Tras más de dos años en la cocina en 2009 Dark Was The Night fué al fin una realidad y se convirtió en uno de los mejores recopilatorios que se hayan hecho nunca en nombre de la Red Hot Organization, la prestigiosa organización de lucha contra el SIDA. Y mira que los ha habidos buenos.
Ideado como "el recopilatorio Red Hot indie" y producido por Aaron y Bryce Dessner de The National (con el fundador de la organización, John Carlin, como productor ejecutivo), Dark Was TheNight es, simplemente, excepcional. Un Quién es Quién de la música independiente (principalmente americana) de nuestros días que logra, como no podía ser de otra forma, asombrar a cada corte, y que nos da la oportundad única de ver a músicos de enorme prestigio interactuando los unos con los otros.
Dirty Projectors con David Byrne, Feist con Ben Gibbard, Bon Iver o Antony con The National, Connor Oberts con Gillian Welch... Difícil extraer un momento álgido, aunque yo destacaría el "So far around the bend" de The National, lo más pop que hayan hecho nunca, el "Lenin" de unos inconfundibles Arcade Fire, los emocionantísimos "Sleepless" de The Decemberits o "You are the blood" de Sufjan Stevens o el delicado "Gentle hour" de Yo La Tengo. Hay mucho, y todo es bueno, s in más.
Tras la ruptura del trío Walker Brothers, el gran vocalista Scott Walker publicó este alabado álbum debut en el que dio rienda suelta a su faceta más crooner (algunas canciones son propias de Frank Sinatra), menos pop que en su anterior grupo pero con el siempre espectacular acompañamiento orquestal ejemplificado bien en la canción que abre el LP, “Mathilda”, escrita por su autor preferido, el belga Jacques Brel.
Aunque la mayoría de estos agridulces temas son ajenos, los mejores momentos pertenecen a su escritura.
Scott Walker (de apellido real Engel) brilla con tres elegantes composiciones, la atmosférica “Such a small love”, la nostálgica “Allways coming back to you” y sobre todo, la magistral “Montague Terrace (In Blue)”.
Dentro de las adaptaciones destacan la versión de “The lady from Baltimore” de Tim Hardin, “The big hurt”, una adaptación de Toni Fisher, y “Amsterdam” y “My d eath”, ambas de Brel.
Lo demás, si te apasiona la música de Sinatra, Dean Martin, Tony Bennett… te fascinará. Si ese no es el caso, echarás de menos a los Walker Brothers.
Este és el debut más inventivo, seguro y divertido en la historia del hip-hop, 3 Feet High and Rising no solo demostró que los raperos no tenían que hablar de las calles para tener éxito, sino que también amplió la paleta con un caleidoscopio de sonidos. y referencias seleccionadas del pop, soul, disco e incluso música country. Tejiendo ingeniosos juegos de palabras y hábiles rimas en dos docenas de temas organizados libremente en torno al tema de un programa de juegos, De La Soul rompió los límites en todo el LP, moviéndose fácilmente desde la maravillosa introducción de "The magic number" a un interior inteligenteHay viñetas de la ciudad llamada "Ghetto Thang" hasta historias del fin de la inocencia "Jenifa taught me (Derwin's revenge)".
Los raperos Posdnuos y Trugoy the Dove hablaban de todo lo que querían (incluido el olor corporal), tocando rápido y suelto . Apenas disfrazados bajo una capa de humor, sus temas líricos iban desde el amor verdadero "Eye know" hasta el poder destructivo de las drogas ("Say no go"), la filosofía en "Tread water" y el sexo "Buddy" .
Prince Paul (de Stetsasonic ) y DJ Pasemaster Mase abrieron el camino al final de la producción, con docenas de artistas de izquierda, incluidos Johnny Cash , Mad Lads , Steely Dan , Public Enemy y Hall & Oates . La pareja no solo usó esas muestras como ganchos o ritmos de batería, como lo habían hecho la mayoría de los productores de hip-hop en el pasado, sino como rellenos de fracciones de segundo y bromas internas que hicieron que algunas pistas sonaran más como discos de DJ. Incluso "Potholes on my lawn", que muestra un arpa de boca se convirtió en un gran éxito de R&B. Si era fácil creer que la revolución estaba aquí al escuchar el rap y la producción de It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back (1988) de Public Enemy , con De La Soul parecía prometer una nueva era de positividad en la musica.
