PRIMAL SCREAM (CREATION, 1989)

En 1989, Primal Scream desconcertó tanto a sus fans como a sus detractores al dejarse crecer el pelo hasta los hombros, comprar amplificadores Marshall y subir el volumen al máximo, y mostrar una alarmante tendencia a aparecer en público sin camiseta.

 Anteriormente, los Scream habían sido los más mimados del indie pop, fans de The Byrds hasta en sus chaquetas con flecos y sus impecables cortes de pelo a tazón. Sin embargo, su debut con una discográfica importante, un disco pop impecable, fue un fracaso rotundo, y tras expulsar al cofundador Jim Beattie, estaban listos para abrazar por completo el rock & roll y toda la actitud y el ruido que lo acompañaban. Adiós a The Byrds, hola a MC5, y Primal Scream estaba listo para rockear. 

Desafortunadamente, si bien el grupo era capaz de crear una aproximación creíble de hard rock contundente, la frágil voz de Bobby Gillespie no era la más adecuada para darlo todo. Las letras, si bien nunca fueron el fuerte de Primal Scream, resultan bastante vergonzosas. Los títulos de las canciones parecen sacados directamente del LP de Jesse Camp: "Gimme gimme teenage head", "She power", "Lone star girl". Lo que salva el disco son las pocas baladas melancólicas. La voz temblorosa de Gillespie es conmovedora y potente, la banda toca con una delicadeza dramática y el piano de Martin Duffy es estelar. La mejor canción es "I'm losing more than i ever had", un tema introspectivo de medio tiempo con un gran arreglo repleto de guitarra slide, vientos y coros gospel. Esta canción también sirvió de base para la remezcla de Andrew Weatherall de "Loaded", el tema que realmente convirtió a Primal Scream en una banda importante y ayudó a cambiar la historia del indie rock.

 Así que consigan este disco por su valor histórico e intenten no reírse demasiado de las letras.

YO LA TENGO I can hear the heart beating as one (Matador, 1997)

 Para cuando lanzaron este disco, Yo La Tengo ya llevaban más de una década desarrollando su sonido. Su pop guitarrero ya se estaba consolidando, a medida que la banda evolucionaba hacia producciones cada vez más oníricas en álbumes como  Painful (1993) y Electr-O-Pura (1995) . Los 16 temas que lo componen mostraban al grupo expandiendo sus voces susurrantes y su enfoque pop aparentemente sencillo para abarcar una variedad de estilos inesperados. Esto significó que guitarras suaves y una batería firme se desprendieron de sus raíces indie rock y se transformaron en improvisaciones de krautrock aventureras como "Spec bebop", en folk psicodélico evocador y armonioso como "We're an American band", e incluso en una versión ingenua y divertida de bossa nova con "Center of gravity". 

En cuanto al pop melódico y onírico que Yo La Tengo había cultivado durante la mayor parte de su trayectoria, este fue uno de los momentos cumbre de la banda. Temas rockeros enérgicos como "Sugarcube" y una versión particularmente cargada de feedback de "Little honda" de los Beach Boys le brindaron a Ira Kaplan una plataforma fantástica para que su guitarra, generalmente más contenida, se adentrara en el territorio frenético que exploraría en directo. Estos momentos más desquiciados contrastaban con ritmos electrónicos hipnóticos como "Autumn sweater" e instrumentales brillantes como "Green arrow", que recuerda a Santo & Johnny . 

El álbum cierra con otra versión, una interpretación sencilla del pegadizo tema bubblegum de Anita Bryant , "My little corner of the world" cantada por la baterista Georgia Hubley en su interpretación más al estilo de Moe Tucker , la canción devuelve suavemente el álbum a la realidad tras los vertiginosos desvíos y cambios de la última hora. 

Si bien la banda lanzó álbumes destacados antes y después, I Can Hear the Heart Beating as One se consagró como una obra maestra
. Los sutiles cambios de humor y la amplia y curiosa paleta de exploración estilística dieron como resultado un clásico perdurable del indie rock, una escucha esencial y también una especie de modelo para gran parte de lo que siguió de bandas afines en los años venideros.

