THE DREAM SYNDICATE The days of wine and roses (Slash, 1982)

 Cuando grabaron su álbum de debut The Days of Wine and Roses, The Dream Syndicate ni siquiera llevaban un año juntos. Entraron al estudio menos de un mes después de formarse y escaparon con un EP ruidoso que documentó su sonido inicial y desigual. Ahora tenían un acuerdo con un sello discográfico y un productor que conocía bien la mesa de mezclas y estaba listo para hacer un LP que ayudaría a definir una era y perdurar como uno de los álbumes más importantes del rock americano.

 Mezclando el sonido de Crazy Horse en su lado más sóbrio, la energía apenas domada de Velvet Underground en su momento más salvaje y la mirada abrasiva de Dylan en su mejor momento, la banda desató un sonido impulsado por la juventud, la confianza y un deseo insaciable. para hacer el tipo de disco que querían escuchar pero que nadie más estaba haciendo. Agregue a esta embriagadora mezcla las acrobacias a la guitarra de Steve Wynn y Karl Precoda , la sección rítmica constante de la bajista Kendra Smith y el baterista Dennis Duck, unas voces desquiciadas y la banda tenía todo lo que necesitaban para llevar este disco al reino de la brillantez. 

Grabadas principalmente en vivo y con auriculares rotos que obligaron a los guitarristas a adivinar qué estaba haciendo el otro, rockean en temas como "Definitely clean", suenan espeluznantemente y luego explotan cual cristales rotos en "That's what she always says", se pavonean como un borracho en "Until lately", y en "The days of wine and roses" muestran una especie de improvisación psicodélica atrevida y sin ataduras que haría que Quicksilver Messenger Service se pusieran verdes de envidia. Agregue una canción pop malhumorada y sobrecargada "Tell me when it's over", otra escalofriante con un solo de guitarra maravilloso "Halloween", una balada desgarradora cantada dulcemente por Smith("Too little, too late", y encuentras la perfección. 

Todo funciona, desde las letras duras de Wynn hasta el tono de guitarra fangoso de Precoda. Sin duda este és uno de los mejores (si no el mejor) discos de aquel lejano movimiento que se llamó Nuevo Rock Americano.

THE BRIDGE A tribute to Neil Young (Caroline, 1989)

Si los álbumes tributo a artistas son un bien común hoy en día, no lo era en los años 80; aunque Young era elegible para ser uno de los primeros, no solo por la universalidad de su música sino también por su personalidad descomunal, que sumada a los conocidos problemas que tenía con sus hijos discapacitados, contribuyó a este álbum. estar “dedicado a niños con discapacidades físicas en todas partes”. 

Se inicia con la energética “Barstool Blues” de Soul Asylum, al igual que “After the Goldrush” con Flaming Lips, con una mezcla la Velvet y los furiosos Stooges,   Loop y sus guitarras penetrantes y difusas en un contundente “Cinnamon girl” que sufre con una interpretación vocal tibia, y J. Mascis apretando y torturando su guitarra mientras grita y aúlla por el asesinato perpetrado en  “Lotta love” por parte de Dinosaur Jr. Pixies construyeron una pista instrumental convincente para “Winterlong”, pero la parte vocal es ridículamente pop e infantil, mientras que la lectura frenética, luego caótica, de “ Computer Age” de Sonic Youth, es bastante convincente.

Nick Cave parece incómodamente cómodo cantando un tierno “Helpless”, llevado por una sedosa ola de órgano y guitarra slide, Victoria Williams dirige con su voz nasal un inquietante “Don' t let it bring me down”, respaldada por exuberantes armonías vocales, “The needle and the damage done” arreglado para piano acústico y doble armonía vocal femenina/masculina, encadenado a una intensa lectura de “Tonight's' the night”, con tambores tribales y Kaiser abrasando su guitarra es un Medley inteligente que termina el álbum con una nota bastante alta.

FOALS Antidotes (SUB POP, 2007)

Foals és uno de esos grupos megapromocionados que suelen salir al mercado con dos singles buenos y un disco con excesivo relleno. Además, suelen estar condenados a sacar un segundo álbum más regulero todavía. En el caso de Foals su single "Cassius", aun con bastante gancho, ni siquiera es gran cosa, así que poco podía esperarse del artefacto.

Sin embargo, no sé si por falta de expectativas lo que vas encontrando en el álbum te va gustando. Y al final vas dándote cuenta de que no es tan malo, que de hecho es mucho mejor que el single y que además vas entendiendo por qué el grupo odia ser visto como la «nueva sensación indie» y promete que para su segundo disco cambiará radicalmente de sonido.

