DON HENLEY The end of the innocence (GEFFEN, 1989)

 Don Henley tardó un tiempo en completar su esperado tercer álbum, The End of the Innocence. Aunque consigue duplicar gran parte de la magia de su álbum anterior, Henley dejó de lado los sintetizadores y amplió su paleta musical. Utiliza aquí coros con gran efecto, ya sea en la trágica balada "New York minute" (con el grupo vocal Take 6 ) o en la furiosa canción rockera "I will not go quietly" (con Axl Rose de Guns N' Roses ).

 Su colaboración con Bruce Hornsby en la canción que da título al álbum muestra a un Henley maduro cantando sobre la desilusión sobre un hermoso riff de piano que le da a la canción un aire atemporal de nostalgia. Aunque sigue abordando cuestiones políticas y escribiendo sobre la vida en los pueblos pequeños de Estados Unidos, Henley también mezcla baladas románticas, incluida la última "Heart of the matter". En esta canción épica, Henley explora la complejidad emocional de las relaciones y la aceptación de uno mismo durante las secuelas.

 A lo largo del álbum, logra mantener un equilibrio entre el cinismo y la esperanza, y sus grandes melodías permiten que sus letras conmovedoras penetren en el corazón. En tiempos de reivindicación del soft rock este álbum es muy recomendable para quienes gustan de la música pop (casi AOR) con mensaje.

NICK CAVE & THE BAD SEEDS Abattoir blues / The lyre of Orpheus (Mute, 2004)

 Un año después de Nocturama y por primera vez sin Blixa Bargeld (dedicado en exclusiva a Einstürzende Neubauten), Nick Cave & The Bad Seeds regresan con su decimotercer trabajo, el primero doble de su discografía, o mejor dicho, la primera vez que editan dos discos incluidos dentro de un mismo álbum. Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus fueron grabados en el estudio Ferber de París y producidos por el propio grupo. Para la ocasión, la banda repite su formación habitual -a excepción de Bargeld– e incluye a un nuevo miembro, James Johnston (ex Gallon Drunk) al organo.

Este trabajo es una asombrosa colección de 17 canciones divididas en dos partes, que aunque muy similares, podríamos apuntar que The Lyre Of Orpheus quizá contenga momentos más reposados. Dos discos en los que nos encontramos con los australianos más accesibles, arrebatadores, líricos y vitalistas que de costumbre, con la inclusión de nuevos elementos en su música -como el gospel-, y como es habitual en su líder, con unas letras que van más allá de la poesía.

Un torrente llamado “Get ready for love” da paso a una celebración de casi hora y media en la que el gospel festivo de «There Sshe goes, my beautiful world» se une a la magia de «Breathless», «Let the bells ring» y «Nature boy», a la oscuridad de «Hiding all away» o «The lyre of Orpheus» y a la fuerza de «Supernaturally». Los momentos más líricos son para «Babe, you turn me on», «Easy money” o «Cannibal’s hymn» y el éxtasis llega de la mano de «Carry me» o “Fable of the brown aple”.

Es difícil encontrarse a una banda con más de dos décadas de actividad a sus espaldas y en plenas facultades creativas. Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus fué una
nueva obra maestra que añadir a su imprescindible discografía, un disco que puede mirar de tú a tú a glorias pasadas como Tender Prey (88), Let Love In (94), The Boatman´s Call (97) o No More Shall We Part (01)

DEXYS One day i'm going to soar (BMG, 2012)

Un pianito, un murmullo, unos coros, y la voz apenada de Rowland abre el disco, but once…. la canción te explota en la cara, y el celtic soul se apodera de tu cuerpo, de tu alma, de tu corazón. Ostias, qué temazo! Más de seis minutos de placer, de disfrute, de celebración.. Un puñetazo sobre la mesa, qué somos los Dexys leñe, que somos la polla (con perdón), y es que esta canción me ha traído a la memoria la primera vez que escuché «Too-Rye-Ay”, eso es irrepetible, claro, pero las sensaciones se han parecido. Sólo por este tema la vuelta de los Dexys valió la pena, pero hay más, mucho más y mejor. Laaaa, la, lalala, laa-la, lala, lalala….

 Rowland estuvo un tiempo perdido pero ha vuelto definitivamente, “Lost” es la prueba de todo ello. Qué preciosa canción, qué bonica, sí bonica del to. Y si no estás convencido del todo llega la clase total con “Me”, aires claros y sin disimulo a The Style Council con la aportación a los teclados del 50% de aquellos, Mick Talbot qué grande eres!. La melodía y la forma de cantar me recuerdan a veces a un “Shout to the top” de guateque, de chill out, pero qué cojones, es una de mis favoritas. Claro que “She got a wiggle” no le va a la zaga aunque en este caso me viene a la cabeza la atmósfera que creaba el duque blanco, el camaleón Bowie allá por los ochenta. Cancionaca.

