en temas como “Cuélgalo”, hasta construir temas más cercanos al rock, concretamente “Algo muy grande” que al pop electrónico.
Esta mayor elaboración o cuidado del álbum no quiere decir que hayan perdido la frescura que caracterizó su primer trabajo, que queda plasmada en la inmediatez de temas como “Dicen que te vas” o, y en la sencillez de sus rimas. Pero esta evolución es incluso palpable en la voz de Guille, que es más reposada y menos estridente, y está mucho más trabajada. Con las letras también parecen haber ido un paso más allá y son mucho más comprometidas y personales. Historias de amor, abandonos, fans… todas pasadas por su mordaz e irónica visión.
Y si en el primer trabajo ya contaron con alguna colaboración ilustre, en éste no han sido menos, y junto a Santi y Guille han colaborado Desi de Fine!, Marc de Sidonie y Franc de Gasca. Un trabajo que, sin duda, supera con creces su anterior álbum. Resulta mucho más interesante y arriesgado, y sobrepasa el aire insolente que los envolvía, convirtiéndose en una grata sorpresa.
Nunca entendí como The Bitter Springs jamás han tenido la repercusión que se merecen, lo tienen casi todo, sobretodo de canciones (que tendria que ser lo más importante) andan sobrados aunque, eso sí, su imagen no és la de unos Artic Monkeys o unos Bloc Party, lo suyo és más de andar por casa, tipo Teenage Fanclub pero mucho más melancólicos y afectados. Encima deben tener un edad parecida.
Este cuarto trabajo és una especie de recopilación de descartes de sus tres primeros discos y algunas canciones nuevas. De las primeras están "The ballad of little Stubby Fingers", "Grand pricks" o "Planet smackhead", aunque yo destacaría las nuevas composiciones "Hollywood decision", "Too little too late". "Pat-Jack", "Empty shell", "Simple life" o "UCIT (you see it)".
The Bitter Springs siguen siendo una rara avis , una banda por conocer y que problamente ahí se quedarán, para engrosar una larga lista de excelentes bandas británicas de la que pudo (debió) haber sido y no fué, lease Microdisney, The Jazz Butcher, The Weather Prophets, The June Brides, etc......
El primer disco de M. ward podríamos decir que el trabajo de un cantaautor tranquilo y más bien modesto. Duet For Guitars #2 surgió de manera natural, suena irregular y lo-fi, la austeridad predeterminada se nota mucho en canciones como "Good news", "Who may be lazy" o "Fishing boat song".
Se nota también mucho la influencia desértica de Howe Gelb (dueño de su discográfica) en temas como "Beautiful car" y "Not a gang" y de gente como John Fahey en "Duet for guitars #2" y "Duet for guitars #1".
Los fundamentos folk de Duet For The Guitars #2 apuntan hacia lo que Ward logró más tarde con Post-War (2006) al igual que cada momento de él recuerda la magia de este primer trabajo.
La fleur aux dents és el cuarto disco en estudio del francés Joe Dassin, un trabajo que vendió más de 250.000 copias en tan solo tres meses y que alcanzó el numero 1 en su país Francia.
A pesar de todo fuera de su país el éxito fué más relativo. De este trabajo de portada impagable yo destacaria tres temas, "Le feur aux dents", "L'equipe a Jojo" y "L'Amerique", esta última un homenaje a otro país que lo encumbró, Estados Unidos.
Después de grabar 13 discos en estudio Joe Dassin murió en 1980 de un infarto fulminante en la isla de Tahiti.
Por el año 1993 Morrissey estaba viviendo uno de sus peores momentos, la muerte se llevo a varios amigos suyos, Mick Robson (produsctor de su tercer disco), su mánager Nigel Thomas y Tim Broad director de muchos de sus videos. Bajo este ambiente se metió en un estudio de grabación con uno de los productores más afamado del Reino Unido, Steve Lillywhite.
Para mí aquí Morrissey demuestra que és uno de los mejores compositores de su tiempo. Es un trabajo maduro e introspectivo. Se respira un aire melancólico en donde las guitarras le dan un ambiente muy dramático y su voz está sublime.
Se editaron tres singles "The more you ignore me, the closer i get", "Hold on to your friends" y "Now my heart is full" pero no se acaba ahí la riqueza de este disco, yo destacaría también "Spring-heeled Jim", la muy dolorosa "Speedway" y sobretodo la espléndida "Why don't you find out for yourself".