Y si escuchas Antidotes te darás cuenta de que Foals se han superado. La atmósfera que van creando progresivamente en "Big Big Love" es tan envolvente casi como la del éxito homónimo de Fleetwood Mac. Incluso habiendo renunciado a incluir en el álbum algunos de sus temas más conocidos, como "Mathletics", el grueso resulta firme y sólido, amparado en la desestructura de las canciones, el sonido acuoso de las guitarras, la fuerza de las baterías y los coros, influidas también por el dichoso math rock y el dichoso afrobeat, y lo nebuloso de las letras, a menudo de lo más misterioso y abstracto, como en la excelente "Electric Bloom". Y la verdad es que prefiero un buen disco en conjunto a un buen puñado de singles como por ejemplo
el de los Klaxons.

DE DIEGO Vive con pasión (wea, 1988)

 Dos trabajos acompañan la historia musical de Fernando De Diego. El primero fue 'Chico" (1986) y dos años mas tarde editaría su segundo disco, Vive Con Pasión que contenía los temas "Roma no paga", "Estrellas como tu", "Mi pequeña Edith", "Sospecho", '"Sexto sentido", "Vive con pasion","'Los ultimos romanticos", "Bajo el volcan" y "El jefe de la banda es el que manda"

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Muchas influencias de Springsteen, Jackson Browne, Tom Petty, etc. pero por desgracia con muy poca repercusión y adoleciendo de lo de casi siempre en aquella época, una producción para mí lamentable.

 En 2014, De Diego vuelve a la vida muscial con un nuevo disco, Fuera de la ley, de la mano de Josu García a la guitarra (Más Birras, La Tercer República, Amaral, Tequila o Loquillo) y con Barry Sage (Rolling Stones, David Bowie o Elton John entre tantos) como productor, con la misma (o peor) suerte de siempre.

LA PORTUARIA Huija (EMI, 1995)

Huija, como gritaba Patoruzu. El disco que viene después de la consagración. A veces la obra que mejor termina pintando la grandeza de un artista. O de una banda, o de un carpintero. Esa obra que presentás cuando ya todos se pusieron de acuerdo en colgarte una cocarda, el galardón tan preciado pero que te sube la vara hasta donde puedas llegar. Momento clave si los hay. Los Stones llegaron al cenit con “Sticky Fingers” en el 71, la tapa de Andy Warhol, canciones como “Jumpin’ Jack Flash” o “Sister morphine”, superando la muerte de Brian Jones, y salen un par de años después con el inmenso “Exile on Main Street”. Los Beatles mismos dejaron de lado cualquier discusión que pudiera generarse, si es que alguien se atrevía, con el White Album, el bíblico doble álbum de tapa blanca para después hacer nada menos que “Abbey Road”. Es que como bien decía Oscar Wilde, “cualquier estúpido se recupera de un fracaso, pero solo los genios se recuperan de un éxito”.

La Portuaria ya tenía unos cuantos discos, pero el éxito de Devorador De Corazones (1993) se hubiese llevado puesto a cualquier grupo sin solidez en sus bases y sus principios. Entonces llega “Huija”, quizás su disco mas maduro, y esto lo compruebo en la radio cada vez que pincho una canción de ese álbum, el que mejor ha soportado el paso del tiempo. Está lleno de éxitos de diferentes calibres, “Ruta” fue una de las canciones mas difundidas en las radios durante ese año, “La Diablada” fue la música de fondo de muchas noches en El Dorado o la Nave Jungla, “10 segundos” fue la elegida por David Byrne para ser editada por su sello de distribución mundial, pero desde lo personal la canción que más me rompió los esquemas era “Donde hubo fuego”.

Mi amigo Diego bien lo sabe, y me cuenta al respecto mientras tratamos de recomponer la agitada circunstancia social en que surgió ese tema: ”Donde hubo fuego es una de las canciones que mas orgulloso me pone como compositor, fudamentalmente como autor de letras. Aunque en La Portuaria todos los temas son de autorías compartidas. Surgió en una serie de ensayos e improvisaciones que buscaban ser el núcleo de alguna nueva canción. Creábamos entre varios, había un entretejido rítmico alucinante entre el bajo de Christian Baso y mi guitarra, entonces en medio de ese groove tan propio de mediados de los 90´s fuimos armando las partes como si fueran distintos paisajes que vas viendo en un viaje en tren. Hay una especie de ritmo continuo, muy del Trip Hop también muy propio de la época. Pasó que después de Devorador de corazones hubo una inversión muy grande de dinero de EMI, así que parte de ese dinero lo usamos para meternos a experimentar muchos meses en salas de ensayo, que era nuestra forma de componer. Mas allá de que Christian o Sebastián Schachtel, el tecladista, llevaran alguna matriz sobre la que trabajar. Terminé llevándome un cassette con varias bases de estos prototemas a mi lugar en Cabo Polonio. Durante un mes estuve solo en una cabaña allí trabajando las melodías o las letras sobre ese casette. La letra de Donde hubo fuego salió de un tirón...”

