Incluso la portada es buena, con un aspecto descolorido muy de new wave y con gafas de intelectuales, más cool incluso que las portadas de Elvis Costello o The Embarrassment . Pero si solo fuera apariencia y nada de cerebro, Crazy Rhythms habría sido descartado hace mucho tiempo como una reliquia de principios de los 80. Eso es exactamente lo que no es este álbum.
Desde los suaves e inquietantes toques de percusión que preceden al repentino y enérgico salto del apropiadamente titulado "The boy with the perpetual nervousness". A partir de ahí, la banda ofrece siete temas originales más, además de una sorprendente versión de "Everybody's got something to hide" de los Beatles que avanza incluso más rápidamente que el original.
El equipo de guitarras de Mercer y Million fuma en todo momento, ya sea con repiques suaves y rítmicos con un aire misterioso y distanciado o con solos angulosos y explosivos. Pero Fier es el arma secreta de la banda, capaz de tocar ritmos directos pero apuntando a un golpe extraño y retumbante que actualiza el trance Velvet Underground /Krautrock a reinos más vertiginosos. Las obvias inflexiones vocales de Lou Reed de Mercer hacen que las raíces de VU sean aún más claras, pero incluso en esta etapa hay algo nuevo en el trabajo que hace el cuarteto. La voz de Mercer es notablemente diferente de la que tiene ahora, pero es una interpretación entusiasta
Publicado un año antes de que Alain Bashung muriera de cáncer de pulmón el 14 de marzo de 2009, a la edad de 61 años, Bleu Pétrole sirve como un magnífico canto de cisne para la leyenda de la chanson. Este último trabajo de larga duración fue un regreso loable para Bashung, que no había lanzado un nuevo álbum de estudio desde L'Imprudence (2002), y lo devolvió a la cima de las listas francesas por primera vez en seis años. En algunos aspectos, Bleu Pétrole es similar a L'Imprudence . Mientras que ese álbum fue escrito en colaboración con Jean Fauque y Christophe Miossec , Bleu Pétrole está escrito en colaboración con Gaëtan Roussel de la banda Louise Attaque y Gérard Manset , un contemporáneo de Bashung cuya carrera también se remonta a finales de los años 60. A Roussel también se le atribuye la producción del álbum, junto con el multiinstrumentista Mark Plati . Además, ambos álbumes fueron aclamados por la crítica como obras maestras de los últimos tiempos. La diferencia es que, mientras que L'Imprudence a menudo se describe como un álbum negro, un retrato sombrío y torturado de un hombre anciano, Bleu Pétrole es más luminoso. Entre los aspectos más destacados del álbum se encuentran "Résidents de la République" y "Sur un Trapèze", ambos escritos exclusivamente por Roussel . Manset contribuye con otro par de temas destacados, la pieza central del álbum de nueve minutos "Comme un Lego" y su éxito de 1975 "Il Voyage en Solitaire", el último del cual cierra Bleu Pétrole (y a su vez la carrera discográfica de Bashung) con una nota perfecta. . Además de las contribuciones de Roussel y Manset, hay una versión melancólica de la adaptación de Graeme Allwright del clásico folk de Leonard Cohen "Suzanne". Además de las canciones en sí, Bleu Pétrole impresiona desde el punto de vista musical. Un trío de guitarristas consumados ( Roussel , Marc Ribot , Arman Méliès ) infunden al álbum toques de rock, la sección rítmica (compuesta por Plati y varios otros) se inclina hacia el jazz y los arreglos de cuerdas aportan un aire de grandeza. Además, la música varía de una canción a otra; por ejemplo, "Vénus" se basa casi por completo en un arreglo de cuerdas y un poquito de banjo, y luego, tres canciones después, "Je Tuerai la Pianiste" está impulsada por un potente riff de bajo y toques de guitarra eléctrica.