No es sólo que cambiaran su sonido, es que lo cambiaron numerosas veces en un álbum. Para las bandas del género pop gótico, 1992 fue una especie de punto de inflexión: en Inglaterra, el shoegazer lo había cambiado todo, y en Estados Unidos, Nirvana y el grunge agregaron una barrera completamente nueva para los británicos que intentaban triunfar en Estados Unidos. Algunos como All About Eve probaron el shoegazer y, hasta cierto punto, funcionó, mientras que otros abrazarían plenamente su carácter inglés o se volverían hacia Estados Unidos y aumentarían la angustia.The Mission, por alguna extraña razón, optó por un poco de todo. "Never again", suena como si realmente estuviera tratando de llegar a las grandes ligas del estilo U2, pero terminando más como un remix de baile de ellos mismos que como una banda de estadio. "You make me breathe" suena como The Cure , y "She conjures me wings" y "Who will love me tomorrow?" recuerdan a los Wonder Stuff, aquellos teloneros de la gira Carved in Sand que tuvieron un gran impacto en las listas del Reino Unido en 1991.
Algunos temas ("Spider and the fly", "Shades of green" y "Even you may shine" ) a dia de hoy son clásicos de la banda y valen la pena escucharlos,"Like a child again" es una melodía muy pop. . Es admirable que Wayne Hussey quisiera ampliar el sonido de su banda, pero esa no es su especialidad. Siempre mejoró cuando era dramático, exagerado y sobreexcitado sin pensar ni preocuparse por lo que pensaran los demás. En Masque suenan como una banda con una crisis de identidad. Parece extraño que la atención se centre en el líder y no en la banda, bueno, originalmente este iba a ser el primer trabajo en solitario de Hussey , y dada la falta de respuesta que generó el álbum, bien podría haber sido una mejor idea, porque esto no suena como The Mission, sino más bien como una banda que intenta encontrar su sitio .
No se alarme señora, soy soviético es el segundo LP de los donostiarras Grises, disco grabado y mezclado en los estudios Gaztain del propio Eñaut Gaztañaga, cantante y productor de la banda.
Declaraciones cancion por cancion de la banda a LaHiguera.Net:
1."Espíritu libre": Abre el disco, es melódica pero tiene bastante ritmo. Para abrir boca queríamos un tema que reivindicara la necesidad de no caer en la monotonía, de buscar nuevos alicientes y, pase lo que pase, luchar por conseguir nuestros sueños. ¡Unidos somos fuertes! El título se lo robamos a un amigo surfero de su disco "Free Spirit" (KENSI, 2012).
2."Wendy": Habla del miedo a dejar de ser niños, del paso del tiempo, de no encontrar tu sitio en el recorrido. Es un tema casi electrónico, con muy pocas guitarras. Salió mientras perdíamos el tiempo en el local probando nuevos instrumentos y nunca pensamos que acabaría siendo parte del disco. Está entre nuestros favoritos.
3."Cactus": fue la segunda que compusimos para el disco; todavía tiene algunos coletazos del anterior disco "El hombre bolígrafo" (Origami Records, 2011). Trata de dejar atrás los problemas y disfrutar del momento, sin pensar en nada más, sólo en lo que quieras ser en este instante. Un cactus, un pino o lo que sea. Le pusimos un extra de vientos en el estribillo.
4."Espacio": Esta es de las poquitas tristes: atmósferas, reverbs, etcétera. Habla de sentirse encajonado, sin aire, de la necesidad de ser fuerte ante esa sensación. Al principio era muy diferente, fruto de la improvisación, incluso tenía puntos de rock cañero. Pero después de la lluvia en el festival V De Valarés y de volver desde Galicia sin poder tocar, lo primero que hicimos al llegar fue cambiarla, ajustarla a nuestro mood y este es el resultado.
5."Despierto": En éste la liamos un poco: metimos a un montón de niños en el estudio y después de pasar toda una tarde intentando no volvernos locos hicimos el inicio de la canción. Tiene un rollo banda sonora en los estribillos. Mensaje: aprovecha el tiempo al máximo y no esperes a nada para hacer lo que realmente quieras. Despierta, monguer.
6."Todo irá bien": Viene con instrucciones: hay que luchar por lo que se quiere, no quedarse atrapado en el bucle pesimista. Es la última que hicimos para este disco y es una de las más guitarreras. Cada vez que compramos un sinte o un pedal nuevos sale una canción, en este caso... ¡¡gracias The Worm!!
7."Huracán Stan": Un repaso de nuestras vidas, un homenaje a nuestro técnico Estanis: ¡huracán! De las primeras hechas para este disco. Tuvo varios cambios de estructura y de letra, lo que viene siendo darle varias vueltas. Creo que fue el Sonorama 2011 el primero que lo cató en directo.