Creo que con Vauxhall And I Morrissey logró reafirmarse como un cantante sensible que supo acomodar las cosas de su vida y hacer arte a partir de ello.
Para mi esta es una barbaridad de disco, la mejor obra de un grupo básico para entender el pop oscuro y psicodélico de mediados de los 80. Si bien la banda australiana capianeada por Steve Kilbey ya había lanzado cuatro discos de calidad notable-alto, no fué hasta que editaron este Starfish cuando dieron el bombazo definitivo en Europa y sobretodo en USA.
El álbum se abre con para mi una de mis canciones favoritas de The Chuch "Destination" con ese sonido ambiental pero que va subiendo hasta que ves las estrellas, la brillante balada "Under the milky way" és quizás su canción más celebrada, un auténtico himno y todo un éxito, le sigue el tema de ritmo entrecortado "Blood money" que recuerda más a sus anteriores trabajos, "Lost" és otra conmovedora balada marca de la casa.
Podríamos decir que un tema precursor del tan afamado dream pop és "North, south, east and west" y allana el camino a la chispeante "Spark". "Antenna" toca otra de las especialidades de la casa, la psicodelia para dar paso a otro sencillo extraido del disco "Reptile" y de nuevo se adelantan en el tiempo y empiezan a inventar el shoegazing. En "A new season" vemos claramente de donde tomaron buena nota bandas como Primal Scream o Stone Roses, y cierra el disco la pensativa y melancólica "Hotel Womb".
The Church permanecen activos hasta el día de hoy, han pasado ya 41 años desde que empezaron, sin embargo el momento cumbre de su carrera sin duda fué finales de los 80 y más concretamente con este quinto disco. Starfish no sólo sirvió para ser reconocidos mundialmente sino que también sirvió como modelo de tantos estilos musicales desarrollados por gente tan importante como Pale Saints, Slowdive, Ride, Chapterhouse o My Bloody Valentine.
En su momento y mientras cumplía con mi deber militar allá por 1991 tuve en mis manos esta joya del power pop americano con su portada original y en vinilo y mientras ahorraba para su adquisición un amigo y compañero de correrías llegó antes y se hizo con él, todavía me dura el cabreo.
Me tuve que conformar con la reedición bastante buena que hizo Rykodisc en 1992 de la obra maestra del grupo de Memphis que a estas alturas ya sólo lo faormaban Alex Chilton y Jody Stephens, Andy Hummel salió del grupo después de Radio City (1974) y el malogrado Chris Bell lo hizo después del debut en 1972.
Con la producción de Jim Dickinson y con un Alex Chilton en aquellos momentos totalmente devastado por el consumo de drogas, una fuerte depresión y una encrucijada sentimental por la separación de su novia, encuadra la música de este tercer trabajo en un escenario de ansiedad total.
Ausente del marcado acento pop de Chris Bell, Chilton se pone irónico en "Thank you friends", de escepticismo en "Big black car", de optimismo en la enorme "Jesus Christ", de bella desolación en "Holocaust" y hasta de sentimentalismo en "Kanga roo".
El pop rock acústico e intimista que domina el disco funciona en la mayoría de sus composiciones, construyendo canciones tan bellas como "Blue moon", "Take care" o "Nightime". El batería Jody Stephens compone y canta una maravilla pop titulada "For you" en donde vemos la enorme influencia en bandas como Teenage Fanclub.
Conocido en el mundo del rock tanto por su militancia de izquierda como por su folk a lo Woody Guthrie”, Billy Bragg vuelve seis años después de un último álbum poco apreciado por la crítica, England, Half English (2002), con un trabajo particularmente original. Este es un álbum redondo, de una gran calidad musical y con un bonito mensaje de esperanza.
Billy Bragg nos regala doce pequeñas joyas. Se atreve incluso a cantar a capela el sexto tema, “You make me brave”, una canción hermosa, de una extraña profundidad y con una letra particularmente agridulce. “I keep faith”, “I a lmost killed you”, “Sing their souls back home”, “O freedom” y sobre todo el que le da nombre al disco, el octavo tema, “Mr Love and Justice”, completan este álbum en el que cada nota retiene la atención.
