MARTIN STEPHENSON AND THE DAINTEES Salutation Road (KITCHENWARE, 1990)

La marca inglesa de folk rock de Martin Stephenson experimentó una especie de traducción cultural en Salutation Road. Para este álbum, viajó a los EE. UU. para trabajar con el productor y guitarrista de Los Ángeles, Pete Anderson, y el ingeniero Dusty Wakeman. En ese momento, Anderson y Wakeman eran más conocidos por su participación en el floreciente sonido de Bakersfield de la década de 1980, especialmente por su trabajo con Dwight Yoakam. La unión con estos estadounidenses junto con la participación de un grupo estelar de músicos de su círculo fue una propuesta deliciosa.

 Los dos primeros álbumes de Stephenson, Boat to Bolivia )1986) y Gladsome, Humor & Blue (1988) habían mostrado una gama estilística considerable; esa versatilidad no se ve disminuida aquí. Trabajando dentro de su lenguaje familiar de folk-rock, Stephenson incorpora la acústica simple "Morning time", números más jazzísticos "Heart of the City" e incluso una pizca de ritmos latinos "Long hard Road". Con su ritmo suave y tonos soleados, este último es el tema más destacado.

 Aunque la realización de Salutation Road llevó a Stephenson lejos de casa, no abandonó sus raíces en el noreste de Inglaterra. Esto es especialmente claro en términos temáticos, ya que Stephenson rinde homenaje a sus orígenes en Geordie en la canción principal con sus metales alegres y en "Big North lights", que se ve realzada por la cálida melodía del Hammond de Skip Edwards. "Left us to burn" da una mirada más politizada al noreste, denunciando la traición del gobierno de Thatcher a los mineros del carbón de la región en la década de 1980.

 En comparación con sus grabaciones anteriores, los extensos arreglos de Salutation Road ofrecen un escenario más grandioso para el talento de Stephenson como cantante y compositor. Sin embargo, algunos podrían argumentar que su personalidad está algo oscurecida aquí y que este álbum carece de la sencillez de su mejor trabajo, Boat to Bolivia
.

 

ANTONIO VEGA No me ire mañana (Polygram, 1991)

No Me Iré Mañana es la primera entrega en solitario de Antonio Vega. Tras la separación de Nacha Pop en 1988 rompe el silencio con este disco que pone de manifiesto quién portaba la magia creativa en el grupo. Un disco intenso de principio a fin, con una voz que transmite emociones con facilidad y unas guitarras privilegiadas. 

Abre “Háblame a los ojos”, un medio tiempo con una voz y unas guitarras que aportan la sensibilidad y la intensidad necesarias para darnos cuenta de que estamos ante algo grande. Una canción que Antonio definió como “una ácida autocrítica a mi invencible timidez”. “Esperando nada” és pop fresco y alegre, acercándose a los 80.

“Lo mejor de nuestra vida” trata sobre las rupturas, sobre las sensaciones que invaden nuestra mente cuando todo se termina, suaves despedidas entre potentes riffs de guitarra que ponen la electricidad a uno de los temas más rockeros del disco. “Tesoros” trae la calma, un sonido acústico envuelve la voz de Antonio que nos recuerda el valor de su archivo interior. “La última montaña” evoca sensaciones y sentimientos, poesía y naturaleza, recreando esos pensamientos que nos inundan cuando nos damos cuenta de lo pequeños que podemos llegar a ser.

 “Se dejaba llevar por ti”, una de sus cimas creativas. Atmósfera oscura y gris, las drogas en primer plano y una voz que trae la magia y la emoción consigo, Antonio comenta sobre ella que “es la sensación que tengo cuando no me ata nada”. “Mis dos amigos” está dedicada a su hermano Carlos Vega, autor de la música, y a su cuñada, Mercedes.

