PRIMAL SCREAM (CREATION, 1989)

En 1989, Primal Scream desconcertó tanto a sus fans como a sus detractores al dejarse crecer el pelo hasta los hombros, comprar amplificadores Marshall y subir el volumen al máximo, y mostrar una alarmante tendencia a aparecer en público sin camiseta.

 Anteriormente, los Scream habían sido los más mimados del indie pop, fans de The Byrds hasta en sus chaquetas con flecos y sus impecables cortes de pelo a tazón. Sin embargo, su debut con una discográfica importante, un disco pop impecable, fue un fracaso rotundo, y tras expulsar al cofundador Jim Beattie, estaban listos para abrazar por completo el rock & roll y toda la actitud y el ruido que lo acompañaban. Adiós a The Byrds, hola a MC5, y Primal Scream estaba listo para rockear. 

Desafortunadamente, si bien el grupo era capaz de crear una aproximación creíble de hard rock contundente, la frágil voz de Bobby Gillespie no era la más adecuada para darlo todo. Las letras, si bien nunca fueron el fuerte de Primal Scream, resultan bastante vergonzosas. Los títulos de las canciones parecen sacados directamente del LP de Jesse Camp: "Gimme gimme teenage head", "She power", "Lone star girl". Lo que salva el disco son las pocas baladas melancólicas. La voz temblorosa de Gillespie es conmovedora y potente, la banda toca con una delicadeza dramática y el piano de Martin Duffy es estelar. La mejor canción es "I'm losing more than i ever had", un tema introspectivo de medio tiempo con un gran arreglo repleto de guitarra slide, vientos y coros gospel. Esta canción también sirvió de base para la remezcla de Andrew Weatherall de "Loaded", el tema que realmente convirtió a Primal Scream en una banda importante y ayudó a cambiar la historia del indie rock.

 Así que consigan este disco por su valor histórico e intenten no reírse demasiado de las letras.

YO LA TENGO I can hear the heart beating as one (Matador, 1997)

 Para cuando lanzaron este disco, Yo La Tengo ya llevaban más de una década desarrollando su sonido. Su pop guitarrero ya se estaba consolidando, a medida que la banda evolucionaba hacia producciones cada vez más oníricas en álbumes como  Painful (1993) y Electr-O-Pura (1995) . Los 16 temas que lo componen mostraban al grupo expandiendo sus voces susurrantes y su enfoque pop aparentemente sencillo para abarcar una variedad de estilos inesperados. Esto significó que guitarras suaves y una batería firme se desprendieron de sus raíces indie rock y se transformaron en improvisaciones de krautrock aventureras como "Spec bebop", en folk psicodélico evocador y armonioso como "We're an American band", e incluso en una versión ingenua y divertida de bossa nova con "Center of gravity". 

En cuanto al pop melódico y onírico que Yo La Tengo había cultivado durante la mayor parte de su trayectoria, este fue uno de los momentos cumbre de la banda. Temas rockeros enérgicos como "Sugarcube" y una versión particularmente cargada de feedback de "Little honda" de los Beach Boys le brindaron a Ira Kaplan una plataforma fantástica para que su guitarra, generalmente más contenida, se adentrara en el territorio frenético que exploraría en directo. Estos momentos más desquiciados contrastaban con ritmos electrónicos hipnóticos como "Autumn sweater" e instrumentales brillantes como "Green arrow", que recuerda a Santo & Johnny . 

El álbum cierra con otra versión, una interpretación sencilla del pegadizo tema bubblegum de Anita Bryant , "My little corner of the world" cantada por la baterista Georgia Hubley en su interpretación más al estilo de Moe Tucker , la canción devuelve suavemente el álbum a la realidad tras los vertiginosos desvíos y cambios de la última hora. 

Si bien la banda lanzó álbumes destacados antes y después, I Can Hear the Heart Beating as One se consagró como una obra maestra
. Los sutiles cambios de humor y la amplia y curiosa paleta de exploración estilística dieron como resultado un clásico perdurable del indie rock, una escucha esencial y también una especie de modelo para gran parte de lo que siguió de bandas afines en los años venideros.

THE HANDSOME FAMILY Singing bones (Carrot Top, 2003)

 Este es el disco más bello de la banda, una mezcla magistral de su country acústico clásico, enriquecido con guitarra pedal steel y a veces matizado con elementos de mariachi, gospel y folk rural. Lejos de los sonidos etéreos y ligeros de sus anteriores álbumes este disco presenta un sonido espacioso, casi minimalista. Amigos y amantes fallecidos, el peso de la historia y los demonios personales parecen canalizados por la pareja Sparks. Desde el hedor a muerte en "Far from the road", pasando por la resignación que acompaña a la pérdida en "The bottomless hole" y "Gail with the golden hair", la ruina y la decadencia —espiritual, mental y física— son temas centrales del disco.

El rico barítono de Brett se adapta mejor a estos arreglos exuberantes y espaciosos que a sus otros trabajos más  o a sus inicios en el roots rock. Sus armonías también han mejorado notablemente; ahora Rennie opta por un falsete vibrante en lugar de su típico gruñido afectado, a veces áspero y potencialmente desagradable. 

Mórbida pero aún melódica, la aguda imaginería y la hábil narración de las letras de Rennie la distinguen de la mayoría de los depresivos y aburridos guitarristas acústicos post-Plath con los que a menudo se agrupa a la banda. Y tanto su sentido del romanticismo fracturado como su comprensión tangible de la pérdida y la consecuencia hacen que su escritura sea sin esfuerzo mejor que la de los tipos emotivos que desfilan en los antros punk para quienes el dolor y la incomodidad parecen ser exhibidos como moda o una tarjeta de presentación. No lo es, por supuesto, es privado y difícil de comprender, un espectro invisible como los fantasmas que rondan este disco.

Pitchfork 2003.