OMD Dazzle ships (Virgin, 1983)

 La brillante racha de sencillos de primera categoría y el dominio de las listas de éxitos de OMD se detuvieron de forma temporal pero dramática con Dazzle Ships, el punto en el que la expansión de los límites de la banda alcanzó su límite más lejano. Sin embargo, McCluskey , Humphreys y compañía no pudieron llevarse a muchos oyentes con ellos, y no es de extrañar, por qué Dazzle Ships es pop fragmentado, un álbum conceptual lanzado en una era que eso ya no se llevaba. 

Sin embargo, por sus propios méritos, es deslumbrante, un Kid A de su tiempo que nunca recibió un nivel alto de atención y apreciación. De hecho, la propia inmersión de Radiohead en la electrónica abstracta y las meditaciones sobre los avances biológicos y tecnológicos parece hacerse eco de los temas y la construcción de Dazzle Ships. ¿Qué más se puede decir al escuchar el sencillo principal del álbum, la imponente "Genetic Engineering", con sus voces de juguete y una secuencia inicial que parece la inspiración para "Fitter, happier", por ejemplo? Sigue siendo un misterio por qué no fue un éxito, pero este sencillo, junto con las igualmente disfrutables y enérgicas "Telegraph" y "Radio waves", son sin duda los momentos más pop del álbum. 

Concebido en torno a visiones de la críptica tensión de la Guerra Fría, el auge de las computadoras en la vida cotidiana y puntos de referencia europeos y globales (grabaciones de zonas horarias y fragmentos de transmisiones de onda corta), Dazzle Ships supera a Kraftwerk en su propio juego, la ciencia y el futuro convertidos en canciones sorprendentemente cálidas y evocadoras o fragmentos instrumentales con arranques y paradas repentinos. "Dazzle ships (Partes II, III y VII)" captura a la perfección la sensación alienígena del álbum, con sus ruidos distantes y resonantes y sus ritmos curiosos, que se deslizan hacia la encantadora "The romance of the telescope". "This is Helena" funciona en todo, desde lo que suena como arreglos de cuerdas muy tratados hasta samples de locutores de radio, mientras que "Silent running" se convierte en otra en la línea de baladas OMD emotivas e impresionantes, donde la voz de McCluskey es la pieza central
.

TARIK Y LA FABRICA DE COLORES Sequentialee (Mushroom Pillow, 2005)

 Extracto de Juan Jose Santos para La Fonoteca a proposito de la carrera del cordobes Tarik y su Fabrica De Colores...

Tras otros ocho espectrales años, Álvaro Muñoz, el hombre que siempre regresa (porque siempre desaparece) vuelve en el 2005. Reaparece de la mano de Mushroom Pillow con un trabajo titulado «Sequentialee» (Musroom Pillow, 2005). De nuevo, la ruptura musical con respecto a su anterior entrega es absoluta. Producido por Pedro Cantudo, «Sequentialee» es un compendio de temas de pop y rock clásico cercano al sonido de los pioneros de los 60 ingleses, a The Kinks, Neil Young, junto con otras referencias más ruidosas, The Jesus and Mary Chain o Suede. Es, sin duda, un disco redondo y uno de los mejores grabados en España en el 2005. Unas composiciones y una producción muy cuidada, una gran diversidad estilística sin restar coherencia al conjunto, y una serie de temas muy bien acabados, como “Porque hoy es domingo” o “Vengan los amantes”. Un disco que pilló de sorpresa tanto a público como a crítica, y, por ello, no recibió la cobertura mediática merecida.

Algunos encuentran un paralelismo con el caso Deluxe. Ambos son de la misma compañía, cantan en inglés y en español, y comparten ciertas referencias. A partir de aquí, las semejanzas se desvanecen. Sección curiosidades: a Álvaro Muñoz le han apodado El Bowie español. Un parecido razonable en el timbre de voz en algunas composiciones tienen la culpa. Otra anécdota que puede provocar ciertas goteras entre el público femenino (o masculino): es un gran aficionado a la pintura artística, que practica con buena mano.