El inicio es maravilloso. La introducción instrumental genera el gancho perfecto para el viaje. Una guitarra casi limpia que enmarca un arpegio de naturaleza melódica, bastante distante de lo que habíamos escuchado en el disco anterior. Y de este momento calmo se configura la tormenta con uno de los grandes himnos de la banda: "Brave men run (in my family)", y esto será una constante a lo largo del disco.
Sin embargo, después de este tremendo inicio se desinfla un poco. A pesar de cierto fogonazo tímido por la mitad ( "Ghost bitch" al inicio de lo que sería el lado B), Bad moon rise transita por un terreno que luego explorarán con mejores resultados, pero aquí aparece un poco forzado. Pero como para dejar bien en claro que no se andan con remilgos, el final es simplemente demoledor. "Death Valley '69" , con la colaboración de Lydia Lunch en las voces. Nuevamente penetran como clavo ardiente en nuestros sentidos y nos dejan con ganas de más. El cierre perfecto como para que nos preguntemos si realmente le hemos prestado atención al disco.
Bob Bert se gana el puesto de baterista de la banda, aunque sea por corto tiempo. La arquitectura sónica del conjunto sigue estando en la amalgama de Thurston Moore, Lee Ranaldo y Kim Gordon. La estética la construyen en torno a las posibilidades que brindan la distorsión y los propios instrumentos. El vapuleo, el maltrato y los golpes incesantes a las cuerdas todavía son tímidos, pero los neoyorquinos ya dan indicios de la leyenda que se consolidará adelante más.
Primer álbum del cuarteto británico formado por Findlan Brown, Carl Ultn, James Mathe y Rob Jesse, cuyo título del disco recuerda al primer álbum de Pink Floyd, The piper at the gates of dawn, con el que tienen bastante que ver. Aunque ya publicaron en aquí un primer álbum con Mushroom Pillow, éste era en realidad una recopilación de las canciones publicadas fuera de nuestro país: un mini-cd y un ep publicados en el Reino Unido.
Aquí suenan mágicos y lisérgicos, aunque no inventan nada nuevo, pero da igual, ya que firman aquí un impresionante disco con 12 cortes sin altibajos, sin hacerse aburridos ni eternos en ningún momento, y es que a su psicodelia le añaden las dosis justas de electrónica para hacerla moderna, y por eso tienen un pie en el pasado y otro en el presente, que recuerda a The Beta Band, Primal Scream, The Coral o Simiam. Son 12 canciones llenas de vanguardismo, locura, electrónica folk, psicodelia, magia, elegancia,… un disco abrumador con hits evidentes y arrolladores como “Carnival of the antichrist”, "Velvet skies" o "Microdot maintenance", pero sobretodo hablamos de la impresionante That’s a lie", también la espacial y magnífica "Emergency Exit", y las evidentes influencias de Pink Floyd en "Naked angel"
He aquí el artículo que publicó Juan Manuel Freire para Rockdelux del disco que publicó en 2004 con el alias de Apenino Marco A. Maril, antiguo componente de Dar Ful Ful, como (casi) siempre no puedo estar más de acuerdo con el...
Cerca de Family, Parade o según qué Trembling Blue Stars, “Bumerán, humerán” es la obra de un hombre que no acepta la textura de la realidad y esculpe sus canciones con lo imaginario. Al igual que en el seno de Dar Ful Ful, el santiagués Marco A. Maril se muestra como un artista en lucha constante contra el mundanal ruido en este disco de electrónica pop masajeante y cálida, grandes espacios y sutilezas y corporeidad etérea (ojo a los coros de Carmen Humanoid, sobre todo en la increíble “Cielo”) que muestra una adhesión al esencialismo que ni el álbum en solitario de Mark Hollis. Contra esa atmósfera de ciencia-ficción, Maril, una de las mejores voces del panorama pop nacional, habla con palabras nuevas sobre pesares viejos, algunos motivos que pueden mover a un hombre a cambiar de galaxia: el dolor inherente al autoengaño (”Pablo miente”) y a la timidez emocional (”Moonriver y yo”), la flaqueza de la voluntad (”El deseo tuerce la
flecha”, de bailar con lágrimas en los ojos), el desconcierto (”Nada especial”), la nostalgia (”Lejos de ti”)… siempre ahí la nostalgia, tocando, hundiendo, dejando sin aire. O casi siempre, porque también reserva Apenino algún hueco para el presente y entrega con “El aire de nuestra galaxia”, glorificación de la pareja, una de las declaraciones de amor más emotivas nunca oídas en una canción. El amor aún es remedio.
