KAMENBERT Soul nights (DRO, 1987)

Servando Carballar ve en Kamenbert  potencial como referente del movimiento mod y edita su primer y único mini LP, este Soul Nights grabado en los estudios Musitron. La formación del grupo por entonces estaba compuesta por Dani Preñafeta (guitarra), Joan Llovera (bajo), Joan Manuel González (batería) y Charo Boix, Mari Rodríguez y Mireia Cardeña (voces). Contaron con  la participación de Ricky Gil de Brighton 64 en los «coros y aullidos» de "Terciopelo Azul" y "Quiero que me encierren"

.El disco se publica en la fase final de la carrera del grupo, donde ya no hay ninguna duda acerca de  su estilo musical, de lleno imbuido en el sonido pop-soul y a la cabeza del movimiento mod. Muy cuidada la estética en blanco y negro de la vestimenta del grupo dentro de una habitación decorada para la portada.

En cuanto a las canciones incluidas todas tienen un patrón común que se remonta a los grandes monstruos del soul sin olvidar los principios de ese revival mod que vino en la década de los 80. Mucha sección de vientos en la mayoría de los temas incluida una versión muy buena del clásico del grupo "Terciopelo azul". No parece existir un hilo conductor en la temática de las canciones. Son siete pildorazos de pop-soul independientes, en muchos casos bailables. Algunas canciones como "La gran mentira", por su lentitud de ritmo, y "Australia" no rayan a la altura, aunque el nivel es más que aceptable.

Los momentos más potentes coinciden con las dos canciones más antiguas: "Terciopelo Azul" y "Hey Baby", junto con el "Sha La La La", título que nos recuerda a aquel clásico de los Small Faces y "Mucho tiempo".

TREMBLING BLUE STARS Her handwriting (Shinkansen, 1996)

 Inspirado por la ruptura, tanto profesional como personal, de Bob Wratten y Annemari Davies , el delicado Her Handwriting es desgarradoramente delicado y melancólico; pocos artistas desnudan sus almas con tanta belleza como Wratten.

 Los 14 temas que componen el debut de Trembling Blue Stars se encuentran entre lo más sublimes que ha compuesto hasta la fecha, fragmentos de melancolía suavizados por guitarras ensoñadoras y un toque de atmósfera ambiental. Creado en colaboración con el exarreglista de St. Etienne, Ian Catt , el álbum posee una elegancia majestuosa que permite a Wratten balancearse al borde de la desesperación romántica, pero nunca permite que él ni sus canciones pierdan su dignidad: 

"Abba on the Jukebox" captura fácilmente la grandeza evocadora de su título, mientras que otros temas destacados como "For this one" brillan con una belleza sobrecogedora.

PAULINE EN LA PLAYA Termitas y otras cosas (SUBTERFUGE, 2003)

 El tercer disco de las hermanas Álvarez es otra colección de canciones especialmente destinadas a todos aquellos niños mayores que nos resistimos a crecer. Hay algo de infantil en las formas utilizadas por Pauline para hablarnos de los amores, de los hechos cotidianos o de la muerte de un animal querido.

El primer ejemplo es “Cuento quitamiedos”, la canción que abre el álbum. El tema está plagado de referencias a las historias de miedo de nuestra infancia, aunque matizadas por una suave ironía que se burla en cierta manera de los tópicos de este tipo de cuentos. Este mismo tono recorre también “Erizo” y “Pasos de ratón”, dos temas que nos hablan de los métodos que utilizamos para defendernos de los demás y de la capacidad de cada uno para marcarse una trayectoria vital.

Más intrascendentes, aunque igualmente simpáticas son “Me acurruco”, una divertida descripción de los momentos íntimos de una pareja, o “Mi bañera”, una oda a los buenos momentos que pasamos en el baño. Mas seria, a pesar del festivo tono sonoro, es “No hay lugar”, una hermosa composición sobre el aislamiento interior. El tono nostálgico aparece en “Rumbo norte”, una preciosa canción sobre el Gijón natal de las dos componentes de Pauline. Tras este pequeño guiño a la tierra amada , el dúo vuelve a tratar las relaciones de pareja en “Termitas, mariposas y otras cosas”, “Acabáramos” o la hermosísima “Una pizca de mí”. Utilizando el pop de cámara y la bossa nova, las Álvarez trazan un retrato íntimo y cercano del amor y el desamor.

Para cerrar el disco, las dos componentes han elegido “Paralai”, una canción que cualquier niño grande hubiera dedicado a su perro muerto. Al fin y al cabo, lo que las hermanas Álvarez han intentado es sumergirnos en un País de Nunca Jamás para eternos Peter Panes.

