Este disco és uno de los más enigmáticos de mi discografía, cayó en mis manos de parte de un familiar francés y por aquí era y sigue siendo un completo desconocido.
Sé que Arthur és hijo de un conocido músico de jazz francés llamado Jacques Higelin y que este era su tercer trabajo.
Un disco lleno de electronica pero con muchos toques de jazz, de chanson, de ritmos tribales,de Tom Waits...pero sobretodo de un estilo que estaba muy en boga en aquella época, el trip hop.
Se trata de un disco muy lineal, sin grandes sobresaltos, ideal para ratos de relax y contemplación pero también de momentos de celebración como una de sus canciones más conocidas..."La lionne et l`elephant"
Este és el quinto álbum del lider de Fabulosos Cadillacs en solitario, con Vicentico he de reconocer que tengo un idilio constante desde que allá por 2003 editó su primer trabajo en solitario, aunque al principio me echó para atrás aquella música tan diferente de la de su grupo (ni atisbo de ska, ni punk, ni letras comprometidas) al final me quedé enganchado a su nuevo compromiso, el amor en todas sus variantes.
En este disco parece querer echar un pulso más fuerte aun a todos sus antiguos seguidores más acérrimos, aquí no es que se apunte a la última moda del soft rock ni quiere ser el más hipster-kitch del lugar, no........aquí simplemente se lanza en plancha a por el pop más meloso y empalagoso, pero aun así Vicentico sale airoso, chulo y arrogante como él sólo.
O acaso no saldrían corriendo todos los rockeros más talibanes cuando para hablar de este disco se menciona a Gilbert O`Sullivan o a Boston? o cuando se le ocurre versionear a Roberto Carlos en "No te apartes de mí"?, pues todo eso y mucho más és 5. También hay aquí cosas (y eso me encanta) de Jeff Lynne y su ELO, de Soft Cell en "Fuego"e incluso en "Carta a un joven poeta" se atreve a parecerse al Johnny Cash más domado o al Albert Hammond más inspirado. Ahh y hay una versión de Abba por si faltaba algo..."Sólo hay un ganador"....para mí siempre Vicentico!
Sin ser yo demasiado amante del punk hardcore americano, a principios de los años 90 cualquier cosa que veía editado por SST (Sonic Youth, Dinosaur Jr, Hüsker Dü) iba directamente a la saca, de esta manera cayó en mis manos esta recopilación de uno de los grupos básicos de este sonido.
Black Flag és una banda californiana formada por el dueño de la discográfica Greg Ginn en 1976, mientras su musica se caracterizaba por afiladas guitarras y cambios de ritmo, las letras hablaban de la pobreza, la soledad o el abuso de autoridad, más aun cuando se unió al grupo en 1981 un personaje que a dia de hoy todavía es clave en el devenir de el rock americano, Henry Rollins.
Esta es una compilación de los primeros 6 discos de la banda y hay temas como "Damaged" que más tarde sería un completo éxito en las radios universitarias, "TV party", "Pack of six" o "Jealousy again", también le echa un vistazo a su etapa más metal-jazz-hardcore con "Loose nut" o "Annihilate this week" como canciones más representativas.
El disco no contiene material nuevo, por lo que no és esencial para los más fanáticos, pero es probablemente el mejor punto de partida para aquellos que no están familiarizados con la discografía de Black Flag.
Este es un disco triste, melancólico pero a la vez uno de esos trabajos que no puedes dejar de escuchar una y otra vez, como los discos de Go-Betweens, Divine Comedy, Aztec Camera, Triffids o como no del grupo de donde toma el nombre Rubén Poz...los Smiths.
Porque El Chico...és sólo Ruben y sus circunstancias, léase desengaños amorosos, encerrarse en una habitación, las ganas de olvidar etc.
Pero aun así en su voz hay calidez y buen rollo, en el disco hay muy buenos estribillos y canciones realmente pegadizas como "Pasado" y la gran "No te puedo hacer feliz", canciones más intimistas como "Esa chica rubia" y "Todas las canciones tristes son inocentes" e incluso ese merecido homenaje a John Lennon que és "Dakota white room".
Tú rompió mi corazón es un disco que se nota que fué creado con mucho mimo y cuidado y que fué grabado en sitios tan dispares como unos jardines públicos, una sacristía, una masía de Girona o dentro de un coche, fué su segundo Lp después grabaría otro más al año siguiente y desde entonces poco se sabe de él.
Undécimo disco de los Bad Seeds y primero después de superar su adicción a la heroina No more shall we part está considerado por buena parte de la sesuda crítica como un álbum de transición, a pesar de ello para mi es como un paso más en su encuentro con las musas e incluso entre sus mismos músicos. El violín de Warren Ellis suena como nunca y sus dos más ilustres compañeros Blixa Bargled y Mick Harvey dan lo mejor de sí poco antes de abandonar la banda.
Quizás este disco es el primer paso de una época en la que Nick Cave empieza a sacar toda su chulería, acrecentada en su siguiente álbum Nocturama o formando a su grupo paralelo Grinderman.
Es muy difícil destacar algunos temas por encima de otros ya que para mí este disco es un todo, catártico de principio a fin, de una intensidad emocional muy potente, junto a su anterior The boatman´s boat sus dos últimos grandes discos, si tengo que destacar algunos temas me quedo con "As i sat sadly by her side", "And no more shall we part", "Oh! my lord", "Sweetheart come", "The sorrowfull life" o "Darker with the day", aunque aquí no hay ninguna canción de relleno.
Para producir este disco de los Bunnymen el cuarteto (aunque de la alineación titular sólo queda Ian McCulloch y Will Sergeant) de Liverpool hechó mano de un viejo y coetáneo amigo Martin Glover (Youth), el que fuera bajista de Killing Joke para intentar darle la fuerza o la mordiente que no tuvieron sus últimos trabajos.
El tema inicial "Meteorites" tiene la épica y grandeza de los temas de Ocean Rain (1984) y fué el adelanto del álbum. Con "Holly moses" se adentran en terrenos más poperos, más beatlemaniacos, vuelven a subir el listón con la siniestra "Constantinople".
"Is this a breakdown" tiene un algo de britpop a lo Lighteen Seeds para seguir con dos de mis favoritas "Grapes upon the vine" y "Lovers on the run" quizás sea por lo que me recuerdan a los Bunnymen más clásicos, en donde lo oscuro pero emotivo se dan la mano.
Bajan el listón con "Burn it down" demasiado sinfónica para mi gusto aunque suben puntos con "Explosions", un tema que gana mucho a medida que pasa el tiempo. "Market town" es bastante más psicodélica y exótica para cerrar con una inspirada "New horizons.
Sin duda Meteorites fué su trabajo más inspirado desde el Nothing Last Forever (1997) aunque está a años luz de su época dorada y de sus obras maestras. de los 80.
Raros, raros, raros. Grizzly Bear tocaron techo con su tercer y anterior disco Veckatimest (2009) y con este editado tres años después se reafirman como una de las bandas más llamativas y especiales en lo que va de siglo, en su música podemos encontrar a los Beach Boys pero también a My Bloody Valentine, la electrónica de unos Animal Collective pero también el pop con mayúsculas de They Might Be Giants... Confieso que a mí me costó mucho entrar en su mundo, pero una vez dentro os aseguro que la experiencia merece la pena. Shields es un disco más convencional que sus anteriores, más si queremos accesible aunque los de Brooklyn aun siguen creando muros de sonido mezclándolos con deliciosas armonías vocales. Es su trabajo más rockero hasta la fecha.
Su triplete inicial es insuperable, "Sleeping Ute", "Speaking in rounds" y "Yet Again" aunque si lo que te gusta és perderte por parajes densos y complejos están "The hunt", "What's wrong" o "Half gate". "A simple answer" y "Gun-shy" son el lado positivo y alegre de la moneda mientras que "Sun in your eyes" és todo lo contrario, una canción dificil y oscura, digna de figurar en el catálogo de WARP.
Este es un disco para paladear con cuidado y escucharlo muchas veces, os aseguro que acabais pillándole el punto y entrando en su mundo.
Este es el segundo álbum del músico de Minnessota y a mi parecer y al de muchos el que le convirtió en leyenda, fué su primera patada en la entrepierna de muchos criticos y fundamentalistas, aunque también es verdad que no sería (afortunadamente) la última.
Aupado por la creciente ola de la contracultura y espoleado por temas que en aquel momento estaban muy en el candelero como la guerra nuclear y los derechos humanos en general, el disco se abre con la que probablemente sea la canción protesta más conocida de todos los tiempos "Blowin' in the wind".
También contiene canciones ya emblema en el cancionero de Dylan como son "A-rain´s a-gonna fall" en donde toca el tema de la guerra nuclear o "Do not think twice it's all right" esta ya más personal hablando de la depresión.
Aparte de estas yo también destacaría dos temas no tan conocidos pero que son dos auténticos himnos folk "Girl from the north country" y "Masters of war".
The Freewheelin´ fué la confirmación de Bob Dylan como glorioso compositor y el comienzo de una historia aun hoy apasionante.
Una de las rarezas de este disco es su larga duración (és doble) a pesar de contar con siete temas, la otra es que tiene material que és imposible de encontrar en sus discos de estudio. Y es que demasiado LSD produce decisiones extrañas pero música genial.