Cierra “No me iré mañana”, medio tiempo pausado con aires de denuncia sobre el abandono del planeta sin renunciar a la poesía, para poner el broche a un magnífico disco de debut, en el que no sobra ni falta nada. Sin duda este és uno de esos (pocos) discos que crecen con el tiempo, una maravilla al alcance de muy pocos.

BLACK BOX RECORDER England made me (Chrysalis, 1998)

Con la suave mezcla de guitarra acústica-eléctrica, los ritmos de batería metronómicos y las encantadoras voces de Sarah Nixey, England Made Me no parece un comentario sarcastico para nada, sino más bien  optimista, poco pop. Black Box Recorder critica duramente la vida en Inglaterra, la sosa y aburrida mundanidad de la vida diaria, así como el viejo mundo político, y su álbum debut toca temas que van desde el sexo adolescente y las madres solteras hasta la vida familiar represiva y el intercambio de esposas. Tales temas son aparentemente imposibles de tejer en la música pop escuchable, pero las canciones que los multi-instrumentistas Luke Haines y John Moore escriben están limpiamente estilizadas de una manera que oculta las vidas en bruto de sus personajes, pero también son reflejo de la internalización de tal realidad implacable. 

Las apariencias externas a menudo desmienten la realidad, el malestar persistente. Mientras que uno esperaría que una canción llamada "Girl singing in the wreckage" fuera malévola, es en cambio dulcemente afectiva, pero también reflexiva, haciendo que suene menos cínica consciente de la inconsistencia en la que existe. 

Black Box Recorder aparentemente se acercan a sus temas sin prejuicios; sin embargo, no rehuye el cinismo. Muchas de las canciones de England Made Me son, al menos líricamente, severas y desnudas reminiscencias de una existencia sin sangre. La canción del título es un lamento fúnebre, y canciones como "It’s only the end of the world" y "Hate Sunday" son canciones tristes y sombrías que son capaces de amargarte el dia.

CAFE TACVBA Re (wea, 1994)

Re, el segundo trabajo discográfico de Café Tacuba, álbum emblema de la agrupación mexicana, y uno de los discos claves en la historia del rock en español o rock latino. Es importante recalcar que la acogida que Café Tacuba tuvo gracias a su primer trabajo los llevó a salir de gira por varios lugares de México, lo cual les dio a sus integrantes una nueva visión de lo que era México, en aspectos sociales y artísticos, algo que se ve reflejado en Re.

Para este trabajo, se volvieron a juntar con Gustavo Santaolalla y Anibal Kerpel, personajes claves en la historia del rock en español, quienes habían trabajado en la producción de su primer disco. El resultado es un disco único, multisonoro y multitemático, un trabajo que muestra que un artista puede explorar diferentes atmosferas sin necesidad de estar atados a un género que los pueda llevar a la repetición y el cliché. 

El humor y la ironía sigue estando presente, como sucede en canciones como "La ingrata", uno de los grandes éxitos de este disco, o "El borrego" una canción que se mofa de la falta de identidad de algunos individuos. También están presentes los temas sociales y ecológicos como sucede en "Trópico de Cáncer" o en "La Negrita". Está la crítica a preferir lo extranjero que lo nacional como sucede en "El fin de la infancia", o la balada alegre a ritmo de banda mexicana como se plasma en "Las flores", o la visión de que todo se repite una y otra vez como se narra en "El ciclón".

Experimentos? El tándem que forman "Pez" y "Verde". Primero la balada de Joselo y Meme que es cantada por el tecladista y responsable de la caja de ritmos (como dato, Café Tacvba no usó baterista hasta el disco Cuatro caminos de 2003), que narra el tránsito de un pez hasta una bolsa para cambiar de velocidad y sumergirse en la introspectiva y oscura "Verde", como corresponde, bajo las leyes físicas y biológicas del agua.

