La poesía en el rock existe y el álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987) de los ingleses The Cure, es una prueba de esto.
Hace 30 años se publicó y logró impactar, no sólo en los listados pop, sino en la propia vanguardia de finales de los años 80.
Bajo la producción deDave Allen y el propio Robert Smith, este trabajo és complejo desde su búsqueda sonora hasta en los textos de sus canciones.
Han pasado ya más de 30 años desde su publicación y este álbum aún me sorprende. Su inicio es contundente y la canción The Kiss és puro riesgo sonoro.
El viaje, a través de las letras nos proporciona paisajes llenos de melancólica oscuridad con temas como "The snakepit", "Like cockatoos", y la memorable "If only tonight we could sleep".
En su versatilidad, el Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987) logra crear obras perfectas de pop, "Just like heaven", "Why can´t i be you?", "H
ot hot hot", y "The perfect girl" demuestran la capacidad de la banda de poder crear canciones sencillas y a la vez inolvidables, y en ese proceso aparecen letras que son poemas: "Catch", "One more time", "A thousand hours" y "How beautiful you are"; cada una de ellas, como un perfecto poemario, son literatura, banda sonora de la ausencia y de la ternura a la vez.
Por supuesto, a la búsqueda de nuevas formas de sonido, como una especie de laboratorio de experimentación que le daría forma a la música de siglo XXI, en el álbum aparecen "All i want", "Torture", "Hey you", "Icing sugar", "Shiver and shake" y "Fight", justamente, el cierre del Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me.
De vez en cuando, el rock nos proporciona obras maestra, y el Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me(1987), 34 años después, suena nuevo, mágico e inspirador, es, en mi concepto, una obra de arte
Johnny Cash había tocado en prisiones desde 1957 y en 1968 dio un concierto en Folsom Prison del que salió un álbum en vivo. Sin embargo, el que ha tenido mayor resonancia cultural fue el concierto de la prisión de San Quentin, el 24 de febrero de 1969, en parte porque este penal californiano era de los que tenían pero reputación y en parte porque un equipo de rodaje de la televisión británica lo grabó.
Cash fue rumbo al oeste con la banda que habitualmente le acompañaba en sus giras: Marshall Grant (bajo), W.S. Holland (batería), Carl Perkins y Bob Wootton (guitarras) y Carter Family.
En aquel momento, George Jackson, de los Pantera Negra, era uno de los prisioneros, junto con la futura estrella del country, Merle Haggard, que cumplía condena por atraco de arma.
Cash se situó firmemente del lado de los prisioneros: vestía del mismo color que ellos, bromeaba con los guardias y fue célebre su interpretación de una canción nueva sobre el penal que incluía la empática frase “San Quentin, odio cada una de tus pulgadas).
Otros temas que mostraban sensibilidad con la situación de los reclusos fueron “Wanted Man”, “Starkville City Jail” y “Folsom Prison Blues”. También tocó sus canciones más míticas, “I walk the line” y “Ring of fire”.
Asi fue como surgió “San Quentin” el 31º álbum general de Johnny Cash, grabado en vivo en la prisión estatal de San Quintín el 24 de febrero de 1969 y lanzado el 4 de junio de ese mismo año. El concierto fue filmado por Granada Television, producido y dirigido por Michael Darlow. El álbum fue el segundo de la serie conceptual de Cash de álbumes de prisiones en vivo que también incluyó At Folsom Prison (1968), På Österåker (1973) y A Concert Behind Prison Walls (1976).
El álbum fue certificado oro el 12 de agosto de 1969, platino y doble platino el 21 de noviembre de 1986, y triple platino el 27 de marzo de 2003 por la RIAA. El álbum fue nominado para varios premios Grammy, incluyendo Álbum del año y ganó Mejor interpretación vocal masculina de country por “A Boy Named Sue”.
Ha habido varios lanzamientos con diferentes canciones y orden de conjunto. La foto de la portada del álbum de Jim Marshall se considera una imagen icónica de Cash, con el bajo de Epiphone Newport de Marshall Grant, famoso como silueta en primer plano.