(Articulo extraido del crítico de rock argentino Bobby Flores el 22/05/22 en Infobae).

THE POGUES If i should fall from grace with God (Warner, 1988)

 En mi opinión, este es el mejor álbum de los Pogues y siento que es mi deber reseñarlo. Para aquellos que no están familiarizados con los Pogues diria que no eran los más punk que existían, pero tocaban buena música irlandesa con la misma energía que otras bandas de punk de los 70 y 80. No hay ni una canción mala en este lanzamiento. "Fairytale of New York" es una gran canción, con la fallecida Kirsty MacColl en la voz. En "Turkish song of the damned" el cantante Shane MacGowan asume el papel de un marinero que tiene una deuda con los muertos. La canción principal es una de las canciones de Pogues más conocidas de todos los tiempos.

Mis dos temas favoritos del álbum son "Thousands are Sailing" y "Streets of Sorrow/Birmingham Six". La primera es una historia de inmigrantes irlandeses en Estados Unidos. "Streets of Sorrow/Birmingham Six" son en realidad dos canciones. La primera es una inquietante balada de minuto y medio cantada por Spider Stac,.cuando la voz de Stacy se desvanece, toda la banda entra en acción y MacGowan comienza a cantar sobre las injurias que el imperio británico les hizo a los irlandeses. Este es McGowan en su mejor momento: borracho (probablemente) y enojado.

Este álbum es uno de esos en los que puedes escucharlo completo y sólo saltarte un par de pistas. "South Australia" y "Medley" muestran el talento de la banda para adaptar los estándares irlandeses, y "Lullaby of London" y Broad Majestic Shannon son dos baladas que cierran con fuerza el álbum. Para los fanáticos folk-punk como Billy Bragg y Stiff Little Fingers, si aún no lo tienen, consíganlo. Si estás buscando adentrarte en los Pogues, en mi opinión, este álbum es el mejor lugar para comenzar. 

THE ANTI-NOWHERE LEAGUE The perfect crime (GWR, 1987)

 Tengo que decir que The Perfect Crime está entre mis álbumes favoritos de todos los tiempos. Este grupo de punks bocazas decidió probar suerte en la nueva ola post-punk/new wave y se  trajeron consigo un poco de su actitud, humor y rock 'n' roll. Sin embargo, la mayoría de las canciones aquí abordan temas serios como el genocidio, las armas nucleares, la opresión y la industrialización. La música suena como un cruce entre Depeche Mode y Rammstein, y hace un uso intensivo de coros y sintetizadores. El ambiente del álbum es a veces apocalíptico y optimista, equilibrando la melancolía con una sensación de esperanza.

La mejor canción del álbum tiene que ser el rock pegadizo de "Working for the Company". Tiene un ritmo fuerte que imita el sonido que esperarías de la fábrica descrita en la letra. El tema antiautoridad de la canción la convierte en lo más parecido al punk del álbum, por lo que probablemente sea un buen punto de partida para los fans que no están seguros de si les gustará la música. En el extremo opuesto del espectro, "The curtain" es un tema de cierre escalofriante con letras mínimas repetidas una y otra vez por el coro. "I don't belive (This is my England)" también es una épica canción que la petamos en finales de guateques ochenteros.

La banda declaró que se dieron por vencidos y lanzaron el álbum sin terminar, pero no creo que se note. Me gusta mucho todo el material de Anti-Nowhere League pero resulta que este es el que más me gusta.

MATT PIUCCI Hellenes (Inbetween Records, 2000)

 Matt Piucci fue uno de los guitarristas y cantantes de Rain Parade, una de las mejores bandas de Los Ángeles que se identificó con el resurgimiento psicodélico de principios de los 80, miembros honoríficos del llamado Paisley Underground y que también dio origen a Mazzy Star. También es miembro ocasional de Crazy Horse de Neil Young. En este trabajo todos estos sonidos y más se unen bajo la dirección de Piucci.