THE HANDSOME FAMILY Singing bones (Carrot Top, 2003)

 Este es el disco más bello de la banda, una mezcla magistral de su country acústico clásico, enriquecido con guitarra pedal steel y a veces matizado con elementos de mariachi, gospel y folk rural. Lejos de los sonidos etéreos y ligeros de sus anteriores álbumes este disco presenta un sonido espacioso, casi minimalista. Amigos y amantes fallecidos, el peso de la historia y los demonios personales parecen canalizados por la pareja Sparks. Desde el hedor a muerte en "Far from the road", pasando por la resignación que acompaña a la pérdida en "The bottomless hole" y "Gail with the golden hair", la ruina y la decadencia —espiritual, mental y física— son temas centrales del disco.

El rico barítono de Brett se adapta mejor a estos arreglos exuberantes y espaciosos que a sus otros trabajos más  o a sus inicios en el roots rock. Sus armonías también han mejorado notablemente; ahora Rennie opta por un falsete vibrante en lugar de su típico gruñido afectado, a veces áspero y potencialmente desagradable. 

Mórbida pero aún melódica, la aguda imaginería y la hábil narración de las letras de Rennie la distinguen de la mayoría de los depresivos y aburridos guitarristas acústicos post-Plath con los que a menudo se agrupa a la banda. Y tanto su sentido del romanticismo fracturado como su comprensión tangible de la pérdida y la consecuencia hacen que su escritura sea sin esfuerzo mejor que la de los tipos emotivos que desfilan en los antros punk para quienes el dolor y la incomodidad parecen ser exhibidos como moda o una tarjeta de presentación. No lo es, por supuesto, es privado y difícil de comprender, un espectro invisible como los fantasmas que rondan este disco.

Pitchfork 2003.

JUNE OF 44 Tropics and meridians (Quarterstick, 1996)

 Con miembros actuales y antiguos de bandas icónicas del slowcore como Codeine y bandas de post-rock como Rodan , Rex y Sonora Pine , June of 44 demuestra que una escena musical que se mira el ombligo a veces puede ser algo positivo.

 Originarios de la misma escena de Louisville que vio nacer a bandas tan admiradas como Squirrel Bait y Slint , este cuarteto se inclina más hacia el rock dentro del espectro de la música instrumental, pero con suficientes elementos compositivos y dinámicos para lograr un sonido distintivo. 

Tropics and Meridians, su segundo LP, retoma justo donde lo dejó su formidable debut, con un espectro igualmente amplio de estructuras musicales. "Anisette" avanza sobre un amenazante groove de bajo subterráneo mientras Jeff Mueller ofrece aullidos indescifrables que enorgullecerían los mismísimos Jesus Lizard , mientras que "Lawn bowler" evoca el espíritu de Slint con sus cambios de ambiente y armonías inquietantemente disonantes. "June leaf" es casi bailable, con un ritmo arrollador y una guitarra suave que te acaricia delicadamente para luego darte un buen golpe por pasarte de la raya. 

El álbum tiene solo seis canciones que suman poco más de 36 minutos, pero aun así ofrece mucho más que numerosas lumbreras.

LOS SALVAJES 68-69 (El Cocodrilo, 1988)

 Seguramente hay que escarbar mucho en la memoria para recordar a Los Salvajes, aquella banda de rock española que se formó en Barcelona en 1962. Pero la verdad es que merece la pena el esfuerzo de echar la vista hacia atrás y volver a escuchar alguna de las canciones de este grupo que rompió moldes en su momento y al que, incluso, muchos calificaron como "los Rolling Stonens españoles", aunque, según rumores fundados, a ellos les hubiera gusta más ser los Who, que tampoco estaba nada mal.

En cualquier caso, mucho atrevimiento me parece este, pero lo cierto es que Los Salvajes, que curiosamente comenzaron llamándose The Savages, probablemente para dejar claro cuáles eran sus intenciones, tuvieron la osadía de hace rock en estado puro, al que no todos en España estaban acostumbrados a principios de los 60, cuando el pop más bien edulcorado seguían en plena efervescencia.