Tras más de dos años en la cocina en 2009 Dark Was The Night fué al fin una realidad y se convirtió en uno de los mejores recopilatorios que se hayan hecho nunca en nombre de la Red Hot Organization, la prestigiosa organización de lucha contra el SIDA. Y mira que los ha habidos buenos.
Ideado como "el recopilatorio Red Hot indie" y producido por Aaron y Bryce Dessner de The National (con el fundador de la organización, John Carlin, como productor ejecutivo), Dark Was TheNight es, simplemente, excepcional. Un Quién es Quién de la música independiente (principalmente americana) de nuestros días que logra, como no podía ser de otra forma, asombrar a cada corte, y que nos da la oportundad única de ver a músicos de enorme prestigio interactuando los unos con los otros.
Dirty Projectors con David Byrne, Feist con Ben Gibbard, Bon Iver o Antony con The National, Connor Oberts con Gillian Welch... Difícil extraer un momento álgido, aunque yo destacaría el "So far around the bend" de The National, lo más pop que hayan hecho nunca, el "Lenin" de unos inconfundibles Arcade Fire, los emocionantísimos "Sleepless" de The Decemberits o "You are the blood" de Sufjan Stevens o el delicado "Gentle hour" de Yo La Tengo. Hay mucho, y todo es bueno, s in más.
Tras la ruptura del trío Walker Brothers, el gran vocalista Scott Walker publicó este alabado álbum debut en el que dio rienda suelta a su faceta más crooner (algunas canciones son propias de Frank Sinatra), menos pop que en su anterior grupo pero con el siempre espectacular acompañamiento orquestal ejemplificado bien en la canción que abre el LP, “Mathilda”, escrita por su autor preferido, el belga Jacques Brel.
Aunque la mayoría de estos agridulces temas son ajenos, los mejores momentos pertenecen a su escritura.
Scott Walker (de apellido real Engel) brilla con tres elegantes composiciones, la atmosférica “Such a small love”, la nostálgica “Allways coming back to you” y sobre todo, la magistral “Montague Terrace (In Blue)”.
Dentro de las adaptaciones destacan la versión de “The lady from Baltimore” de Tim Hardin, “The big hurt”, una adaptación de Toni Fisher, y “Amsterdam” y “My d eath”, ambas de Brel.
Lo demás, si te apasiona la música de Sinatra, Dean Martin, Tony Bennett… te fascinará. Si ese no es el caso, echarás de menos a los Walker Brothers.
Este és el debut más inventivo, seguro y divertido en la historia del hip-hop, 3 Feet High and Rising no solo demostró que los raperos no tenían que hablar de las calles para tener éxito, sino que también amplió la paleta con un caleidoscopio de sonidos. y referencias seleccionadas del pop, soul, disco e incluso música country. Tejiendo ingeniosos juegos de palabras y hábiles rimas en dos docenas de temas organizados libremente en torno al tema de un programa de juegos, De La Soul rompió los límites en todo el LP, moviéndose fácilmente desde la maravillosa introducción de "The magic number" a un interior inteligenteHay viñetas de la ciudad llamada "Ghetto Thang" hasta historias del fin de la inocencia "Jenifa taught me (Derwin's revenge)".
Los raperos Posdnuos y Trugoy the Dove hablaban de todo lo que querían (incluido el olor corporal), tocando rápido y suelto . Apenas disfrazados bajo una capa de humor, sus temas líricos iban desde el amor verdadero "Eye know" hasta el poder destructivo de las drogas ("Say no go"), la filosofía en "Tread water" y el sexo "Buddy" .