No existen trayectorias parecidas en la producción hispana. Un grupo que ha publicado tres discos, totalmente diferentes entre sí, y que ha tocado diversos palos (desde el más metalero hasta el más pop) con éxito. Esta intermitencia creadora es gráficamente explicada por Muñoz en una entrevista publicada en Ultrasónica: “Cuando hice el primer trabajo todavía no existía el CD, al menos con fines comerciales. Cuando hice el segundo todavía no existía el mp3. Que nadie se lleve las manos a la cabeza cuando oye que yo hago un disco cada ocho años. No es que yo sea lento: ¡Es que el mundo va demasiado deprisa!”.

TARANTULA Esperando a Ramon (Producciones Doradas, 2006)

 Crítica del disco extraida del blog valordeley allá por 2000...

Esperando a Ramón fue el primer disco de Tarántula. Uno de los discos en castellano de ese año. En concierto dicen que son todavía mejores. Acaban de sacar su segundo, Humildad trascendental, diferente en lo musical, más calmado, pero con las mismas o mejores letras repletas de absurdos. "El mítico culo" quizá sea la canción del año. Pero tampoco se quedan atrás "Total por una noche", "La oreja", "Condes de Barcelona" (una crítica con humor a esa Barcelona que llaman muladar de artistas), "El vals de las mariposas" o "Zum zum".

Tarántula y su miembro Joe Crepúsculo en solitario se han convertido en un par de años como Lidia Damunt, Los Punsetes o su miembro Antonna en grupos abanderados de la modernidad (que a veces significa una vuelta a los ochenta) pero que a veces uno piensa que son únicamente una broma. Pero, con canciones como éstas, a quién le importa que se estén riendo de nosotros.

THE TWILIGHT SINGERS She loves you (One little indian, 2004)

  Greg Dulli siempre ha sido un intérprete con la mirada perdida, con los susurros de las canciones de otros filtrándose entre las suyas como fantasmas en un cementerio. Sin embargo, She Loves You es su primer álbum de versiones propiamente dicho, interpretado con la ayuda de su banda The Twilight Singers. Las canciones que aparecen aquí suelen aparecer en las giras del grupo aunque conservan la forma original. 

She Loves You abre con las voces de tres mujeres. Dulli aborda "Feeling of gaze" de Hope Sandoval , "Too tough to die" de Martina Topley-Bird y, especialmente, "Hyperballad" de Björk con la misma intensidad mesurada, casi sensual. Es música hecha de sábanas de seda negra. Suena absolutamente torturado en "Strange fruit"; con Mark Lanegan gruñendo con severidad por el otro altavoz, la canción se convierte en una borrachera desgarradora de carne quemada y sublimidad. La joya más alegre de Mary J. Blige, "Real love", se guía por una genial combinación de bajo melancólico y guitarra esperanzadora y penetrante, mientras que "A love supreme" y "Please stay (Once you go away)" de Marvin Gaye se interpretan en un formato de suite sombrío y extático, con Rhodes matizando los finales de las líneas y la guitarra eléctrica de Jon Skibic trazando ondulantes curvas wah-wah en los pliegues de las sábanas. 

¡Ay, qué calor hace aquí! Nunca hubo duda, pero She Loves You lo demuestra: Greg Dulli es nuestra identidad colectiva.

MY MORNING JACKET Circuital (ATO, 2011)

 Ayudados por el magnífico productor (y miembro de Decemberists) Tucker Martine, el quinteto de Kentucky grabaron estas diez canciones (45 minutos, su álbum más breve) en una iglesia de su Louiseville natal con el propósito de conseguir un ambiente más genuino y cercano a sus orígenes, buscando trasladar el sonido de las canciones en directo al estudio (con excepción de las cuerdas). Eso no implica que suenen a country-rock al uso, como en sus dos o tres primeros álbumes, sino que recuperan la mezcla de sofisticación y tradición que les encumbró con ‘Z’. 