THE NEW PORNOGRAPHERS Whiteout conditions (Concord, 2017)

 La ausencia de dos miembros originales como el batería Kurt Dahle y, especialmente, el compositor, vocalista y guitarrista Dan Bejar (Destroyer) en Whiteout Conditions podría haber hecho mella en el supergrupo New Pornographers. Afortunadamente, en este séptimo álbum hacen valer su condición y demuestran que la suma de talentos de AC Newman, Neko Case, Kathryn Calder, John Collins y demás se sirven para armar un disco notable a todos los niveles. El séptimo álbum de los canadienses va sobrado de buenas canciones, obviamente encabezadas por los singles "High ticket attractions" y ‘This is the world of theatre"  y mantiene la cara muy alta, a la par del último disco con Bejar, el también notable Brill Bruisers (2014).

Pero, como decíamos, van sobrados: desde la impetuosa apertura con "Play money" y "Whiteout conditions" hasta el vibrante –aunque levemente más tibio– cierre de "Clockwise" y "Avalanche Valley", pocos peros se pueden poner al power pop de "Darling shade" y "Colosseums", a la fantasía fleetwoodmac-iana de "We’ve been here before" o a los intrincados juegos vocales, marca de la casa, de "Second sleep". No hay sorpresas –tampoco lo es que algún corte, como "Juke", quede algo por debajo del nivel del resto del disco, suele ocurrir en casi todos sus discos– en Whiteout Conditions y, en el caso de New Pornographers, eso es una noticia fantástica. Y, teniendo en cuenta sus casi dos décadas de trabajo intachable, casi un milagro de la música contemporánea.

LLOYD COLE AND THE COMMOTIONS Mainstream ( Polydor, 1987)

 El tercer álbum de Lloyd Cole con The Commotions es un excelente conjunto de diez melodías melódicas, de combustión lenta, madura melancolía y anhelo. Cole siempre ha sido el músico escritores y este álbum, como la mayoría de los suyos, está lleno de alusiones literarias. Canciones como "My bag", "From the hip", "Big snake", "Sean Penn blues" y, sí, la majestuosa "Hey Rusty", me han acompañado durante décadas. Profundo, sí, ocasionalmente algo oscuro pero también hermoso en general, notablemente atemporal.

El sonido es más rico y mucho más variado que en sus 2 predecesores, aunque a menudo se asocia a Lloyd Cole con el rock clásico, es interesante saber que sus influencias también son más diversas que las obvias raíces de VU, T-Rex y Bowie clásico por las que obviamente está influenciado.

 Escúchalo una y otra vez y deja que se hunda en tu ser.

THE SMITHS The world won't listen (ROUGH TRADE, 1987)

Algunos discos de éxitos se vuelven tan famosos que mucha gente son los que prefiere. Y bueno, pues esa es la finalidad de una compilación, tener acceso directo a un resumen de lo mejor o más conocido. Es lo que le sucede a The World Won´t Listen, a 36 años de su estreno. La producción discográfica de The Smiths ya sabemos que no es muy prolífica en sí, su historia fue corta y tampoco fue música que circulara tan libremente como la de otros grupos más comerciales. Aunque solo era cuestión de buscar, como con el resto de la buena música. El nicho de admiración por este cuarteto británico es considerable y no se limita a la generación que los vio nacer, pues al día de hoy continúan generando adeptos.

El grupo grabó 4 discos de estudio, iniciando en 1984 y terminando en 1987. Y durante el mismo periodo, se dieron a conocer 3 recopilaciones de éxitos. Para muchos seguidores, estos son tan importantes como los de música inédita debido a la inclusión de algunas joyas, como los Lados B de sus sencillos. Fue 1987 un gran año para The Smiths y sus fans, pues no solo pudieron disfrutar de dos discos recopilación, sino también de su último disco , Strangeways, Here We Come.