Este concierto fue grabado para un LP en vivo y un documental televisivo para el Reino Unido. En el lanzamiento original del LP, se cambió el orden de las canciones y se cortaron varias canciones, probablemente por razones de espacio. Sin embargo, a pesar de las limitaciones de tiempo del formato LP de vinilo, ambas interpretaciones de la canción “San Quentin” (Cash aceptó realizar una repetición a solicitud del público) están incluidas en el álbum original. Algunas de las canciones fueron censuradas. A pesar del título de la versión lanzada en CD en 2000, en San Quentin (The Complete 1969 Concert)- el CD no contiene el concierto completo sin cortes, pero presenta pistas adicionales y un orden de ejecución que es paralelo al setlist real. En 2010, Sundazed Records reeditó el álbum en vinilo con el número de catálogo original de Columbia, LP 5362. El vinilo Sundazed reeditado es una copia exacta del registro original, excepto que la contraportada tiene un código de barras e indica que es un problema de Sundazed. Interpretadas pero no incluidas, se incluyeron las canciones ” Jackson ” y ” Orange Blossom Special”, que se incluyen en el lanzamiento del video del programa (ambas canciones se incluyeron en la prisión de Folsom)). De alguna manera, dos canciones se redujeron a la mitad de un paso (“Starkville City Jail” y “Blistered”), posiblemente debido al uso de otra máquina de cintas mientras se cambiaba la cinta de la máquina original.
Este fue el primer álbum de Cash grabado sin su antiguo guitarrista y fundador de Tennessee Two, Luther Perkins , quien había muerto varios meses antes. En el álbum, se escucha a Cash rendir homenaje a Perkins (quien no estaba relacionado con Carl Perkins , quien aparece en la grabación como guitarrista principal en varias pistas).
Dos canciones se interpretan en vivo en el escenario por primera vez durante el show: “San Quentin” y “A Boy Named Sue”. Según el biógrafo Robert Hilburn, ya se había tomado la decisión de que Cash interpretara “San Quentin” dos veces, ya que se consideraba la nueva canción principal del conjunto, aunque en el registro Cash hace parecer que el encore se debe a la demanda de la audiencia; El productor Bob Johnson finalmente eligió incluir ambas versiones de la canción en el álbum. De acuerdo con Hilburn, Cash espontáneamente decidió interpretar “A Boy Named Sue” durante el programa y ni el equipo de televisión ni su banda sabían que planeaba hacerlo (aunque él les advirtió con antelación al anunciar en el programa su intención de tocarlo); usó una hoja de letras en el escenario mientras Perkins y la banda improvisaban el respaldo.
Lanzado en 1989, Shakespeare Alabama fue el álbum debut de los aspirantes sucesores de Simple Minds / U2 / INXS pero con guitarras psicodélicas, Diesel Park West, al final llegando a unos casi imitadores (baratos) de Big Country.
Poco que destacar de un disco que para mi se sobrevaloró en su tiempo aunque si me gustaría destacar algunos momentos como son "Like princess do", "When the hoodoo comes" o "Jackie's still sad".
Aunque la banda de Leicester ha seguido editando discos hasta el día de hoy, yo hace ya tiempo que les perdí la pista...
Lo que verdaderamente distingue aTom Waitses que continúa entendiendo la música como una revelación. Al contrario que la inmensa mayoría de sus coetáneos, no hace lo que puede sino lo que quiere. Y lo que quiere coincide con lo que necesita: dejarse llevar por sus canciones hasta lugares que ni siquiera preveía visitar. Le sucede desde que, trabajando en la banda sonora deOne From The Heart(1982), conoció a su actual esposa, Kathleen Brennan. Y con más frecuencia a partir de su fichaje por Anti, cuando el muy notableMule Variations(1999) nos devolvió el rajo que muchos, a la altura del infravaloradoThe Black Rider(1993), pretendían relegar al olvido. Y en ello sigue ahora que, tras el mayestático paréntesis deAlice(2002) yBlood Money(2002), dos caras de una moneda de tres centavos bien brechtiana, ha incorporado la práctica delcut’n’pastea su teoría de la instrumentación tradicional.