Prince Paul (de Stetsasonic ) y DJ Pasemaster Mase abrieron el camino al final de la producción, con docenas de artistas de izquierda, incluidos Johnny Cash , Mad Lads , Steely Dan , Public Enemy y Hall & Oates . La pareja no solo usó esas muestras como ganchos o ritmos de batería, como lo habían hecho la mayoría de los productores de hip-hop en el pasado, sino como rellenos de fracciones de segundo y bromas internas que hicieron que algunas pistas sonaran más como discos de DJ. Incluso "Potholes on my lawn", que muestra un arpa de boca se convirtió en un gran éxito de R&B. Si era fácil creer que la revolución estaba aquí al escuchar el rap y la producción de It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back (1988) de Public Enemy , con De La Soul parecía prometer una nueva era de positividad en la musica.
No es sólo que cambiaran su sonido, es que lo cambiaron numerosas veces en un álbum. Para las bandas del género pop gótico, 1992 fue una especie de punto de inflexión: en Inglaterra, el shoegazer lo había cambiado todo, y en Estados Unidos, Nirvana y el grunge agregaron una barrera completamente nueva para los británicos que intentaban triunfar en Estados Unidos. Algunos como All About Eve probaron el shoegazer y, hasta cierto punto, funcionó, mientras que otros abrazarían plenamente su carácter inglés o se volverían hacia Estados Unidos y aumentarían la angustia.The Mission, por alguna extraña razón, optó por un poco de todo. "Never again", suena como si realmente estuviera tratando de llegar a las grandes ligas del estilo U2, pero terminando más como un remix de baile de ellos mismos que como una banda de estadio. "You make me breathe" suena como The Cure , y "She conjures me wings" y "Who will love me tomorrow?" recuerdan a los Wonder Stuff, aquellos teloneros de la gira Carved in Sand que tuvieron un gran impacto en las listas del Reino Unido en 1991.
Algunos temas ("Spider and the fly", "Shades of green" y "Even you may shine" ) a dia de hoy son clásicos de la banda y valen la pena escucharlos,"Like a child again" es una melodía muy pop. . Es admirable que Wayne Hussey quisiera ampliar el sonido de su banda, pero esa no es su especialidad. Siempre mejoró cuando era dramático, exagerado y sobreexcitado sin pensar ni preocuparse por lo que pensaran los demás. En Masque suenan como una banda con una crisis de identidad. Parece extraño que la atención se centre en el líder y no en la banda, bueno, originalmente este iba a ser el primer trabajo en solitario de Hussey , y dada la falta de respuesta que generó el álbum, bien podría haber sido una mejor idea, porque esto no suena como The Mission, sino más bien como una banda que intenta encontrar su sitio .
No se alarme señora, soy soviético es el segundo LP de los donostiarras Grises, disco grabado y mezclado en los estudios Gaztain del propio Eñaut Gaztañaga, cantante y productor de la banda.
Declaraciones cancion por cancion de la banda a LaHiguera.Net:
1."Espíritu libre": Abre el disco, es melódica pero tiene bastante ritmo. Para abrir boca queríamos un tema que reivindicara la necesidad de no caer en la monotonía, de buscar nuevos alicientes y, pase lo que pase, luchar por conseguir nuestros sueños. ¡Unidos somos fuertes! El título se lo robamos a un amigo surfero de su disco "Free Spirit" (KENSI, 2012).
2."Wendy": Habla del miedo a dejar de ser niños, del paso del tiempo, de no encontrar tu sitio en el recorrido. Es un tema casi electrónico, con muy pocas guitarras. Salió mientras perdíamos el tiempo en el local probando nuevos instrumentos y nunca pensamos que acabaría siendo parte del disco. Está entre nuestros favoritos.