Hasta 1970, fecha en que pusieron fin a su aventura musical, Los Salvajes publicaron varios discos francamente interesantes, en los que incluían canciones propias y versiones de temas clásicos del momento que se recomienda escuchar con atención. Entre estos últimos estaban, por recordar solo algunos, "Satisfacción", versión del famoso "Satisfaction" de los Rolling Stones; "Se llama María", un tema del músico italiano Pino Donaggio; "Ya te tengo", versión del clásico de Soony & Cher "I Got You Babe", "Massachusetts", magnífica versión de la canción de los Bee Gees, y "Todo negro", quizá su tema más famoso, con el que versionaron el fantástico "Paint is Black", también de los Rolling.

Con esa voluntad de hacer una música diferente, más de puertas afuera, no solo consiguieron en España una nutrida legión de fans incondicionales, sino que también vivieron momentos de esplendor actuando en países como Holanda y, sobre todo, Alemania, donde cosecharon cierto éxito con la reedición de algunos de sus discos. Lástima que, a pesar de todo, no alcanzaran mayor índice de popularidad y que, de vez en cuando, alguna emisora de radio o alguna cadena de TV repasaran canciones suyas como "Vivir sin ti", "Soy así", "Corre, corre", "Mi bigorte", "A la buena de Dios", "Las ovejitas" y tantas y tantas más.  

Texto de Jose Molina para plusesmas.com

THE ROLLING STONES Live licks (Virgin, 2004)

 Desde 1977 los Rolling Stones se acostumbraron a documentar su gira reciente con un álbum en vivo lanzado un año después, pero a principios de la década de 2000 hubo un obstáculo en el camino: los Stones no habían lanzado un álbum con material nuevo desde 1997. Sin desanimarse, el grupo lanzó una gira internacional a gran escala en 2002. En esencia, fue una gira de grandes éxitos, pero fue una gira de grandes éxitos con una diferencia: el grupo cambió de sedes, tocando en clubes, estadios y arenas, y también jugaron con sus listas de canciones, agregando temas de álbumes nunca interpretados, favoritos de culto y versiones a la mezcla con los viejos caballos de batalla. 

El primer disco está dedicado a las canciones que se saben de memoria, el segundo a las favoritas de los fans, versiones y melodías inéditas en otro álbum en vivo de los Stones. Si bien la selección de canciones en este último parece inicialmente aleatoria, ¿por qué dos temas del álbum Tattoo You ("Neighbours", "Worried about you")? ¿Por qué Keith canta "Hoagy Carmichael ? ¿Por qué la versión de "Rock me Baby" no es la legendaria versión con Malcolm y Angus Young de AC/DC?.

 Lo más sorprendente es que este álbum es una prueba convincente de que los Rolling Stones sonaron mejor en esta gira que en años. Siguen contando con una enorme cantidad de músicos auxiliares, pero estos son músicos que han estado con los Stones durante años, si no décadas, así que los 13 músicos suenan cómodos entre sí como banda, lo que hace que la música sea flexible y fuerte. Si bien los Stones no han abandonado su estilo cinematográfico y listo para el estadio, ya no suena caricaturesco, suena natural; la banda tiene la capacidad de hacer que este rock de estadio a gran escala suene como si se estuviera tocando en un bar lleno. 

En otras palabras, así es como suena una banda veterana cuando no está en reposo. No es que esto lo convierta en un álbum esencial de los Stones, pero es un disco completamente disfrutable, y casi justifica otra versión de "(I can't get no) Satisfaction".

 (Hay dos versiones de Live Licks: una estadounidense y otra británica. Hay una diferencia entre ambos lanzamientos: en la estadounidense, la mujer japonesa animada por computadora lleva la parte superior del bikini; en la británica, no)
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THE COMSAT ANGELS Chasing shadows (ISLAND, 1986)

 Alla por 1988 y auspiciado por una conocida revista musical estuve intercambiando cintas de casette con un chico de Girona el cual me envió una coipa de este disco, le debo gratitud eterna.

Este trabajo es el resultado de la asociación con Robert Palmer , un fan que fue productor ejecutivo del disco.  Los miembros de la banda se refieren a él como su cuarto álbum, así que, esencialmente, reniegan tanto de Land (1983) como de 7 Day Weekend (1985). Esto se debe a que se centran en la música, sin dar cabida a preocupaciones externas. Dado que los valores de producción de finales de los 80 sonaban anticuados a los pocos años de su lanzamiento, las canciones que mejor se mantienen son aquellas con arreglos más básicos. 

"The cutting edge", "Carried away" y "Pray for rain" ofrecen los mejores momentos, y también son las más tranquilas y simplistas. Andy Peake toca un piano lastimero durante la mayor parte del disco, en lugar de sus habituales estilos de sintetizador y atmósferas gélidas. Otras canciones, como la contundente canción inicial "The thing that counts" y "Under the influence", son casi pesadas, probablemente las más cercanas al rock puro hasta la fecha.

 Un aspecto que adolece de Chasing Shadows es su sensación casi fría y clínica. Incluso con el material inicial más desalentador de la banda, había una sensación de calidez que falta en aproximadamente la mitad del disco. Como ventaja, suena mucho más a Comsat Angels que a 7 Day Weekend. Definitivamente no está entre los mejores de la banda, pero aun así esta por encima de la media de muchas bandas de la época
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THE AFGHAN WHIGS Black love (Mute, 1996)

 Este és un disco que responde, no por nada, al nombre de Black Love. Y, ¿qué podemos encontrar aquí?. Cuando parecía que Dulli no sería capaz de igualar al genial Gentlemen (1993), la banda quizás no lo supera, pero lo podemos dejar en un empate. ¿Secuela?,¿Refrito? Todo el disco destila desamor y pesimismo, todo de la forma más descarnada que puedas imaginarte. Se detecta ese desaire, esa sensación de haber sido engañado y de no volver a confiar en eso del amor.

Quizás no es un disco tan directo como su predecesor, pero Black Love mejora con el tiempo y las escuchas. Posiblemente necesites conectar sentimentalmente con él para recibirlo como es debido. El soul sigue siendo importantísimo en el sonido del disco pero la parte rockera es igual de imprescindible. Todo luce impecable, pero sobre todo, la interpretación vocal de Dulli es la que me rompe en dos.

Black Love és un disco lleno de canciones monumentales como “Honky’s ladder”, posiblemente mi preferida del disco. “Faded” con sus ocho minutos y medio me parece soberbia. O “Crime scene part one” no te deja indiferente. Una a una, las canciones que componen Black Love tienen un potencial infinito, musicalmente y en su esencia y sabor. No en balde éste es el disco mejor valorado de la banda incluso por encima de su predecesor.

Un disco precioso y triste, un disco afilado y distante pero a la vez cercano. Todos hemos padecido, o casi todos, un desamor, y no hay mejor banda sonora para esos momentos que Black Love. Un disco imprescindible. Una joya!

OMD Dazzle ships (Virgin, 1983)

 La brillante racha de sencillos de primera categoría y el dominio de las listas de éxitos de OMD se detuvieron de forma temporal pero dramática con Dazzle Ships, el punto en el que la expansión de los límites de la banda alcanzó su límite más lejano. Sin embargo, McCluskey , Humphreys y compañía no pudieron llevarse a muchos oyentes con ellos, y no es de extrañar, por qué Dazzle Ships es pop fragmentado, un álbum conceptual lanzado en una era que eso ya no se llevaba. 

Sin embargo, por sus propios méritos, es deslumbrante, un Kid A de su tiempo que nunca recibió un nivel alto de atención y apreciación. De hecho, la propia inmersión de Radiohead en la electrónica abstracta y las meditaciones sobre los avances biológicos y tecnológicos parece hacerse eco de los temas y la construcción de Dazzle Ships. ¿Qué más se puede decir al escuchar el sencillo principal del álbum, la imponente "Genetic Engineering", con sus voces de juguete y una secuencia inicial que parece la inspiración para "Fitter, happier", por ejemplo? Sigue siendo un misterio por qué no fue un éxito, pero este sencillo, junto con las igualmente disfrutables y enérgicas "Telegraph" y "Radio waves", son sin duda los momentos más pop del álbum. 