Luego vuelven descaradamente los “midnight runners” con esa joya que es “You”. Ya digo, es un discarro que gana a cada escucha y que cualquier terrícola en su sano juicio no debería pasar por alto, y es que si uno no se estremece con «I’m thinking of you” debería hacerse una analítica, si a uno no le dan ganas de pegarse un bailoteo con “I’m always going to love you” o si no te da un ataque de positivismo con el dueto de “Incapable love” mejor ingresa directamente en un sanatorio. El final se acerca y de él destaco “Free” porque simplemente es cojonuda y vuelve a ese sonido de “Style council” que particularmente tanto me gusta.

Discazo señores, discazo…

 

(Reseña de Nikochan Island)

LOU REED Berlin (RCA, 1973)

 Transformer y "Walk on the wild side" fueron grandes éxitos en 1972, para sorpresa tanto de Lou Reed como de la industria musical, y con Reed repentinamente convertido en un producto de moda, utilizó su recién adquirida influencia para hacer el álbum más ambicioso de su carrera, Berlin.

 Berlin era el equivalente musical de un niño drogadicto suelto en una tienda de golosinas; las canciones del álbum, que forman una historia suelta sobre un romance condenado al fracaso entre dos bohemios alimentados por químicos, fueron desarrolladas con una producción enorme y retumbante ( Bob Ezrin en su momento más grandioso) y arreglos sobrecargados de guitarras, teclados, trompetas, cuerdas y cualquier otro recurso que estuviera a mano (la banda de sesión incluía a Jack Bruce , Steve Winwood , Aynsley Dunbar y Tony Levin ). Y aunque a menudo se había acusado a Reed de centrarse en el lado oscuro de la vida, él y Ezrin abordaron Berlin como su oportunidad de hacer El álbum más deprimente de todos los tiempos, y no se perdieron ninguna oportunidad.

 Todo esto parecía demasiado para un artista que hizo un uso tan soberbio de la formación de dos guitarras/bajo/batería con la Velvet Underground , especialmente porque Reed ni siquiera toca la guitarra eléctrica en el álbum; el gran tamaño de Berlin en última instancia domina tanto a Reed como a su material. Pero si Berlin es en gran medida un fracaso de la ambición, eso lo distingue de la gran mayoría de los trabajos menores de Reed; la voz de Lou es a la vez precisa y apasionada, y aunque algunas de las canciones son poco más que bocetos, las mejores - "How do you think it feels", "Oh, Jim", "The kids" y "Sad song" - son material poderoso y amargo.

 Es difícil no quedar impresionado por Berlin, dado el gran alcance del proyecto, pero si bien se merece una A por el esfuerzo, la ejecución real merece más bien una B-.

PINK FLOYD Delicate sound of thunder (EMI, 1988)

 En cierto sentido, es difícil criticar a David Gilmour por reestructurar a Pink Floyd como un acto neo-oldies con Momentary Lapse of Reason (1987) , ya que Roger Waters llevó a la banda al límite con su obsesivo y poco musical The Final Cut (1983) .

 Los fanáticos estaban ansiosos por un álbum que sonara como el Floyd clásico, que es lo que era Momentary Lapse . Pero lo que realmente ansiaban era un espectáculo en vivo de Floyd, donde pudieran escuchar las viejas melodías y ver todas las viejas acrobacias. Eso es lo que obtuvieron en la gira mundial de Pink Floyd de 1987/1988, que está documentada en el set de este doble disco. 

El Floyd reunido de Gilmour tenía la intención de recrear el sonido y la sensación del Floyd clásico, por lo que no debería sorprender que los más viejos se sientan como los discos clásicos, solo que con Gilmour tomando el mando, pero esta es una recreación que tiene menos sentido en el disco que en el escenario, donde la nostalgia estaba justificada. 

En este caso, la música parece aceptable, pero nunca convincente. Es música profesional, competente y, a menudo, incluso agradable, pero, como ocurre con muchos souvenirs, nunca resulta necesaria.

Reseña de Stephen Thomas Erlewine para Allmusic.com.

LA BUSQUEDA Psicolatin (Blau, 1995)

 Despues de dos trabajos excelentes como son La Busqueda (1988) y La rueda de la fortuna (1991), este tercer trabajo inevitablemente baja bastante el liston del este grupo mallorquin liderado por el genial Francisco Albéniz, pero aun así están muy por encima de la media en cuanto a calidad y propuesta del resto de bandas.

Arranca el disco con, para mí, dos de sus mejores canciones "Canción del polizonte" y "H / Cartones" para volver a sus inicios en "Yo seré el viento" y su aroma mediterraneo, en "Caminito hacia Huelva" vuelven a fijarse en los aires sureños que tantos buenos réditos obtuvieron en su primer disco.