Readmitida la guitarra (y el tres) de Marc Ribot en su primera colaboración seria desde Rain Dogs(1985) y proscrito el piano por primera vez en su carrera,Real Goneno es un disco de hip hop, aunque podría. En su debut como percusionista vocal, Tom Waits grabó melodías y ritmos con su garganta de destilería y alquitrán, hizo tocar a la banda encima –repiten Larry Taylor (Canned Heat) en el bajo y Brian “Brain” Mantia (Primus) en la batería– y editó el resultado. Tenía en mente un rosario de cuentas pop y le ha salido un cilicio con cerdas de funk infecto, son beodo y blues caníbal. Porque“Don’t Go Into That Barn”comienza como “Matar a un ruiseñor” y acaba igual que “La noche del cazador”. Porque“Circus”no engaña y,spoken wordmediante, es “Freaks” desde el principio. Y también porque“Shake It”y“Make It Rain”se meriendan en un santiamén a Jon Spencer y The White Stripes.
Sin abdicar de sus clásicas obsesiones –aparecen Louis Armstrong (“Dead And Lovely”), Bob Dylan (“Trampled Rose”) y James Brown (“Metropolitan Glide”)–, el imposibleluthierdel trombón-pez-espada inventa un futuro para su propio género. Compone el himno nacional de la redención (la estremecedora“Sins Of My Father”), se estrena como cantautor político con la preciosa“Day After Tomorrow”y contextualiza los muchos logros deBone Machine(1992) en el mejor album (para mi) de este 2004.
Después del esperado regreso de Los Fabulosos Cadillacs con su exitosa gira El Satánico Pop Tour y recibir múltiples premios y alabanzas Vicentico volvió como solista.
Solo Un Momento és su cuarto disco en solitario con el tema homónimo como primer sencillo.
Se trata de un disco minimalista comparado con sus anteriores trabajos ya que en todas ellas tan solo podemos encontrar guitarra, bajo y bateria.
Primer trabajo en solitario del que fuera lider de Mar Otra Vez y primera patada en la boca, aunque'és un trabajo a mi juicio muy poco reivindicado aquí hay mandanga y de la buena.
Hay aquí baladas heridas de amor como "Nieve roja" o "Agrio beso", invocaciones al espíritu de Alan Vega y Martin Rev en "No puedo caminar" y "Ritmo de la ciudad", una versión de alguien en aquellos dias tan poco nombrado entre la gente de la vanguardia como Nino Bravo en "Puerta del amor" y un temazo de auténtico crooner y que a dia de hoy sigue tocando en sus conciertos como és "Desde tu herida".
Quizás al disco le sobre una producción bastante fría y maquinal de uno de los productores de moda de aquella época Gozalo Lasheras, pero para mí és un trabajo que supo enlazar de maravilla el sonido de vanguardia de Mar Otra Vez con la carrera posterior mucho más prosaica y terrenal de Javier Corcobado y sus diferentes alias (Chatarreros De Sangre Y Cielo, Cria Cuervos...)
El día de Acción de Gracias, en 1976, un reparto estelar de músicos descendió sobre el Teatro Winterland de San Francisco , que apadrinaba Bill Graham. Se anunció como el concierto final de la banda.Y ahora es el documental de rock denominado como la obra maestra de este estilo.
Había cámaras, todos dirigidas, por supuesto, por Martin Scorsese , amigo personal de Robbie Robertson. La película documental, The Last Waltz , se convirtió en una de las películas de conciertos más aclamados de todos los que se han hecho nunca.
Había muchas estrellas aquella noche. Pero con otros nombres.Dan Eaton como Neil Diamond, María Gillard como Joni Mitchell, Danielle Ponder como Mavis Staples, Todos con seudónimos.
En 1969, en el año del Festival de Woodstock, Martin Scorsese era un editor de cine joven en Woodstock, ayudando a crear aquel aclamado documental. El Festival en que Bob Dylan metió la pata, porque se equivocó al no participar.