El público británico fue el destinatario de The World Won´t Listen, que salió a la venta el 23 de febrero de 1987. Por su parte, el continente americano pudo disfrutar de otra recopilación, Louder Than Bombs, el 30 de marzo del mismo año. Sin embargo, el contenido entre uno y otro es distinto. Tanto Louder Than Bombs como The World Won´t Listen, contienen tracks que no se encuentran en el otro. Y otra historia era la de las versiones físicas. El disco de vinilo solía contener menos música que los cassettes, como sucede en The World, pues la versión en cinta incluía una canción más que el disco. Además, el orden entre uno y otro podía variar, debido a que el cassette debe equilibrar su contenido en ambos lados. Cuando el disco termina de tocar, simplemente se para; con el cassette, este sigue corriendo hasta que llega al final de la cinta, lo cual no era muy cómodo para el aficionado.

Destacar canciones és complicado por lo que yo me quedo con una exclusiva de este disco y que es una de mis preferidas de una banda a la que adoro, "Half a person".

GIANT SAND Is all over the map (Thrill Jockey, 2004)

 El título del disco nos lo narra "Esta todo en el mapa", lo que no nos dice, es que es lo que podemos encontrar en él, si la extensa carrera de Howe Gelb, o las directrices del sonido de una de las bandas más míticas de lo que se ha venido a denominar nuevo rock americano. Eso lo tenemos que descubrir escuchando It’s all over the map.  

 Un disco que si bien muestra una cara más desnuda y transparente de Giant Sand, es una clara referencia en su discografía. En el que además es palpable la presencia de John Parish en algunas de las composiciones. Para dar forma a un trabajo compuesto quince temas, donde este artesano mezcla de nuevo, el folk con el rock y el pop, en atmósferas cargadas de cinceladas añejas e incluso atreveríamos a decir que oscuras en según que casos que nos relatan encarnizadamente algunas de las escenas de la sociedad norteamericana.

Después de cuatro años desde la publicación de Chore Of Enchantment ( 2000), y más de diez discos a sus espaldas como Giant Sand, sin contar con sus proyectos en paralelo. La banda de Tucson, Arizona, volvió a la carga con este larga duración, donde retoman de nuevo su línea basada en el rock de raíces profundas y arraigadas a un sonido denso y carismático. Dando forma a temas como "Classico", donde el solo de guitarra acústica acoge básicamente el protagonismo, dejándose guiar por el camino que le va marcando la guitarra eléctrica y demás acompañamientos que la ensalzan hasta el clímax. "NYC of time", donde hace su aparición el piano, y donde claramente hayamos ese despedazamiento de melodías sueltas que hacen un todo emotivo, que nos cala hondo y golpea fuerte. Después encontramos temas tan guitarreros y enérgicos como "Anarchistic bolshevistic cowboy bundle" (guiño a los Sex Pistols), cargado de cierta ironía. O pasamos al lucimiento en las voces de Gelb en "Remote". Y encontramos una sorpresa en "Forçats innocents", donde además de cantar en francés, hace su aparición una mandolina.

Este trabajon és un combo de retratistas de los sonidos puros, añejos, claros y auténticos, una auténtica compilación de melodías que han sabido mantener
a lo largo de todo este tiempo.

VAN MORRISON Beautiful vision (Phonogram, 1982)

 Disco de los raros raros del gruñón de Belfast, podríamos decir que és uno de sus discos menores, de esos que a dia de hoy te encuentras facilmente en las cubetas de discos baratos y del que muy pocoa hoy en dia se acuerdan. Evidentemente tampoco ninguna de sus canciones suenan en sus conciertos.

Aun así para mi gusto tiene temas bastante repescables. La primera canción, "Celtic ray", hace referencia a la relación entre el músico y la antigua cultura celta y a su habilidad de transmitir mensajes a través de la Madre Irlanda. "Northern muse (Solid ground)" añade una temática similar. "Dweller on the Threshold" está acreditada a las enseñanzas religiosas de Bailey. "Beautiful vision" puede interpretarse como una visión del cielo o de su novia, quien también marca una influencia en "She gives me religion" y "Vanlose stairway" (que hace referencia a las escaleras del apartamento en el que ella vivía).