Pero también aquí tiene cabida (como en todos sus trabajos) los toques de bandas de los ochentas oscuras como eran Psychedelic Furs, The Cure y sobre todo los Echo & The Bunnymen más orquestales como son las canciones "22 soles" y "Rompe la lanza".

La Busqueda sin duda son una de las bandas mas eclecticas e interesantes del panorama estatal aún a dia de hoy que siguen editando discos muy interesantes.

LA HABITACION ROJA Nuevos tiempos (Mushroom Pillow, 2005)

 Reseña de Ivan Moreno...

Quinta entrega del grupo valenciano, avalada por los más de 80 conciertos -incluida su aventura por América Latina con shows en México, Chile y Argentina- ofrecidos entre la presentación de su anterior disco: 4 y la grabación de este Nuevos tiempos en Chicago, a cargo del maestro Steve Albini, productor entre otros de Nirvana, P.J Harvey o Pixies, y encargado de una vez por todas de acercarnos al grupo a su mayor virtud: el sonido directo y contundente que siempre han demostrado sobre un escenario.

Si el anterior trabajo adolecía de una falta de agresividad manifiesta, que no de canciones, en éste confirmamos todo lo contrario y nos encontramos con una crudeza y una fuerza que nos muestran al grupo que deseábamos recuperar de la época de Largometraje y la frescura de su primer disco.

El primer single, "Scandinavia", respira aire a Strokes por los cuatro costados. Este sonido nos acompañará a lo largo de todo el disco e incluso hay guiños a otro grupo de la nueva ola americana: Interpol, en Nunca ganaremos el mundial. En cuanto a las letras, la temática también se abre y además de las composiciones nostálgicas y de amor marca de la casa -"Por ti" o "Agujeros Negros" tema este último que huele a clásico de la banda-, nos descubren una faceta más acorde con los problemas de nuestro tiempo en "Van a por nosotros"
, además de propinar un gancho directo al mentón a todos aquellos que los habían enterrado antes de tiempo, en la canción que da al título a estos flamantes y potentes Nuevos tiempos.

NICK CAVE & THE BAD SEEDS Henry's dream (Mute, 1992)

 Henry’s Dream es el regreso al redil de Cave tras su balsámica incursión en las aguas del romanticismo melodramático, aunque The Bad Seeds no volverán a sonar nunca exactamente como en su primera etapa. Los colmillos seguirán ahí, pero ya no lucirán tan retorcidos y ponzoñosos como en sus primeros discos. A pesar de ello, el de 1992 es un trabajo violento, intenso y trágico atravesado por la lujuria, la muerte y los pecados irredentos que se acumulan en piezas tan valiosas como las dantescas “Papa won’t leave you, Henry”  y «I had a dream Joe», la fabulosa e infravalorada “Loom of the land” o ese otro baladón que podría haber estado en el LP anterior, “Straight to you”.

 Cave nunca quedó satisfecho con la producción de David Briggs, colaborador habitual de Neil Young, que aplicó un barniz brillante a un denso torrente sonoro compuesto por guitarras acústicas feroces, ritmos robustos y cuerdas épicas al que se incorporaban Conway Savage al piano y Martyn Casey al bajo, miembros permanentes de la banda desde entonces.

 Sin ser una obra tan personal ni contener tantas piezas memorables como las inmediatamente anteriores, Henry’ Dream es un disco compacto con algunos exabruptos formidables, especialmente “Jack the Ripper”, un belicoso
blues-punk con el olor del azufre y el sabor de la sangre en la boca. El cover de los canadienses Japandroids también tiene su punto.

GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE Alegato meridional (El Ejercito Rojo, 2006)

 Reseña de Gerardo Sanz sobre Alegato Meridional publicada en Rockdelux 245 (Noviembre 2006):

Decía Jardiel Poncela que la sinceridad absoluta es el camino más corto y seguro para llegar a la originalidad en el arte. Por esa misma senda transita Grupo de Expertos Solynieve, el nuevo proyecto de J al margen de Los Planetas, una banda que, comenzando por su colíder Manuel Ferrón, congrega a músicos granadinos de probada solvencia en la articulación de un extravagante discurso donde se reivindica el modus vivendi del sur español a partir de los modismos del folk-rock norteamericano. Y es que, tras una maqueta firmada por Montero Castillo y Aguirre Suárez y un EP acreditado a La Cultural Solynieve, este Grupo de Expertos que completan el guitarrista Víctor Lapido (Lagartija Nick, 091), el bajista Miguel López (Los Planetas) y el batería Antonio Lomas (José Ignacio Lapido) hace honor a su nombre en un debut insólito, uno de esos discos que nace broma pagana y acaba objeto de culto.