De hecho, como decíamos, no es que renunciaran precisamente a los toques de música negra que han ido introduciendo en su obra, como demuestran los coros y vientos del pegadizo single "Holdin´on to Black Metal", el bajo superfunky de "First light" o el arreglo vocal que abre "The day is coming".

El álbum recuerda a clásicos como The Allman Brothers Band o The Doobie Brothers, pero siempre introduciendo elementos característicos en ellos como los teclados ambientales o esos bajos tan Radiohead pre-‘Kid A’ que destacan especialmente en la primera mitad del álbum (la más brillante) con cortes majestuosos como "Victory dance", "The day is coming" o la titular ‘Circuital‘, cuyos siete minutos nos llevan inexorablemente a otros grandes del rock norteamericano de la última década: Wilco.

 La segunda mitad del álbum resulta algo más convencional con temas como "You wanna freak out", "Slow slow tune" o el melancólico cierre con "Movin’ away", bonitos medios tiempos que, sin embargo, no están a la gran altura del inicio del disco y palidecen ante la belleza de la balada "Wonderful (The way we feel)". 

Circuital es un disco notable que repara en buena medida el tropiezo de Evil Urge (2008)
y les hace tomar el paso de la vanguardia del indie rock norteamericano.

BLUE RODEO Small miracles (Warner, 2007)

 En este trabajo Blue Rodeo busca regresar a las raíces del grupo tras algunos álbumes que experimentaron, generalmente con éxito, con una producción más sofisticada, incluyendo instrumentos de viento. 

Algunos de esos toques aparecen aquí, por ejemplo en el tema de casi siete minutos "Black ribbon" de Greg Keelor . Pero en general, esta todo basado en la guitarra. El animado tema pop/rock "C'mon" de Jim Cuddy es el primer sencillo del álbum, y sus melodías country/folk de medio tiempo, como la fluida "Mystic River", son habituales, pero las canciones se interpretan en gran medida en lo que solo puede llamarse el estilo tradicional de Blue Rodeo. 

Siempre ha habido elementos de Buffalo Springfield en el sonido de la banda. Estos elementos se acentúan en este lanzamiento, especialmente en la vibrante "Blue house" de Keelor y la encantadora "3 hours away" de Cuddy . Ambos cantautores están en plena forma, tanto vocal como compositivamente, escribiendo algunas de sus mejores canciones, una hazaña nada desdeñable a estas alturas de su colaboración. 

El resto de la banda bien podrían ser músicos de estudio contratados, ya que su acompañamiento es competente, aunque discreto y casi anónimo. El último cuarto de hora del álbum está cargado de material más suave e introspectivo, incluyendo una segunda versión de "3 hours away" que deja al oyente con una atmósfera cálida y melancólica. "It makes me wonder" de Keelor es otra de sus canciones más sentidas, que se desarrolla desde un inicio suave hasta una épica en toda regla. Impulsada por un sutil órgano y pedal steel, es la melodía más cautivadora y personal del álbum. Su intento de bossa nova en "Together" es más soso que conmovedor, pero demuestra su disposición a explorar nuevas áreas musicales. 

GUADALUPE PLATA (Everlasting, 2015)

 En este cuarto disco (o tercero, si el primero no se considera un debut en largo) estos novios de la muerte siguen obsesionados con la ultratumba, con los gatos asesinados, la nocturnidad y el malditismo, y su música, por supuesto, permanece empapada de blues.

Aquí aparecen novedades a nivel vocal, con un Pedro de Dios que echa a volar, y estilístico, con influencias inéditas en lo instrumental: Howlin' Wolf, Gene Vincent o Charlie Parker. El creciente poder de la guitarra de Pedro de Dios sube el listón de manera que las canciones consiguen sonar exactamente a lo que dicen sus títulos: "Agua turbia", "Mecha corta", "Tormenta"... pero su voz es lo que ha dado un salto cualitativo más claro. Sorprendente, sólido pero consecuente con su desparpajo habitual, Pedro alcanza un nivelazo inesperado ("Serpientes negras") e incluso increíble (en la mencionada “Mecha corta”). 