"Cleaning windows" relata el primer trabajo de Van Morrison y los últimos días de su adolescencia. La melodía es más optimista y queda adornada con una guitarra. Brian Hinton comentó que "Across the bridge where Angels dwell" trata literalmente sobre el puente que separaba el hogar de Morrison en Mill Valley, California, y el de su hija, Shana, que vivía con su madre. "Scandinavia" cierra el álbum como tema instrumental realizado por Van Morrison al piano y respaldado por Mark Isham en el sintetizador y por una batería que se asemeja al latido del corazón.

En 1982, John Milward, en Rolling Stone, tuvo una respuesta mixta para el álbum, del que comentó: «Es tan enfáticamente grande a medias, que si olvidas las cuatro canciones malas y no juzgas los instrumentales, la integridad secuencial y temática del disco se fortalecería». En 2007, Rolling Stone situó Beautiful Vision como el peor álbum de Morrison y lo situó en el puesto cuatro de la lista de los quince peores discos de grandes bandas.

THE XX (XL Recordings, 2009)

 Desde la acertadamente llamada "Intro", los xx te llevan a su mundo de melancolía, deseo y sueños y nunca te dejan ir. En el transcurso de los breves 38 minutos siguientes, se desprenden capas de reflexiones íntimas y cavilaciones nocturnas mientras los vocalistas principales Romy Madley Croft y Oliver Sims intercambian líneas y versos de una manera que presenta una narrativa intrigante de "él dijo, ella dijo" para cada uno. pista. Esta estructura de composición y entrega de canciones no se presenta como un truco, sino como una necesidad de expresión como si cada voz fuera silenciada sin el apoyo de la otra.

Con el apoyo de ritmos escasos y una producción minimalista dirigida por Jamie Smith (más tarde conocido como Jamie xx), el álbum ofrece destellos de dream pop en "Islands", "Night time" y "Crystalised". Pero en su mayor parte, el álbum se mueve en un ambiente serpenteante y tranquilo de consuelo que se muestra en temas como "VCR", "Infinity" y "Shelter".

El atractivo de xx está en su confianza. En lugar de irrumpir en la escena, tanto la banda como el álbum parecen estar contentos de emerger y revelarse lentamente, lo que hace que el proceso de escuchar el álbum en su totalidad sea aún más gratificante.

BOB DYLAN Time out of mind (COLUMBIA, 1997)

  El álbum, producido por Daniel Lanois, fue considerado por una amplia parte de la crítica musical como el «regreso artístico» de Dylan, tras el lanzamiento de varios trabajos de menor éxito y repercusión comercial  supuso además el primer trabajo con material nuevo en siete años, después de dos álbumes con canciones folk tradicionales, e incluyó en palabras de Stephen Erlewine un «sonido nebuloso y ominoso» debido al trabajo de Lanois, con quien el músico grabó anteriormente el gran Oh Mercy en 1989, y que «encaja con canciones densamente detalladas, amargas y dóciles, que Dylan interpreta con una angustia adecuada».

Lanois admitió posteriormente dificultades a la hora de trabajar con Dylan, a quien llegó a calificar de «hombre excéntrico». En una entrevista, comentó que ambos solían salir al aparcamiento para discutir sobre la grabación sin la banda. Según Lanois: «Elaboraba la discusión en la canción «Standing in the Doorway» y le comenté: «Escucha, me encanta «Sad eyed lady of the Lowlands», ¿podemos robar ese sentimiento para esta canción?». Él dijo: «¿Crees que podría funcionar?» Luego nos sentábamos  y solía pensar que si la gente viese aquello no se lo creería».

Time Out of Mind obtuvo además el reconocimiento de la industria musical al ganar tres Grammy en las categorías de mejor álbum del año y mejor álbum de folk contemporáneo, mientras que la canción «Cold irons bound» se alzó con el premio a la mejor interpretación vocal de rock masculina.Fue también votado como el mejor álbum del año en las encuestas Pazz & Jop de la revista Village Voice,
y situado en el puesto 408 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone.