lunes, 15 de marzo de 2021

VIC CHESNUTT North star deserter (Constellation, 2007)


 Si hay algo que le sobraba a Vic Chesnutt hasta la fecha era reconocimiento y prestigio (sobre todo en su país); sólo hay que acudir a la lista de ilustres que, de una u otra forma. han reconocido su legado (REM, Madonna, Smashing Pumpkins…) para darse cuenta de ello. Pues bien, lo que logró con este su disco póstumo el de Athens es que su figura se agigantara aún más en esa misma dirección. Y todo gracias a rodearse de forma efectiva y controlada de una plana mayor de perros verdes bajo el protector manto del sello canadiense Constellation. A Silver Mt Zion, Bruce Cewdon (GYBE!) y Guy Picciotto (Fugazi) son algunos de los nombres que han contribuido a dotar de texturas, arreglos de cámara, sonidos espectrales e intensidad ruidista las descarnadas y desnudas tonadas de la acústica de Chesnutt, cuya voz y lírica adquieren un matiz más profundo, oscuro y místico que nunca. Canciones como la estremecedora “Glossolalia”, la reveladora “You Are Never Alone”, la inquietante “Splendid” o la abrumadora “Debriefing” contribuyen a que este veterano cantautor reviente las costuras del folk de autor, empapándose del peligroso talento de los colaboradores de excepción que le han acompañado. Notrh star deserter fué un paso al frente en una de las carreras más sólidas, certeras e imprevisibles del universo indie.



sábado, 6 de marzo de 2021

ASH Free all angels (HOMEGROWN, 2001)


Supongo que nadie dudará que en “1977”, su primer álbum, encontramos algunos de los hits de la escena independiente de los últimos años, sólo hay que escuchar ‘Girl From Mars’. Y supongo que todo el mundo coincidirá, además, en que el segundo trabajo de los británicos -“Nuclear Sounds”- se ha quedado en un experimento fallido.

Así, llegamos a este tercer disco, “Free All Angels”, en el cual, afortunadamente, Ash vuelve a sus orígenes. Infinidad de calificativos han acompañado a este grupo, desde el punk-pop hasta el clásico pop-rock. Pero, para qué complicarnos, simplemente se trata de una banda de melodías frescas y en ocasiones pegadizas (que no equivale a vulgares), todo ello acompañado de una rabia juvenil.

Los trece temas que contiene “Free All Angels” no dejan a uno indiferente, se cuelan rápido en tu vida, pero tan rápido como suben a nuestro olimpo musical, también bajan, aunque uno siga reconociendo que está ante un puñado de buenas canciones y no ponga reparos en escucharlas tantas veces como haga falta.

La voz de Tim Wheeler conserva ese punto intermedio entre la energía que tenía en sus inicios (con 17 años) y la candidez con la que envuelve las canciones más emotivas. El álbum que nos ocupa es, entonces, una muestra equilibrada de brillantes canciones. Por un lado, nos ofrecen esos ‘muros’ construidos a base de guitarras poderosas y voz enérgica; por el otro, firman con gran nivel los ritmos más lentos y dulces, donde las guitarras dejan un mayor protagonismo a una melodía preciosista.

En el primer bloque, se encuandran títulos como “Burn Baby Burn” (arrolladora), “Cherry Bomb”, “Submission”, “Pacific Palisades”, “Shark” y “World Domination”, siendo estas dos últimas las referencias más claras de la vertiente agresiva del grupo. Estas canciones oscilan entre la rabia más pura de éstas últimas y el mayor gusto por una melodía, como las dos primeras

En cuanto al otro extremo, las muestras más emotivas, que se disfrazan de baladas en alguno de los casos, simplemente nombramos el resto de los temas. La elegancia de “Candy”, la brillante “Someday”, el estribillo pegadizo de “Sometimes” o la evocadora “There’s A Star”.

Las tres canciones que completan el álbum se situarían más bien en un punto intermedio. Ahí, nos encontramos el acertado primer single –“Shining Light”-, que alcanza un gran nivel pese a su sencillez. Y revestidos de melodía dulce, a la vez que con unas guitarras que destilan fuerza , también rescatamos las dos restantes: “Walking Barefoot” y “Nicole”.


viernes, 26 de febrero de 2021

NEIL DIAMOND 12 Songs (COLUMBIA, 2008)


 Siempre me ha gustado Neil Diamond pero más en canciones concretas que en trabajos enteros, siempre tiendo a creer que le falta un arranque final, una rabia que sí encuentro en gente como Paul Kelly o Peter Case, aunque he de reconocer que tiene canciones sublimes.

De este disco se encargó de su producción Rick Rubin con la idea quizás de repetir la jugada de Johnny Cash del que la verdad sea dicho le produjo un excelente trabajo. Sin llegar al nivel de Cash creo que este trabajo es magnífico, si no su mejor trabajo seguro que uno de los mejores.