Los temas son puro groove, más que las canciones redondeadas y cerradas, siguen siendo la marca de la casa y mantienen ese trance casi demoníaco de negritud, ya sea al estilo Wolf de “Hoy como perro” o rozando lo jazzístico como en la sensacional “Filo de navaja”.

Recomendado escuchar con buenos cascos para apreciar los arreglos de pianola, maracas y cencerros, las extraordinarias líneas de bajo (las mejores de su discografía están en este disco) y, sobre todo, para que el corazón bombee al ritmo de percusiones como las de “Huele a rata” (¿guiño a Big Mama Thornton?) o “Hueso de gato negro”.

NEGU GORRIAK Borreroak baditu milaka aurpegi (ESAN OZENKI, 1993)

 Ojo a esta reseña de Don Snowden.....

Esto es lo máximo. Borreroak Baditu Milaka Aurpegi es uno de los mejores CDs publicados en cualquier idioma durante los 90: rápido y furioso, potente y melódico, inteligente y salvaje, discordante y orgánico. La letra está en euskera, pero no se necesita traducción para ganchos memorables como el estribillo punk de "Bi Doberman Beltz" o las melodías de guitarra, sencillamente preciosas (al estilo de una balada de Jimi Hendrix ), de "Ixtoixen". Es un triunfo en todos los aspectos: la producción realza el drama inherente a la música, la destreza técnica de Kaki Arkarazo hace que las guitarras simplemente rugan, y los collages de sonido (con samples que van desde JFK hasta clásicos del soul como James Brown and the Meters ) son maduros y sofisticados.

 Si bien los riffs con toques metaleros, centrales en la mezcla explosiva de la banda, siempre fueron mucho más inventivos que excesivos, el disco es una auténtica mina de oro para los amantes de los grandes ganchos de guitarra. "Bi Doberman Beltz" arranca con una vibrante mezcla de acordes thrash, guitarras solistas en armonías en tándem y un final a doble ritmo que te deja sin aliento. "Rock & Rollaren Jukutria", "Pistolaren Mintzoa" y "Kaixo" funcionan porque los riffs encajan justo donde deben; es bastante predecible, pero los números cuadran. Y "Erori", "Hiltzeko Era Ugari" y "Hemen Izango Bazina" funcionan porque el magistral dominio de la dinámica de la banda construye y superpone los riffs en cascada para lograr la máxima potencia acumulativa. Para variar, Negu Gorriak incorpora un funk furioso con instrumentos de viento ("Bost Gehiago") y ska de carreras ("Kolore Bizia"), una versión dub de una variante de la línea de bajo de "Exodus" de Bob Marley & the Wailers (la canción principal), y un ligero cambio de ritmo salsero ("Chaquito") al final del disco.

 Es difícil contenerse con los superlativos con una música tan contundente, comprometida e inventiva como la que Negu Gorriak ofrece en este disco.

MICHAEL McDERMOTT 620 W. Surf (Giant, 1991)

 El tono vocal profundo y gutural de Michael McDermott recuerda a Bruce Springsteen , y en algunos lugares incluso suena como si intentara imitar al Boss . Si bien su álbum debut, 620 W. Surf, no iguala a Springsteen en madurez y profundidad compositiva, sí demuestra ser una promesa considerable.

 El rock acústico de McDermott, que emplea grandes dosis de armónica, órgano y piano (incluida la actuación de otro famoso Bruce, Hornsby ), produce algunas melodías memorables. 

El sencillo "A wall I must climb", es un trallazo. Las letras introspectivas de McDermott se centran en temas espirituales, específicamente en la lucha con la fe en medio de las dificultades de la vida. A veces, pueden ser bastante perspicaces. Se ven realzadas por la producción escasa de Don Gehman , que da la sensación de estar en una de las actuaciones de McDermott en un café de Chicago.