3."Cactus": fue la segunda que compusimos para el disco; todavía tiene algunos coletazos del anterior disco "El hombre bolígrafo" (Origami Records, 2011). Trata de dejar atrás los problemas y disfrutar del momento, sin pensar en nada más, sólo en lo que quieras ser en este instante. Un cactus, un pino o lo que sea. Le pusimos un extra de vientos en el estribillo.
4."Espacio": Esta es de las poquitas tristes: atmósferas, reverbs, etcétera. Habla de sentirse encajonado, sin aire, de la necesidad de ser fuerte ante esa sensación. Al principio era muy diferente, fruto de la improvisación, incluso tenía puntos de rock cañero. Pero después de la lluvia en el festival V De Valarés y de volver desde Galicia sin poder tocar, lo primero que hicimos al llegar fue cambiarla, ajustarla a nuestro mood y este es el resultado.
5."Despierto": En éste la liamos un poco: metimos a un montón de niños en el estudio y después de pasar toda una tarde intentando no volvernos locos hicimos el inicio de la canción. Tiene un rollo banda sonora en los estribillos. Mensaje: aprovecha el tiempo al máximo y no esperes a nada para hacer lo que realmente quieras. Despierta, monguer.
6."Todo irá bien": Viene con instrucciones: hay que luchar por lo que se quiere, no quedarse atrapado en el bucle pesimista. Es la última que hicimos para este disco y es una de las más guitarreras. Cada vez que compramos un sinte o un pedal nuevos sale una canción, en este caso... ¡¡gracias The Worm!!
7."Huracán Stan": Un repaso de nuestras vidas, un homenaje a nuestro técnico Estanis: ¡huracán! De las primeras hechas para este disco. Tuvo varios cambios de estructura y de letra, lo que viene siendo darle varias vueltas. Creo que fue el Sonorama 2011 el primero que lo cató en directo.
8."Otros planetas": Es la primera que compusimos para este disco, y por ello, y una de las más diferentes al álbum anterior. Más guitarrera, de medios tiempos. Un viaje en busca de nuevos retos, el pasaporte a nuestro segundo trabajo, otro planeta.
9."Después de todo": De todas, la más electrónica: los sintetizadores se imponen frente a las guitaras. Y de nuevo un torbellino de niños en el estudio. Trata de olvidar, de disfrutar, que después de todo.. es lo que importa.
10."Los murmullos": Al principio era un tema alegre, de los que se componen con ukelele. Decidimos darle un giro y pasó a ser atmosférico: sintetizadores, vientos y otros ingredientes para echar de menos cosas cuando estamos solos, se hace de noche y la mente comienza a divagar y nos quita el sueño.
Después del doblete de Rey Azúcar (1995) y Fabulosos Calaveras (1998) , parecía que no había lugar para los Fabulosos Cadillacs no tan pesados y ruidosos. En cambio, la banda dio un giro brusco de 180 grados con La Marcha del Golazo Solitario. Las guitarras de thrash metal y los cambios de tempo salvajes han sido abandonados por un tono más jazz.
"CJ" es pura de bossa nova, que recuerda a Antonio Carlos Jobim , mientras que "Los condenaditos" combina ritmos de samba con una guitarra slide de blues y sección de vientos. Incluso hay un número instrumental de jazz latino, "57 almas", tocado íntegramente en piano, contrabajo y congas. "Roble", "Piraña" y "Necessito una nariz de payaso, no me prestas la tuya...?" continúan en el modo de rock latino de sus dos álbumes anteriores, no son tan agresivas como sus temas de rock anteriores.
Líricamente, la banda también ha atenuado el humor peculiar, prefiriendo escribir canciones que son más reflexivas y filosóficas, aunque todavía hay mucho humor inteligente en una canción como "Necessito..." (el título se traduce como "Necesito una nariz de payaso, ¿me prestas la tuya...?"). Aunque el disco tienes una escucha muy disfrutable, uno no puede evitar sentir que es un paso atrás (o al menos hacia un lado) después de los picos de sus dos álbumes anteriores, los cuales servirían como mejores introducciones a los Fabulosos. Cadillacs.
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