"Spectacular dive" tiene voces espeluznantes y fantasmales y una melodía que recuerda las partes más melodiosas de "Wish you were here" de Pink Floyd cruzadas con algunas de las ardientes y espaciales improvisaciones de guitarra de Neil Young, pero Piucci aporta un ligero sentido de dinámica que le da a sus canciones un poder de permanencia real. Aquí hay una saludable variedad de estados de ánimo, con un humor irónico inesperado. La acústica, inquietante y triste "I didn't mean to make you cry" recuerda las baladas solistas de Syd Barrett, mientras que "Love is mine" es un atronador rock al estilo Byrds/Tom Petty, y el resonante y humorístico "T. Rex" es un tributo surrealista pero afectuoso tanto a la banda como al dinosaurio. Las guitarras brillan, tintinean y arden intensamente en todas partes (Piucci toca con un propósito tenso y férreo) y la producción es exuberante.

Aunque a años luz para mí del disco que sacó en solitario con Tim Lee (Windbreakers) en 1986 Can Get Lost When You're Goin' Nowhere, que es un disco a descubrir, este también es bastante aprovechable.

SINEAD O'CONNOR I do not want what i haven't got (Ensign, 1990)

 El disco se abre con "Feel so different", pieza que eleva una plegaria con el sonido de un violín que no para de lacerar durante toda la pieza. La voz, doliente, incluso abatida, mantiene siempre el arrojo. Un poema anónimo gaélico del siglo XVIII¹ es la letra de la segunda canción, "I am stretched on your grave", muestra el duelo del amor perdido por siempre. La protesta política marcha con la bandera en alto y el racismo es denunciado en "Black boys on Mopeds", la letra declara e imputa a Margaret Thatcher un cinismo e hipocresía propio de políticos.

La porción comercial del disco la conformaron sus cuatro sencillos. En el primero, "Jump in the river", Sinéad O'Connor despliega algunas destrezas al encargarse de letra, guitarra, teclados y de la programación de la batería. El segundo sencillo enmudeció al mundo, "Nothing compares 2 u", piadosamente entonado, recorre aflicciones sin remedio. En "The Emperor's new clothes", la música sacude con la guitarra de Marco Pirroni, ex integrante de The Banshees y de Adam and the Ants, con el bajo de Andy Rourke, mientras que, en la batería, quien fuera su esposo, John Reynolds, dispersó ritmo a esta pieza. "Three babies", el cuarto sencillo, evoca sufrimientos maternales, una alegoría a sus tres abortos sufridos. 

Este su segundo trabajo merece por lo menos una segunda oprtunidad, sobretodo ahora que sabemos que no habrá ya más oportunidades.

DEPECHE MODE Music for the masses (Sire, 1987)

 Music for the Masses fue el disco con el cual Martin Gore, Dave Gahan, Andy Fletcher y Alan Wilder, finalmente penetraron el mercado norteamericano, aunque paradójicamente el título fue concebido porque pensaban que el contenido era cualquier cosa menos música para las masas. La portada diseñada por Martyn Atkins, con tres megáfonos que fueron los símbolos de todo lo que tuvo que ver con ese período, representa justamente la comunicación de poco alcance que en un desierto sin gente puede propagarse mejor.

 El sexto álbum de estudio de los ingleses golpea a la perfección con su increíble “Never let me down again”, “Strangelove” fue el tema que escogió la banda para promocionar el disco. “Little 15” es una de las mejores expresiones del minimalismo que desarrolló la obra de Wilder para adornar las letras de Gore, "Behind the wheel" és una de mis canciones preferidas de la banda con ese videoclip inolvidable y "The things you said" tiene esos toques tan caracteristicos a lo Killing Joke o The Sound que la hace irresistible.

 Puede no estar entre los discos más populares de Depeche Mode, pero es uno de sus capítulos más atractivos precisamente por su afán (exitoso) de romper con su época, sin duda es mi favorito.

FANGORIA Naturaleza muerta (Subterfuge, 2001)

 Fangoria consigue su primer número 1 en 40 Principales y su primer disco de oro, no gracias a Carlos Jean, ni a Mario Vaquerizo, sino gracias a un tema bakala cuyo estribillo dice «No sé qué me das que me hace volar, no sé qué me das que me hace volar, no sé qué me das que me hace volar, no sé qué me das que me hace volar». Aparte de este single incontestable, destacan los otros 3, todos, incluido ‘No sé qué me das’, de Lucho Prosper: la soul-disco  ‘Eternamente inocente’, el definitivo punto medio entre amor y religión ‘Más que una bendición’ o el nuevo himno agridulce, ‘Hombres’. 

Para mi gusto junto con Arquitectura efímera (2004) son los mejores trabajos de un duo del que por desgracia y a dia de hoy poco espero ya de ellos, quizás harian bien en una nueva reinvención parecida a la de Dinarama.

Decir también que las ventas del álbum alcanzaron
el disco de oro, coincidiendo lamentablemente con la muerte de Carlos Berlanga.