Grabado “poquito a poco” en el estudio (Refugio Antiaéreo) donde se adiestran las huestes de El Ejército Rojo, este “

Alegato meridional” redime los tópicos andaluces con la naturalidad de Vainica Doble, homenajeadas aquí con una emotiva versión del “Déjame vivir con alegría” que, en los ochenta, popularizaron Sergio y Estíbaliz. El salero y la siesta, el compadreo y la calma, la chicha y la limoná surcan un cancionero que revela el talento de Ferrón, buen compositor y mejor letrista. “La vida tiene arrugas de camisa mal planchada”, espeta en “Todo lo demás”, The Byrds a la sombra de Sierra Nevada tutelando cuarenta minutos donde se inventan la sevillana’n’western (“Claro y meridiano”) y el country de ida y vuelta –“La balada de buscando mi destino”, adaptación de “The Ballad Of Easy Rider” de Roger McGuinn–, donde se toma a Silvio por Dylan (la atinada lectura de “Sureños”) y a Kiko Veneno por Gram Parsons (“Una pila de cosas”), y donde casi todo, incluidas las dos variaciones de “Par de flamenquines”, es nada de lo mismo. Ciertamente, se ve que hay calidad. 

F.A.N.T.A. El chico con rayos x en los ojos (MUSICA PARA TOP, 2007)

 La tercera entrega de F.A.N.T.A fué uno de los mejores discos de su carrera. Su primer álbum fue bueno. Corto, intenso, divertido. El segundo supuso un paso atrás, pese a que contenía dardos certeros como “Bruce Lee” y “Bazar oriental”. En este se desquitan con un disco en el que, si bien la fórmula es la misma de siempre (punk ramoniano de no más de dos minutos), los de Santa Coloma salen muy bien parados.

Aquí hay melodías mucho más imaginativas, arreglos vocales más innovadores y letras adictivas y con mayor pegada que en su anterior entrega. Del total de los diecisiete cortes sólo flojean para mi en un par, “Todo es por tu amor” y “Hechizo de amor”, las más edulcoradas, pero como tomo buen disco de punk pop invita a una segunda y tercera escucha de manera consecutiva. 

Hay un hit incontestable: “Iker Jiménez”, himno dedicado al parapsicólogo más famoso de la televisión. Echan mano de temas de actualidad para firmar los momentos más brillantes del disco, “Adicto a tu fotolog” y “Cambio climático”, diseminan los clichés del género con criterio para conseguir no empachar: un justo homenaje a The Cramps en “Mi coche fúnebre”, reconstrucciones del legado de Sonic Surf City y The Queers en “Ya no quieres verme más” y “2084 Planeta Tierra”, y los preceptivos guiños temáticos a la ciencia ficción y los tebeos en “El chico con rayos X en los ojos” y “Cómics de Marvel”.

 Es el disco que los supporters (su particular club de fans) esperaban de ellos, el que los siguió encumbrando como los perfectos segundones del
punk pop patrio. Qué no cambien nunca.

LA HABITACION ROJA Sagrado corazon (Mushroom pillow, 2016)

 Decimo disco de los valencianos, ahi va la crítica de MondoSonoro firma da por Carlos Perez De Ziriza...

En este trabajo LHR ensanchan sin traumas la marca de su discurso.
“You gotta be cool” es la prueba más palpable. Un radiante single de adelanto, llano, directo y con estribillo en inglés, exento de complicaciones, que podría arquear la ceja del fan de largo recorrido. Pero también lo es el dueto con Zahara en “24 de marzo”, que remite a cualquier hit de Jeanette. Otros pasajes revelan continuismo con su pasado inmediato, como “Al querer”, que enlaza con ese molde de balada croonerizada y a tumba abierta que explicitaron hace algo más de dos años en “Si tú te vas”. O “La deriva continental”, que al igual que algunos de sus últimos singles, articula un swing bailable que parece carne de remezcla.

El álbum, en síntesis, es un muestrario condensado de todas sus potencialidades, porque “La vida es muy corta” exhibe músculo rock sobre guitarras crispadas, si nos vamos al otro extremo de su balanza. Y porque la pegada de los estribillos de “Nuestro momento” o “Albufera” (con Ramón Rodríguez a los coros) tienen todos los números para revelarse como clásicos instantáneos de su discografía, mucho antes de que los arpegios finales de “Ahora todo es posible” (que tanto recuerdan a “747”, el broche con el que los suecos Kent cerraron su inolvidable “Isola” hace casi veinte años) suman al oyente en una plácida despedida. No hay demasiada trampa ni cartón con ellos. Pero tampoco motivo para el escepticismo ni el desengaño. Porque en lo suyo no fallan, y su receta es más diáfana que nunca.