BLUR (FOOD, 1997)

 The Great Escape (1995) , a pesar de todas sus virtudes, acorraló a Blur y solo les quedó una salida, abandonar el britpop que habían instigado, sacando a la superficie las peculiaridades que siempre habían primado en su música.

 Blur puede parecer superficialmente una ruptura con la tradición, pero es una progresión lógica que resalta el rico eclecticismo y el sentido de la composición de la banda. Ciertamente, buscan un nuevo territorio sonoro, introduciendo fragmentos de ruido blanco, electrónica , guitarras crudas y psicodelia alucinante, pero estas son solo extensiones de elementos previamente ocultos en la música de Blur. Lo que lo hace excepcional es el esfuerzo que realiza la banda por reinventarse dentro de su propio marco, y el nivel de éxito que alcanza. 

"Beetlebum" recorre el White Album en cinco minutos; "MOR" reinterpreta a Bowie de la era berlinesa, "You're so great", a pesar del título cursi, es un lo-fi impactante de Graham Coxon ; "Country sad ballad man" es una psicodelia extrañamente conmovedora y estrangulada; "Death of a party" es de una resignación conmovedora, "On your own" es una increíble pieza de pop para cantar a coro, con una guitarra fluida y sinuosa, y explosiones de sintetizador; mientras que "Look inside America" ​​subvierte ingeniosamente la canción tradicional de Blur, con todo y cuerdas y "Essex dogs" es un fragmento de seis minutos de verso libre y guitarras vibrantes. 

Blur puede ser conscientemente ecléctico, pero Blur da lo mejor de sí cuando intenta estar a la altura de sus propias pretensiones, gracias al excepcional sentido de la composición de Damon Albarn y a su talento para los arreglos detallados que enriquecen las canciones al máximo. Puede que el disco tenga matices oscuros, pero la banda suena positivamente alegre, no solo haciendo ruido, sino también desbaratando las expectativas de su público y de
la crítica.

FERRETERIA ROSARIO (2021)

 Extracto del blog SONIDOS SUMERGIDOS a cuenta del primer EP de FR:

FERRETERIA ROSARIO es un grupo de Valencia formado por Edu Torrens (batería y voces), Edu López (guitarra y voz solista) y Bobia (bajo y voces).

Su música es una mezcla de rock alternativo, post punk, garage… explosivos temas de rock cargados de distorsión guitarrera y poderosos ritmos, magnéticas canciones de gran inspiración melódica y rugientes guitarras que te seducen con su enérgica amalgama sónica, redondos trallazos de potente interpretación vocal, salvajes riffs guitarreros y contundentes ritmos que nos invitan a un excitante viaje de decibelios y adictivas melodías, un primer disco de enérgicas composiciones herederas de los mejores sonidos del rock alternativo de los 90 que estamos seguros gustará a todos los amantes del rock.

Entre sus influencias pueden estar grupos como  Magazine, Bauhaus, Television, Sugar, Therapy, Superchunk, The Hives…

Las estupendas letras nos hablan de generación, juventud, dolor, perder la fe, soledad, noche…

THE MISSION The first chapter (Mercury, 1987)

  La mayoría de las bandas que llegan a las grandes discográficas suelen ignorar su producción anterior una vez que el gran sello corporativo está pagando las facturas. Para The Mission, cuya reputación se construyó sobre sus primeros sencillos, era una necesidad hacerlos llegar fácil a los fans. Mercury estaba más que dispuesto a saturar el mercado del Reino Unido con lanzamientos de The Mission, ¿y qué mejor manera que reempaquetar viejos sencillos de un sello menor y lanzar la colección justo después de un debut exitoso? 

Entonces, por un lado, sacan provecho de la situación, pero por otro, The First Chapter es una colección bastante buena,  y que contiene algunos de los mejores momentos del grupo

. Algunos pueden criticar que la compilación no esté configurada en orden cronológico, pero la decisión de configurar el álbum en un patrón casi rockero/melancólico evita que el proyecto en general entre en la rutina. Los dos primeros sencillos, "Serpents kiss" y "Garden of delight", son, sin duda, los más destacados, pero sus versiones de "Like a hurricane" ( Neil Young ), "Wishing well" ( Free ) y "Dancing barefoot" ( Patti Smith ) son sorprendentemente sólidas, lo que demuestra que la banda estaba interesada en llevar el limitado alcance del rock gótico a ámbitos más interesantes que las simples cajas de ritmos y los murmullos melancólicos.

 Los temas más lentos y melancólicos ("Wake [RSV]", "Naked and savage") parecen interludios algo largos, y la versión de "Tomorrow never knows" de los Beatles podría haberse quedado en casa.