Así que para el grupo de Dylan, The Band, Scorsese tenía la experiencia, en cuanto a la mecánica de una película de un concierto. El cineasta se enfrentó con inteligencia , cuando accedió a The Last Waltz .El barro y la desnudez de Woodstock no serían una parte de la logística.
Curiosamente, Scorsese no corrió riesgos. Tenía la preparación de un guión de 300 páginas, incluso con señales de cámara e iluminación para lo que sería el primer largometraje concierto documental rodado en 35 mm. Así que el resultado final fue deslumbrante, impresionante, The Last Waltz .¿La mejor película musical de todos los tiempos?.
El grupo de estrellas fue sensacional. De los pioneros de la música, alos más grandes, incluyendo a Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan, Ronnie Hawkins, el Dr. John, Joni Mitchell , Van Morrison, Muddy Waters, y Neil Young, entre otros.
El film se estrenó en los cines , en abril de 1978 , con gran éxito de crítica. “The Last Waltz” sigue siendo considerada por muchos como la mejor película de conciertos que jamás se ha hecho.
Podríamos decir que Evergreen és el primer disco de los nuevos Bunnymen aunque en realidad és el séptimo oficial de la banda con la misma formación de siempre pero sin el batería Pete De Freitas muerto en accidente de moto allá por 1989.
El disco recibió excelentes críticas y de él yo destacaría, como no, su primer single y una de las canciones más exitosas de la banda "Nothing last forever" en la que hace coros Liam Gallagher, "I want to be there (when you come)" y "Don't let it get you down".
Aunque para mí la primera etapa del grupo és muchísimo más interesante e influyente para muchos grupos de post punk (incluso el denostado Echo & The Bunnymen (1987) esta segunda etapa se abrió con este excelente trabajo y posteriormente tienen editados también muy buenos discos.
"Bien o mal" fué el primer single extraido de este disco del 2010 producido por Cachorro Lopez, y és un tema acústico y campestre con cierto aire reggae, tambien hay alguna canción con aire de ranchera como "Revolución" e incluso algun coqueteo con la electrónica en "Ya conocerán".
Mención aparte merecen las letras, si bién aun hay para mí demasiado azucar gratuito, aquí hay mucha más amargura y melancolía que en trabajos anteriores. En "Si tú no estás" habla del amor no correspondido, igual que en "Amores platónicos " el más fantasioso.
Es este untrabajo bastante notable, que para nada llega al nivel de Sí (2003) pero que supera con creces al aburrido Limón y sal (2006).
Vermilion no és sólo un gran disco, és el tipo trabajo de rock 'n' roll que rara vez se hace, el producto de una visión coral en lugar de la mente de un sólo cantautor. Las canciones reflejan los diversos antecedentes de sus miembros, que provienen de los dB, Bluerunners, Bangles, Dream Syndicate y los Cowsills.
Cada canción desde el jangle pop de "The rain song" hasta el estridente y cauteloso "Don't do what i did" la encantadora "Anything", logran un maravilloso equilibrio entre las auténticas raices americanas y unos ganchos pop altamente adictivos.
Con la composición dividida de varias maneras y alternando las voces femeninas y masculinas, sin lugar a dudas y sobretodo para los que nos criamos y mamamos el Paisley underground y el Nuevo rock americano este disco fué una de las mejores noticias de aquel ya lejano 1999.
Compre este disco pensando que era de la legendaria banda de Philadelphia que grabo el no menos legendario Break Tomorrow Days (1988) pero no, estos son (o eran) de Central Carolina y se trata de una banda de americana al uso, aunque bien mirado y escuchado és un disco bastante aprovechable.
El grupo prácticamente es un duo formado por Matt Smith y Chris Ong y en este trabajo podemos encontrar ecos de Guy Clark en "Hallowed ground", de Townes Van Zandt en "Adios Colorado" y en "Between the moon and Memphis" o de Terry Allen en "No one speaks english".
Este disco es uno de aquellos (como muchos) encontrados por casualidad y que sin ser para nada una obra maestra sí que tienen cierto valor, sobre todo en su género.