Por aquellos años (finales de los 60) Grateful Dead se encontraban en plena etapa hippie psicodelica y no se notaba tanto el viraje más country que tomaron en los años 70. El disco se abre con una canción de 23 minutos que és puro viaje lisérgico, contiene tan sólo ocho versos se llama "Dark Star" y en ella Jerry Garcia parece que levite con su guitarra. "Saint Stephen" ya la grabaron para su anterior trabajo pero aquí aparece como mucho más hecha, más conseguida, seguida de la más rockera "The eleven" con dos baterías y un sonido muy sureño a lo Lynyrd Skynyrd. "Turn on your love light" és el desfase total de Jerry Garcia y sus solos interminables aunque también se permite colar algunos toques funk.
Bajan mucho las revoluciones con "Death don't have no mercy" que és una versión de Reverend Gary Davis y que como su título indica parece un himno para un funeral, nada que ver con "Feedback" que és ni más ni menos que 8 minutos de puro ruido de feedback, una auténtica marcianada en clave Metal Machine Music.
Lo que queda al final de este disco és una gran colección de solos y preciosas melodías de una banda que jamás será mi banda favorita pero que muchas veces te permite desconectar y dejarte llevar.
Treinta años hace desde que leí un artículo de David S. Mordoh en RDL descubriéndome un grupo de San Francisco llamado American Music Club y que me voló la cabeza.
Hablaba precisamente de sus dos mejores discos (a dia de hoy no superados) United Kingdom (1989) y el editado un año antes California (1988).
Después de un primer trabajo (The Restless Stranger, 1985) bastante flojo en donde aún se dejan ver algunos toques new wave de la época y un segundo (Engine, 1987) mucho más engrasado y con mejores canciones, el grupo liderado por Mark Eitzel grabaría California, su auténtica Master Piece, en donde todo se vuelve más cálido y acústico, más maduro y estremecedor, un trabajo en donde la soledad y la angustia se puede palpar con las manos, pero a la vez no puedes dejar de escucharlo una y otra vez, para mi este disco fué una verdadera obsesión.
Es difícil destacar alguna canción en un disco tan compacto, pero si tengo que quedarme con alguna lo hago con la dramática "Jenny" y su súplica "Jenny don't go...", las desoladoras "Pale and skinny girl"y "Blue and grey shirt", la Nick drakeiana "Western sky" y con la única despedida posible "Last harbour": "Estoy cayendo y no veo el final...¿vás a ser tú mi último puerto?".
Si eres de los que se emocionan y se auto flagelan con la música de Red House Painters, de Idaho o de Grand Drive, o de los que disfrutan con nombres más conocidos pero igualmente recomendables como Bruce Springsteen o R.E.M., no lo dudes, te falta adentrarte en el mundo de American Music Club.
Desde Burlada (Navarra) y con sólo dos discos lograron entrar Josetxo Esponza & cia en todo un universo de glam, garaje, drogas, psicodelia, punk, beatles, cramps, e incluso en este primer trabajo rancheras de mala muerte. Color hits fué un verdadero shock para todos aquellos que estábamos acostumbrados a comprar discos del catálogo de Oihuka y encontrarnos con referencias sobretodo de rock radikal vasco. Primero porque este estaba grabado la mitad en castellano y la mitad en inglés y lo segundo porque las referencias que encontramos aquí nada tienen que ver ni con las barricadas ni con la política, esto tenía más que ver con el rock ´n´ roll way of life.
En "Shadow girl" y en "The one you´ll never catch" se respira el aire punk glam del Nueva York de finales de los 70, a Detroit viajamos después para encontrarnos con una guarra "Hola! (ni Dios)" y una versión del "1969" de The Stooges aquí titulada "1989" , para bajar más tarde y cruzar la frontera mexicana con la instrumental "Mezkalito" y la delicada "Me gustaría llorar". Aun hay tiempo para acercarnos, como no, a tierras australianas y hacer una especie de homenaje a los New Christs o a Radio Birdman con la garajera y psicodélica "Lluvia y luna" y de tomar prestado uno de los más conocidos riffs de la historía de la música como es el "Sweet Jane" de Velvet Underground y colarnos ese auténtico melocotonazo que és "Verano muerto".
Después de grabar otro disco en 1991 la banda se disolvió y Josetxo decidió seguir en solitario grabando otros dos discos que pasaron con más pena que gloria. En 2013 y siguiendo la estela de muchos de sus heroes (Johnny Thunders, Rowland S. Howard, Stiv Bators, Syd Barrett, etc.) Josetxo Esponza nos dejó a los 50 años pero dejándonos un legado corto pero apasionante.