8."Otros planetas": Es la primera que compusimos para este disco, y por ello, y una de las más diferentes al álbum anterior. Más guitarrera, de medios tiempos. Un viaje en busca de nuevos retos, el pasaporte a nuestro segundo trabajo, otro planeta.
9."Después de todo": De todas, la más electrónica: los sintetizadores se imponen frente a las guitaras. Y de nuevo un torbellino de niños en el estudio. Trata de olvidar, de disfrutar, que después de todo.. es lo que importa.
10."Los murmullos": Al principio era un tema alegre, de los que se componen con ukelele. Decidimos darle un giro y pasó a ser atmosférico: sintetizadores, vientos y otros ingredientes para echar de menos cosas cuando estamos solos, se hace de noche y la mente comienza a divagar y nos quita el sueño.
Después del doblete de Rey Azúcar (1995) y Fabulosos Calaveras (1998) , parecía que no había lugar para los Fabulosos Cadillacs no tan pesados y ruidosos. En cambio, la banda dio un giro brusco de 180 grados con La Marcha del Golazo Solitario. Las guitarras de thrash metal y los cambios de tempo salvajes han sido abandonados por un tono más jazz.
"CJ" es pura de bossa nova, que recuerda a Antonio Carlos Jobim , mientras que "Los condenaditos" combina ritmos de samba con una guitarra slide de blues y sección de vientos. Incluso hay un número instrumental de jazz latino, "57 almas", tocado íntegramente en piano, contrabajo y congas. "Roble", "Piraña" y "Necessito una nariz de payaso, no me prestas la tuya...?" continúan en el modo de rock latino de sus dos álbumes anteriores, no son tan agresivas como sus temas de rock anteriores.
Líricamente, la banda también ha atenuado el humor peculiar, prefiriendo escribir canciones que son más reflexivas y filosóficas, aunque todavía hay mucho humor inteligente en una canción como "Necessito..." (el título se traduce como "Necesito una nariz de payaso, ¿me prestas la tuya...?"). Aunque el disco tienes una escucha muy disfrutable, uno no puede evitar sentir que es un paso atrás (o al menos hacia un lado) después de los picos de sus dos álbumes anteriores, los cuales servirían como mejores introducciones a los Fabulosos. Cadillacs.
Desde la aparición del primer album, Fuzzy Logic (1996), el quinteto galés Super Furry Animals ha construido una de las discografías más interesantes del pop británico, mezclando la psicodelia, el punk, el folk, el techno y el rock progresivo. Love Kraft, nombre inspirado en el emblemático autor de literatura de horror, llegó el 21 de agosto de 2005, con doce nuevas canciones impregnadas de buen gusto y el particular sello de la agrupación, con la novedad que esta vez la mayoría de los miembros habían decidido cantar.
Quizá no sorprendían de la misma manera que con discos anteriores, pero su sonido seguía siendo imaginativo, envolvente y único. Canciones como el blues psicodélico “Zoom!”; la lisérgica “Atomik lust”, con cierta cercanía a Spiritualized; el melódico pop de aroma sesentero, “Ohio heat”; la emotiva balada “Cloudberries”; o la sofisticada “Cabin fever” con la que concluye el disco, son muestras del más genuino y prístino pop.
Otros temas como “The horn”, “Walk your home” (con la segunda voz de Nadia Griffiths) o la beatleliana “Frequency”, se mueven en terrenos del clásico pop melódico británico. También hay espacio para un corto y divertido instrumental, “Oi Frango”, una pieza con cierto aire árabe dado por la percusión y los violines, “Psyclone”, y “Back on a Roll”, con aroma folk. El tema que fue lanzado como single, “Lazer beam”, es sin duda muy pegadizo, moviéndose en la línea de bandas como The Beta Band.
Con los inestimables arreglos de coros, cuerdas y vientos de Sean O’Hagan (The High Llamas), esta es otra magnífica experiencia auditiva creada por Super Furry Animals, un cohesivo esfuerzo de una banda libre y cautivante.
En este trabajo la herencia de Elephant 6 sigue presente, avivando la llama de aquel pop de raíces psicodélicas amigo del folk alucinado que abrió los ojos a un buen número de bandas del mundillo independiente hartas de intentar ser los nuevos Sonic Youth o Dinosaur Jr.. The Decemberists siguen al pie de la letra ese herencia, y con Neutral Milk Hotel entre ceja y ceja, han perfeccionado una fórmula tras tres discos y diferentes Ep’s que en este Picaresque logra los picos más altos de su carrera, hasta ese momento.