Colabora gente como Mike Campbell a la guitarra, Billy Preston al órgano o el mismísimo Brian Wilson en la excelente "Delirius love". A destacar también "Save me a saturday night" con aires power pop, "Captain of a shipwreck" o la entusiasta "Hell yeah".

sábado, 20 de febrero de 2021

LOS FABULOSOS CADILLACS El leon (Sony, 1992)


No es casualidad que esté considerado dentro de los veinticinco mejores discos de la historia del rock argentino. El séptimo trabajo de estudio volvió a ubicar a los Cadillacs en la élite de la escena trasandina. Los encontró en una etapa de madurez y de creatividad que no atravesaban desde Yo te avisé (1987). El león significó superar ese déficit y reencarn

arse con la música, dar en el clavo con un estilo: el álbum combina todos los géneros que aborda el conjunto, acentuando los ritmos caribeños. Desde el cuarteto, pasando por la salsa, el reggae y, por supuesto, el ska, dan forma al que Vicentico considera el disco esencial de la agrupación. Y es que ofrece gran parte de los clásicos más importantes de Los Fabulosos Cadillacs: "Carnaval toda la vida", "Manuel Santillán, el león", "Siguiendo la luna", "El crucero del amor", "Arde Buenos Aires", el cover de Rubén Blades "Desapariciones", "Gallo Rojo" y "El aguijón".

jueves, 11 de febrero de 2021

MOJAVE 3 Ask me tomorrow (4AD, 1995)


 Ocho meses después de grabar el último (hasta el momento) disco de Slowdive Neil Halstead daba el pistoletazo de salida a su nueva banda Mojave 3 con Ask me tomorrow, las canciones las escribió mientras grababa el trabajo de Slowdive y estaban basadas más en el folk acústico (Nick Drake, Gram Parsons, Leonard Cohen...) que en la electrónica y el shoegazing.

Muchas de sus canciones parecen homenajes a totems del género, Leonard Cohen en "Where is the love", Tim Bucley en "Candle song 3", Neil Young en "Sarah" o Nick Drake en "You're beautiful", pero en las que se nota un estilo más propio también hay auténticos pelotazos como la hermosa "Pictures", la tranquila "Love songs on the radio", la agridulce "Tomorrow's taken" o la majestuosa "Mercy".

Este és un disco delicioso, calmado y muy bello, muuuy recomendable y para mí el mejor de Mojave 3 sin duda alguna.

jueves, 4 de febrero de 2021

ANYWHEN The opiates (Clearspot, 2001)


 The Opiates comienza de forma bestial con la voz de barítono de Thomas Feiner y una orquestación de ensueño en "The siren songs". Este disco fascina por su belleza, que nos recuerda a Japan, a Tindersticks o al mismísimo Nick Cave y que a punto estuvo del desastre ya que el grupo se disolvió mientras elaboraban el disco, y este fué después de sus dos anteriores, su epitafio.

En el disco vemos también guiños a Scott Walker en "Dinah and the beautiful blue", baladas atmosféricas como "Mesmerene" o alucinadas como "Postcard".

Este es un disco hermoso del que el propia David Sylvian recordaría años después de su edición que se trata de un clásico perdido ya que se editó en muy pocos paises (Anywhen eran daneses), estas fueron las palabras textuales de Sylvian..."La naturaleza oscura, rumiante, romántica de la obra y particularmente la gravedad emocional de la voz de Thomas me cogieron por sorpresa ya que estaban bastante alejadas de mis hábitos de escucha en aquella época, pero no pude evitar sumergirme en estos paisajes sonoros de pantalla ancha, rebosantes de colores".

jueves, 28 de enero de 2021

DEPECHE MODE Black celebration (Tonpress, 1986)


Era una época intensa y creativa para la banda liderada por Martin L. Gore. Apenas habían lanzado 
Some Great Reward (1984) y ya tenían People are People (1984), flamante recopilación que pretendía penetrar el mercado de Estados Unidos. De hecho Depeche Mode apuntaba con toda su artillería para la conquista del mercado global.

Black Celebration efectivamente sabe a madurez. La banda dejaba los ritmos synth pop estilo OMD de sus años de Speak & Spell (1981), para abrazar la oscuridad. “A question of time” es una provocación moderna para las quinceañeras de ese momento, seducidas por la fina perversión de su letra, y el gris maravilloso del video dirigido por el maestro Anton Corbijn. Esta fue la primera vez que trabajarían juntos.

Cada track en el álbum estaba pensado para convertirse en parte de la construcción de un todo. Sumergido en una intensa negrura tenemos “A question of lust” con su coro delicado y suave, penetrante como las frases usadas en el bondage de los juegos del amo y el maestro; del pasivo y activo.

“Stripped” era el orgullo del álbum. El track más trabajado, la propuesta para conquistar las listas de popularidad y dejar en claro que el trabajo de Depeche Mode no estaba improvisado. Sin embargo el track, a pesar de llegar al No. 15 en las listas del Reino Unido, fue considerado por la banda como un fracaso. En Estados Unidos ni siquiera fue lanzado como sencillo sino como la cara B de “But not tonight”, que ni siquiera ingresó al Hot 100 de Billboard.