Concebido en torno a visiones de la críptica tensión de la Guerra Fría, el auge de las computadoras en la vida cotidiana y puntos de referencia europeos y globales (grabaciones de zonas horarias y fragmentos de transmisiones de onda corta), Dazzle Ships supera a Kraftwerk en su propio juego, la ciencia y el futuro convertidos en canciones sorprendentemente cálidas y evocadoras o fragmentos instrumentales con arranques y paradas repentinos. "Dazzle ships (Partes II, III y VII)" captura a la perfección la sensación alienígena del álbum, con sus ruidos distantes y resonantes y sus ritmos curiosos, que se deslizan hacia la encantadora "The romance of the telescope". "This is Helena" funciona en todo, desde lo que suena como arreglos de cuerdas muy tratados hasta samples de locutores de radio, mientras que "Silent running" se convierte en otra en la línea de baladas OMD emotivas e impresionantes, donde la voz de McCluskey es la pieza central
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TARIK Y LA FABRICA DE COLORES Sequentialee (Mushroom Pillow, 2005)

 Extracto de Juan Jose Santos para La Fonoteca a proposito de la carrera del cordobes Tarik y su Fabrica De Colores...

Tras otros ocho espectrales años, Álvaro Muñoz, el hombre que siempre regresa (porque siempre desaparece) vuelve en el 2005. Reaparece de la mano de Mushroom Pillow con un trabajo titulado «Sequentialee» (Musroom Pillow, 2005). De nuevo, la ruptura musical con respecto a su anterior entrega es absoluta. Producido por Pedro Cantudo, «Sequentialee» es un compendio de temas de pop y rock clásico cercano al sonido de los pioneros de los 60 ingleses, a The Kinks, Neil Young, junto con otras referencias más ruidosas, The Jesus and Mary Chain o Suede. Es, sin duda, un disco redondo y uno de los mejores grabados en España en el 2005. Unas composiciones y una producción muy cuidada, una gran diversidad estilística sin restar coherencia al conjunto, y una serie de temas muy bien acabados, como “Porque hoy es domingo” o “Vengan los amantes”. Un disco que pilló de sorpresa tanto a público como a crítica, y, por ello, no recibió la cobertura mediática merecida.

Algunos encuentran un paralelismo con el caso Deluxe. Ambos son de la misma compañía, cantan en inglés y en español, y comparten ciertas referencias. A partir de aquí, las semejanzas se desvanecen. Sección curiosidades: a Álvaro Muñoz le han apodado El Bowie español. Un parecido razonable en el timbre de voz en algunas composiciones tienen la culpa. Otra anécdota que puede provocar ciertas goteras entre el público femenino (o masculino): es un gran aficionado a la pintura artística, que practica con buena mano.

No existen trayectorias parecidas en la producción hispana. Un grupo que ha publicado tres discos, totalmente diferentes entre sí, y que ha tocado diversos palos (desde el más metalero hasta el más pop) con éxito. Esta intermitencia creadora es gráficamente explicada por Muñoz en una entrevista publicada en Ultrasónica: “Cuando hice el primer trabajo todavía no existía el CD, al menos con fines comerciales. Cuando hice el segundo todavía no existía el mp3. Que nadie se lleve las manos a la cabeza cuando oye que yo hago un disco cada ocho años. No es que yo sea lento: ¡Es que el mundo va demasiado deprisa!”.

TARANTULA Esperando a Ramon (Producciones Doradas, 2006)

 Crítica del disco extraida del blog valordeley allá por 2000...

Esperando a Ramón fue el primer disco de Tarántula. Uno de los discos en castellano de ese año. En concierto dicen que son todavía mejores. Acaban de sacar su segundo, Humildad trascendental, diferente en lo musical, más calmado, pero con las mismas o mejores letras repletas de absurdos. "El mítico culo" quizá sea la canción del año. Pero tampoco se quedan atrás "Total por una noche", "La oreja", "Condes de Barcelona" (una crítica con humor a esa Barcelona que llaman muladar de artistas), "El vals de las mariposas" o "Zum zum".

Tarántula y su miembro Joe Crepúsculo en solitario se han convertido en un par de años como Lidia Damunt, Los Punsetes o su miembro Antonna en grupos abanderados de la modernidad (que a veces significa una vuelta a los ochenta) pero que a veces uno piensa que son únicamente una broma. Pero, con canciones como éstas, a quién le importa que se estén riendo de nosotros.