Una vez más, es un veterano del rock que compone uno de los mejores álbumes de ese año. Gracias a unas buenas melodías y su voz cálida y precisa, Billy Bragg nos demuestra que sigue siendo uno de los mejores trovadores en la actualidad. Influenciado por Steve Earle, The Smiths o el músico y compositor estadounidense Woody Guthrie, también admirado por Bob Dylan, Bragg compone un disco digno de los recientes álbumes de artistas como Nick Cave, Patty Smith o Elvis Costello, todos pertenecientes a una misma época en la que la sensibilidad y el talento parecen haber sido claves.
Hace demasiados años, Roddy Frame, disfrazado de Aztec Camera, dió su primera lección magistral con un álbum de canciones pop maravillosamente vitales High Land, Hard Rain (1983) era alegre pero con mucha sabiduría musical, fruto de la ingestión de una mezcla heterogénea de influencias.
Más de tres décadas después, el rostro que aparece en la portada de su cuarto álbum en solitario lleva las marcas de la mediana edad, pero el hilo que conecta esa primera declaración con la voz de Seven Dials es notablemente fuerte
Lo que está claro en Seven Dials, que se lanzó en mayo de 2014, es que Frame no ha perdido nada de su habilidad para crear himnos. En un universo más perfecto, le habría mostrado a Gary Barlow como se hace una canción perfecta en "White pony","Into the sun" o en "Forty days of rain". En“Rear view mirror” rinde tributo a Bacharach mientras que “English garden” es un lamento malhumorado al estilo de Lou Reed.
El paisaje emocional de Frame entrelaza una exquisita melancolía y un optimismo de ojos brillantes habiendo cumplido 50 ese año. “Enterradme en Seven Dials”, canta en un momento, “para que mi alma nunca encuentre su camino”, mientras que “The other side” reflexiona sobre la otra vida.Y se vuelve todo corazón en “From a train”, cantando a un amor perdido.
Seven Dials és un álbum soberbio de un artista para mí nunca lo suficientemente valorado.
La poesía en el rock existe y el álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987) de los ingleses The Cure, es una prueba de esto.
Hace 30 años se publicó y logró impactar, no sólo en los listados pop, sino en la propia vanguardia de finales de los años 80.
Bajo la producción deDave Allen y el propio Robert Smith, este trabajo és complejo desde su búsqueda sonora hasta en los textos de sus canciones.
Han pasado ya más de 30 años desde su publicación y este álbum aún me sorprende. Su inicio es contundente y la canción The Kiss és puro riesgo sonoro.
El viaje, a través de las letras nos proporciona paisajes llenos de melancólica oscuridad con temas como "The snakepit", "Like cockatoos", y la memorable "If only tonight we could sleep".
En su versatilidad, el Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987) logra crear obras perfectas de pop, "Just like heaven", "Why can´t i be you?", "H
ot hot hot", y "The perfect girl" demuestran la capacidad de la banda de poder crear canciones sencillas y a la vez inolvidables, y en ese proceso aparecen letras que son poemas: "Catch", "One more time", "A thousand hours" y "How beautiful you are"; cada una de ellas, como un perfecto poemario, son literatura, banda sonora de la ausencia y de la ternura a la vez.
Por supuesto, a la búsqueda de nuevas formas de sonido, como una especie de laboratorio de experimentación que le daría forma a la música de siglo XXI, en el álbum aparecen "All i want", "Torture", "Hey you", "Icing sugar", "Shiver and shake" y "Fight", justamente, el cierre del Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me.
De vez en cuando, el rock nos proporciona obras maestra, y el Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me(1987), 34 años después, suena nuevo, mágico e inspirador, es, en mi concepto, una obra de arte
Johnny Cash había tocado en prisiones desde 1957 y en 1968 dio un concierto en Folsom Prison del que salió un álbum en vivo. Sin embargo, el que ha tenido mayor resonancia cultural fue el concierto de la prisión de San Quentin, el 24 de febrero de 1969, en parte porque este penal californiano era de los que tenían pero reputación y en parte porque un equipo de rodaje de la televisión británica lo grabó.
Cash fue rumbo al oeste con la banda que habitualmente le acompañaba en sus giras: Marshall Grant (bajo), W.S. Holland (batería), Carl Perkins y Bob Wootton (guitarras) y Carter Family.