 Una introducción posiblemente mejor a The Mission que God's Own Medicine (y no solo porque se trata de su primer trabajo), The First Chapter es sin duda una joya para los fans, además de una interesante pieza histórica de una era a menudo olvidada del rock inglés.

HAPPY MONDAYS Yes please! (Factory, 1992)

 El cuarto álbum de estudio de los Happy Mondays fue el "punto muerto" de una carrera gloriosa y logró llevar a la ruina a la ya desesperada Factory Records. El álbum fue un desastre comercial y un fracaso crítico que Melody Maker resumió con solo dos palabras: "No, gracias". Es su álbum más oscuro.

La grabación del álbum siempre fue recordada por los excesos. Shaun dejó caer su suministro de metadona en el aeropuerto de Manchester antes de partir hacia Barbados y terminó fumando 25 piedras de crack al día durante el período de grabación. Bez condujo a través de la plantación cerca del estudio y volcó un jeep y se rompió el brazo. Cuando se quedaron sin dinero, vendieron los muebles de Eddy Grant para comprar más drogas. Esto llevó a que Shaun Ryder tomara como rehenes las cintas maestras para obtener más dinero, a pesar de que las canciones todavía estaban muy incompletas. (Recibió 50 libras).

 El seductor y sedoso sencillo principal fué "Stinkin' thinkin'", que es uno de los pocos puntos destacados del álbum. En “Monkey in the family”, canta: “Aléjate del toque de menta/ Donde se encuentran los Humpty Humpers”. El segundo sencillo fué "Sunshine and love", que suena como una mala imitación de Duran Duran. No tengo idea de si estaban siendo irónicos o sarcásticos (después de todo, eran los años 90). Pero te hace preguntarte si sabían que este álbum iba a ser malo, y si incluso les importó en ese momento. Si ves un reportaje de MTV News de esa época, ciertamente parece que no lo hicieron .

Los Happy Mondays se separarían justo después de Yes Please!, con Shaun Ryder y Bez, formando posteriormente el aclamado grupo Black Grape. La separación de los Mondays se produjo en el momento justo. Madchester estaba muriendo y los gustos musicales cambiantes en el Reino Unido pronto verían el auge de Blur y Oasis y la escena del britpop.

HANOI ROCKS Back to Mystery City (Lick Records, 1983)

 Habiendo rendido culto a Mott the Hoople durante gran parte de su carrera, no sorprende que para su cuarto álbum, Hanoi Rocks fueran directamente a la fuente, consiguiendo que Dale Buffin Griffin y Pete "Overend" Watts produjeran Back to Mystery City. El dúo hace que Hanoi Rocks suene como una banda mucho más poderosa que antes; en comparación con Self Destruction Blues (1982) , los riffs son más explosivos, la batería retumba y Michael Monroe está en pleno apogeo. 

El aura de los 50, fiesta glam de los 70 y el caos del hard rock de los 80 hizo que la banda hiciera que su propio sonido fuera incluso mejor que antes, pero el dúo de producción también dejó aún más espacio para experimentos intrigantes dentro de las propias canciones. Así, el glam stomp a todo trapo, los tambores que imitan a los de Burundi y los ruidos de animales durante la alegre juerga de "Tooting bec wreck" (una de las muchas canciones de Hanoi Rocks que rinden homenaje a su hogar lejos del hogar, Londres), o el claramente obvio "Mony Mony" robado de la canción principal, con voces reverberadas que hacen maravillas.

 Llamar a la primera canción "Strange boys play weird openings" y que sea una imitación de canción folk rústica (con guitarras acústicas, flautas y pájaros cantando) es una gran manera de divertirse. Más aún, hay que admitirlo, cuando las cosas de repente dan un giro hacia el brillante tema rockero "Malibu Beach nightmare". Otras canciones, como "Beating gets faster" y "Ice cream summer"  pueden ser más típicas de Hanoi Rocks, pero es un patrón lo suficientemente bueno como para seguirlo.

 A su manera, no fueron tanto pioneros como seguidores de un estilo que no muchos intentaron en su momento.

MARY MARGARET O'HARA Miss America (Virgin, 1988)

 Un álbum de folk-country que siempre significará el hallazgo de alguien muyb singular. Llegué al álbum después de escuchar la versión de Cowboy Junkies de "You will be loved again" en _The Caution Horses_, una canción fresca y melancólica. Sin embargo, la versión original de Miss O'Hara es mucho más extraña, sobria y obsesionante.