Grabado en los estudios Westway, Black Celebration se convirtió para Depeche Mode en un obsesivo trabajo basado en el principio herzogniano de “vivir el arte”. Tras cuatro meses de encierro consensuado, se convirtió en una horrible experiencia claustrofóbica que se puede sentir en tracks muy elaborados como la fúnebre “Fly in the Windscreen”, o en los loopeados coros casi infinitos de “It Doesn’t Matter Two”.

Número cuatro en las listas británicas, Black Celebration es considerado un disco de culto dentro de la rica discografía en la carrera de la banda. 


Es su álbum más oscuro, marca el final de su inocencia y representa su entrada al círculo de las grandes estrellas de su generación. Depeche Mode estaba listo para conquistar el mundo y ser una de las expresiones principales de su tiempo.


viernes, 22 de enero de 2021

GOMEZ Liquid skin (Hut, 1999)


 Ni de lejos causó el impacto de su primer trabajo Bring It On grabado un año antes por esta banda británica de nombre de apellido español. aunque su virtudes fueran similares e incluso en algunos momentos mayores.

A medio camino entre el brit pop y la americana  la primera diferencia que encontramos con su predecesor es su sonido mucho más limpio y profesional y sus canciones resultam muuuucho más elaboradas incluso a veces y a mi gusto demasiado.

A destacar....pues "Hangover" que empieza por todo lo alto, "Rhythm & Blues Alibi" que és un chute de rock, "Bring it on" que fue su primer single y mi preferida "Revolutionary kind".

miércoles, 13 de enero de 2021

THE ANTLERS In the attic of the universe (Fall Records, 2007)


 Segundo lanzamiento de esta fantástica y desasosegante banda neoyorquina, y segundo tratado de mal rollo. Es un disco corto de 8 temas y 3 de ellos instrumentales.

"In the attic" tiene da la sensación de ser un tema mal grbado de aquellos en casette entre otras cosas por la voz en falsete de Peter Silberman, "On the roof" suena como unos Sigur Ros menos grandilocuentes y "In the snow" me recuerda a Antony And The Johnsons con las guitarras más reverberantes.

En definitiva un album a colocar al lado de los de Deerhunter, Grizzly Bear o Smog, disfrutable si te gustan las atmósferas densas y las letras de aquellas que te hacen pensar.

sábado, 9 de enero de 2021

AMERICAN MUSIC CLUB Mercury (Virgin, 1993)

 Cuando escuché este álbum por primera vez, realmente no lo entendí hasta que llegué a su mejor cancion, la brutal "Apology for an accident". La voz de Mark Eitzel se desgarró por la emoción. Son análogos a los primeros trabajos de Tom Waits, alcohólicos y desesperados, 
con esos momentos de claridad aguda y aterradora.
El poder real de este trabajo está en temas como "I've been A mess", con una melodía envuelta en sonido solitario de la voz de Eitzel, o el desgarrador autoexamen de Eitzel, "Johnny Mathis' feet". 
Mercury es un gran álbum, el sonido es maravilloso, es seco  pero está repleto de textura y dinámica, pequeños detalles que hacen las canciones más aterradoras. Las guitarras están constantemente presentes, pero la mitad del tiempo no te darías cuenta de que están allí: están en el fondo haciendo sonido., agregando capas de sonido para soportar lo que sea que esté pasando. Las canciones son geniales, así de simple. Las cosas que sonaban bien a la primera suenan incluso mejor cuando aprendes sus pequeñas complejidades , las cosas que sonaban un poco fuera de lugar se convierten en g

randes y necesarias.

sábado, 2 de enero de 2021

JAMES YORKSTON AND THE ATHLETES Moving up country (Domino, 2002)


 Para acabar el año un disco crepuscular, de aquellos de quedarse en casa y disfrutar de ambientes frios y a la vez acogedores. Este fué su primer disco y la producción corrió a cargo nada más y nada menos que de Simon Raymonde (Cocteau Twins).

Como referencias podemos encontrar a Nick Drake, Bonnie Prince Billy, Martin Stephenson o American Music Club aunque el tema de las letras sea mucho más prosaico y mundanal que en las de estos.

Temas a destacar..."In your hands" con la colaboración de U.N.P.O.C., "St. Patrick" que parece sacado directamente del Boat To Bolivia de Stephenson, "Sweet Jesus" mucho más trotona y  "Moving up country, roaring the gospel" y su inolvidable melodía.

Aunque no sea un disco de aquellos trascendentales en mi discografía la verdad es que este trabajo és muy ameno y a ratos bastante disfrutable.

MOJAVE 3 Puzzles like you (4AD, 2006)

 Un fan de Mojave 3 de toda la vida se ha acostumbrado a ciertas cosas de los álbumes de la banda: voces relajadas, baladas etéreas, textura...