En aquel momento, George Jackson, de los Pantera Negra, era uno de los prisioneros, junto con la futura estrella del country, Merle Haggard, que cumplía condena por atraco de arma.
Cash se situó firmemente del lado de los prisioneros: vestía del mismo color que ellos, bromeaba con los guardias y fue célebre su interpretación de una canción nueva sobre el penal que incluía la empática frase “San Quentin, odio cada una de tus pulgadas).
Otros temas que mostraban sensibilidad con la situación de los reclusos fueron “Wanted Man”, “Starkville City Jail” y “Folsom Prison Blues”. También tocó sus canciones más míticas, “I walk the line” y “Ring of fire”.
Asi fue como surgió “San Quentin” el 31º álbum general de Johnny Cash, grabado en vivo en la prisión estatal de San Quintín el 24 de febrero de 1969 y lanzado el 4 de junio de ese mismo año. El concierto fue filmado por Granada Television, producido y dirigido por Michael Darlow. El álbum fue el segundo de la serie conceptual de Cash de álbumes de prisiones en vivo que también incluyó At Folsom Prison (1968), På Österåker (1973) y A Concert Behind Prison Walls (1976).
El álbum fue certificado oro el 12 de agosto de 1969, platino y doble platino el 21 de noviembre de 1986, y triple platino el 27 de marzo de 2003 por la RIAA. El álbum fue nominado para varios premios Grammy, incluyendo Álbum del año y ganó Mejor interpretación vocal masculina de country por “A Boy Named Sue”.
Ha habido varios lanzamientos con diferentes canciones y orden de conjunto. La foto de la portada del álbum de Jim Marshall se considera una imagen icónica de Cash, con el bajo de Epiphone Newport de Marshall Grant, famoso como silueta en primer plano.
Este concierto fue grabado para un LP en vivo y un documental televisivo para el Reino Unido. En el lanzamiento original del LP, se cambió el orden de las canciones y se cortaron varias canciones, probablemente por razones de espacio. Sin embargo, a pesar de las limitaciones de tiempo del formato LP de vinilo, ambas interpretaciones de la canción “San Quentin” (Cash aceptó realizar una repetición a solicitud del público) están incluidas en el álbum original. Algunas de las canciones fueron censuradas. A pesar del título de la versión lanzada en CD en 2000, en San Quentin (The Complete 1969 Concert)- el CD no contiene el concierto completo sin cortes, pero presenta pistas adicionales y un orden de ejecución que es paralelo al setlist real. En 2010, Sundazed Records reeditó el álbum en vinilo con el número de catálogo original de Columbia, LP 5362. El vinilo Sundazed reeditado es una copia exacta del registro original, excepto que la contraportada tiene un código de barras e indica que es un problema de Sundazed. Interpretadas pero no incluidas, se incluyeron las canciones ” Jackson ” y ” Orange Blossom Special”, que se incluyen en el lanzamiento del video del programa (ambas canciones se incluyeron en la prisión de Folsom)). De alguna manera, dos canciones se redujeron a la mitad de un paso (“Starkville City Jail” y “Blistered”), posiblemente debido al uso de otra máquina de cintas mientras se cambiaba la cinta de la máquina original.
Este fue el primer álbum de Cash grabado sin su antiguo guitarrista y fundador de Tennessee Two, Luther Perkins , quien había muerto varios meses antes. En el álbum, se escucha a Cash rendir homenaje a Perkins (quien no estaba relacionado con Carl Perkins , quien aparece en la grabación como guitarrista principal en varias pistas).
Dos canciones se interpretan en vivo en el escenario por primera vez durante el show: “San Quentin” y “A Boy Named Sue”. Según el biógrafo Robert Hilburn, ya se había tomado la decisión de que Cash interpretara “San Quentin” dos veces, ya que se consideraba la nueva canción principal del conjunto, aunque en el registro Cash hace parecer que el encore se debe a la demanda de la audiencia; El productor Bob Johnson finalmente eligió incluir ambas versiones de la canción en el álbum. De acuerdo con Hilburn, Cash espontáneamente decidió interpretar “A Boy Named Sue” durante el programa y ni el equipo de televisión ni su banda sabían que planeaba hacerlo (aunque él les advirtió con antelación al anunciar en el programa su intención de tocarlo); usó una hoja de letras en el escenario mientras Perkins y la banda improvisaban el respaldo.