 En su mayor parte, acompañándose a sí misma en un solo con lo que las notas del álbum llaman "infinite guitar"  y cantando en un nivel alto nervioso e inseguro, O'Hara suena como si estuviera recorriendo vacilante la melodía hasta que llega a la nota correcta; La rudeza de la interpretación se adapta perfectamente al material lírico, ya que son canciones de nostalgia suburbana, sueños medio recordados y ambiciones adolescentes, todas las locas pasiones y promesas de vida imaginadas por los jóvenes transformadas en estas canciones en melancólicas historias. 

No he escuchado este álbum durante casi diez años, pero aún recuerdo las interminables en las que escuchaba canciones como "You will be loved again" o "Keeping you in mind"; tal vez para eso es que Miss America es la banda sonora perfecta, para las noches que pasamos despiertos soñando; también sería un acompañamiento perfecto para un largo, largo viaje en solitario a través de un desierto y otros lugares perdidos.

Muchos dicen que O'Hara és el Cruyff de la música, grabó una obra maestra y nunca más se supo (a exepcion de una banda sonora creo que por 2001), la verdad és que aunque no grabe nunca más nos queda un trabajo soberbio y perdurable.

BRIGHTON 64 La banda de la casa de la bomba (Al.leluia, 2006)

 Extracto de entrevista a Brighton 64 en Ferbrero de 2022 para su 40 aniversario...

Brighton 64 sufrió su viacrucis discográfico: de Flor y Nata a Twins, y de ahí a EMI, lanzadera de ‘La casa de la bomba’. “Ahí tocamos el cielo, pero la discográfica no apostó nunca fuerte. Siempre hemos sido un grupo incómodo”, estima Albert Gil, recordando el día que se levantaron de una reunión en Madrid porque les propusieron un cambio de nombre. “Una semana después nos llamaron y seguimos adelante, porque Paco Trinidad vio claro que ‘La casa de la bomba’ iba a ser un ‘hit’”.

Canciones como ‘Barcelona blues’ (regrabada ahora con su letra original en catalán) o ‘En mi ciudad’ recuerdan el inequívoco anclaje condal de la banda en aquellos primeros 80 de “tierra de nadie”, recuerda Albert Gil. “Nosotros sabíamos que en Barcelona había mucha chicha, pero no trascendía como en Madrid, donde hicieron de la fiesta una manera de vida profesional”, observa. Quizá haber tenido que compaginar la música con otras actividades, como la enseñanza, ha ayudado a Brighton 64 a conservar la pureza. “De dedicarnos al 100% al grupo habríamos tenido que hacer muchas concesiones, y nosotros no hemos hecho ninguna”.

Brighton 64 dio paso, a finales de los 80, a Brigatones, sin tratar así de conservar a toda costa una marca que no volvería de forma estable hasta 2011. “Ahora hay grupos que duran tiempo, pero entonces las bandas nacían, se separaban y dejaban un bonito cadáver, de modo que eso es lo que nos correspondía hacer a nosotros”, explica el cantante Ricky Gil, fascinado por la “carrera meteórica” de The Chords, “que duraron solo dos años” y grabaron un álbum y ocho ‘singles’.

A aquella “energía juvenil urbana” siguen invocando en esta etapa madura de Brighton 64, asentada con la implicación de otro miembro histórico, el teclista Jordi Fontich, y de dos fichajes modernos, Eric Herrera (batería) y David Abadía (bajo). El batería original, Tino Peralbó, colgó las baquetas, pero su hijo Dan (que lidera una banda, Dan Peralbo, ganadora del último Sona9), aparece en el nuevo video de ‘La casa de la bomba’. La saga continúa.

THE OTHER TWO & you (Warner, 1993)

El álbum debut de Stephen Morris y Gillian Gilbert fuera de New Order fue visto como una especie de puesta al día con respecto a los trabajos debut de Electronic y Revenge. Pero los Other Two ya habían trabajado en una variedad de proyectos de antemano, sobre todo para varias bandas sonoras de películas y televisión.

Aquí lo más novedoso está en la voz de Gilbert , que rara vez se escucha en New Order : su canto suave y apasionado se adapta perfectamente al material, como en la hermosa "The greatest thing". El interés de Morris por las posibilidades de la percusión electrónica y acústica también se hace patente en los ritmos entrecortados de "Moving on", combinados con una parte de guitarra acústica rítmica para darle más impulso, y el retumbar lento y turbio de la breve "Night voice" son buenos contrastes con el impacto más nítido de canciones como el brillante sencillo "Tasty fish" e "Innocence". 

Más de una vez, The Other Two & You suena como un trabajo complementariode Republic de New Order , pero a diferencia de ese aquí el dramatismo funciona como un todo. Fué este el único disco que han editado hasta la fecha (con una sonada reedicion en 2010) por parte de LTM.