Canciones como “We both go down together” (himno fatalista con aires del “Losing my religion” de REM), “The sporting life” una de sus mejores canciones con un corte de inspiración Motown en el que repiten homenaje a la cosecha cinematográfica del free cinema, “16 Military wives” otra joya de su repertorio, “The Mariner’s revenge story” canción-río de corazón tradicional donde Meloy muestra sus credenciales como storyteller o “The engine driver” una de sus canciones de desamor más conmovedora hasta la fecha, les pondría por méritos propios, entre las bandas de pop (sin etiquetas) más destacadas del momento.
Si bien Picaresque sigue la predilección de su predecesor por la navegación y la mitología, el resultado fué su producto más accesible (y decididamente optimista) del grupo hasta ese momento.
Uno de los grupos formativos de new beat, posiblemente el primero, debido a que el DJ Marc Grouls hizo girar el sencillo debut de la banda, "Flesh", a 33 rpm en lugar de 45 rpm, inventando así el género. A Split Second rápidamente recurrió a sonidos más industriales, fusionando un uso intensivo de sintetizadores con guitarras distorsionadas y la voz distintiva de Marc Ickx. Después de distribuir un puñado de demos, la banda pronto firmó con Antler Records para el lanzamiento de sus dos primeros sencillos y el largometraje Ballistic Estatuas .
Después de haber estado un tiempo dando palos de ciego en este disco Calamaro parece haber despertado de un largo sueño, se ha quitado las legañas, se ha puesto las pilas y no ha encontrado nada mejor que, envalentonado y animado por Bersuit Vergarabat, subirse de nuevo a los escenarios. Primero fué en un festival multitudinari, liuego durante tres noches en el Luna Park de Buenos Aires para finalizar con un gira triunfal en España.
El último de los conciertos en el Luna és el que recoge este trabajo, tomando el audio de una filmación televisiva. De ahí que no haya maquillaje y el sonido incorpore los constantes coros de la audiencia. Esto mismo és lo que añade emoción. Porque eso és lo que uno siente escuchandolo, emoción y alegria. Por escuchar a un Andres feliz y por reencontrarnos con unas canciones que son parte de nuestra historia. Canciones que en algunos casos escuchamos aquí mpor primera vez y con un Calamaro de voz intensa y emocionante.
Ya desde el comienzo, y con un público totalmente enloquecido, la lista de éxitos se suceden: comienza con "El cantante" para seguir con "El salmón" y "Te quiero igual", dos de sus temas más conocidos. Las distintas facetas que Calamaro ha cultivado durante estos años, más acusadas desde su etapa psicodélica (pongamos el periodo comprendido entre 2000-2004), se ven reflejadas en este directo aunque sin profundizar en demasía. Encontramos así, por ejemplo, el coqueteo con el hip hop y funky de "Vigilante medio argentino" o el tango "Por una cabeza" donde toca Juanjo Domínguez, pero poco más que demuestre las distintas inquietudes del artista en estos últimos años. El hermano de Andrés, Javier Calamaro, aparece en "No me nombres" y Juanse, líder Los Ratones Paranoicos, en el blues "Desconfío", un homenaje al fallecido Norberto Napolitano Pappo. También hay momentos de recuerdo a Los Rodríguez "Para no olvidar" y un final espectacular con "Flaca" y "Paloma", esta última, emocionante, uno de sus mejores temas y de las preferidas del público en todos sus conciertos.
A primera vista, Rain Tree Crow no suena a Japan en absoluto. Mientras que en Japan la música era urbana de ritmo rápido, esta tiene una atmósfera más abierta y pastoral. David Sylvian y Mick Karn, junto a Steve Jansen y Richard Barbieri dibujan una atmósfera serena y de ensueño. Incluso sus temas más insignificantes siempre tienen algún detalle o textura interesante que hace que valga la pena escucharlas.
El instrumental de siete minutos "Big wheels in Shanty Town" que inicia el álbum suena a Can , gracias a su ritmo hipnótico. "Every color you are" incorpora la voz de Sylvian y acerca aún un poco más el ambiente del álbum a la música pop. "Red Earth (As summertime ends)" representa la mejor parte de los instrumentales del álbum, que se basan claramente en improvisaciones. "Blackwater", también lanzado como sencillo, es lo más pop del álbum.
El proyecto Rain Tree Crow parece que dejó un sabor bastante amargo a todos los participantes, pero si lo miramos únicamente desde el punto de vista del talento musical, es una parte meritoria del extenso y original catálogo de Sylvian, Karn, Jansen y Barbier.
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