En "Death in the autumn a
ir", Gehman incluso incluye algunos aplausos del público. Los arreglos a lo largo del disco son muy efectivos y, en general, se ven realzados por la apasionada voz de McDermott, aunque sus ocasionales excesos vocales pueden resultar irritantes e interferir con el tono introspectivo de sus canciones. 620 W. Surf sentó las bases sólidas sobre las que McDermott construiría álbumes posteriores.

TEQUILA Matricula de honor (Zafiro, 1979)

Reseña extraida de laFonoteca...

El disco comienza calentito con “Rock and roll en la plaza del pueblo”, un hit inmediato que se conserva muy bien pese al tiempo transcurrido y una premonición convertida en realidad… “la gente alucinada espera a que comience el show”. Riffs explosivos y teclados cargados de adrenalina secundan a la perfección los juegos vocales de la banda. Estos esquemas se mantienen en “Necesito un trago”, número uno de Los 40 el 27 de mayo del 78.

En “Las vías del ferrocarril” -una composición de Norberto Napolitano- se acercan al country y los ritmos sureños dirigen la acción. Tras la irregular “Nena, que bien te ves” -un medio tiempo azucarado prescindible que desentona con el resto de cortes del disco- llega “Buscando problemas”, de nuevo rock acelerado con guitarras incendiarias.

El cancionero argentino además de en “Las vías del ferrocarril” aparece en “El ahorcado”, compuesta por Sergio Makaroff. El nivel decae hacia el final del disco, la instrumental “Vacaciones en Copacabana” aguanta el tipo sin más, “Abre el día” busca el intimismo y la elegancia y la encuentra pero se pierde en los largos desarrollos instrumentales e “Israel” trae la intensidad y la energía pero hace que el disco en su conjunto pierda cohesión con esos pasajes próximos al rock progresivo.

El debut de Tequila alcanza el éxito inmediatamente. Este disco es realmente el culpable del despegue de la banda y de la génesis del fenómeno fans moderno en el mundo del rock nacional. Hasta este momento este aspecto estaba reservado para solistas melódicos y formaciones como Los Pecos. Tequila en ese sentido fueron el primer gran grupo de rock de nuestra historia moderna, ellos ayudaron a sacar al rock del ambiente underground y pusieron sobre aviso a las discográficas de que tras él había un filón que podían rentabilizar económicamente.

THE RUMBLE STRIPS Girls and weather (ISLAND, 2007)

 Los Rumble Strips no se arriesgan con Girls and Weather, pero es porque no lo necesitan. Si el tono divertido, inocente y refrescantemente ligero del cuarteto de Devon, por no mencionar su renuncia a las guitarras en favor de los instrumentos de viento, no es suficiente para que su álbum debut destaque, su maestría musical y sus letras irónicas sin duda lo son. 

Se necesitan varias escuchas para percibir su destreza técnica, porque es muy fácil dejarse llevar por la diversión el la que están viviendo. No hay preámbulos para la fiesta: Girls and Weather arranca con un ritmo desenfrenado con "No soul", una canción que suena un poco como los Kaiser Chiefs reemplazando los sintetizadores por una sección de metales deliberadamente excéntrica. Le sigue inmediatamente "Alarm clock", que cuenta la historia de un joven holgazán mediante una melodía contagiosa, un estribillo para cantar a coro y una alegre autocrítica. Melodías alegres, acompañadas de letras agridulces, son un tema recurrente en todo el álbum, pero es una fórmula que les funciona bien, especialmente cuando se burlan de las fantasías al estilo Walter Mitty del ciudadano medio.

 El mejor ejemplo de esto en el álbum es "Motorcycle", una versión desenfrenada de la "canción de coches y chicas" que alterna entre la realidad mundana de una moto de 10 velocidades y la fantasía alegre de un imán para chicas motorizado. Hay momentos en que el vértigo de la banda resulta un poco abrumador (la repetición del estribillo en "Clouds" pasa rápidamente de entrañable a molesta), pero al final es una queja menor. Girls and Weather no pierde fuerza ni encanto en todo momento; es un álbum para adultos que buscan una excusa para volver a comportarse como niños.