WILCO Am (SIRE, 1995)

 Este es el primer trabajo de la banda y, en lo que a mí respecta, una joya. Todas las canciones son extremadamente tocables, mezclan rock, country, blue eyed soul y R&B.

No es raro que el primer trabajo de una banda sea tan bueno, después de todo, pasaron mucho tiempo perfeccionando estas canciones, tocándolas una y otra vez, creando un grupo de seguidores y luego clavando cada canción porque las conocen muy bien.

"Shouldn't be ashamed" podría ser la canción insignia de cualquiera. Dice mucho con un simple acorde y una voz obscena, en solo tres minutos y medio. "Passenger side" son lamentaciones sobre la pérdida del permiso de conducir de un fumador de marihuana. "That's not the issue" es un punteo con los dedos y un movimiento de cabeza en su máxima expresión. Disfruta de esta canción con actitud y onda.

En medio de la explosión grunge, Wilco se desmarcaron con un disco que, esta vez sí, define el country rock alternativo, y que da el pistoletazo de partida de una carrera que todos conocemos. Lástima que en el camino perdieran los riffs que aquí aporta en muchas ocasiones Brian Henneman (Bottle Rockets) o que en ocasiones antepusieran la experimentación a las necesidades de una canción. 

GREEN DAY Dookie (reprise, 1994)

 Dookie fue un éxito comercial casi inmediato, quizás en parte porque el público general nunca había escuchado algo así antes. El álbum produjo éxitos en las listas con "Longview", el neurótico entrenamiento cardiovascular punk rock "Basket case" y, con más éxito, "When I come around". Si bien estas canciones fueron las más destacadas, la totalidad de Dookie es igual de energético. Desde el brillante estallido de la canción de apertura "Burnout" hasta las armonías despreocupadas de  "Pulling teeth", Green Day se deleita en la subversión inteligente y se niega a tomarse demasiado en serio en ningún momento, incluso cuando crea canciones pop perfectas.

La melodía veloz como el rayo y la actitud irreverente de la banda fueron un cambio con respecto al regodeo sombrío del grunge, e incluso las canciones aquí sobre temas más pesados ​​se entregan con una frivolidad adolescente y burlona. Las masas finalmente estaban listas para este tipo de punk rock y el álbum no solo marcó el giro de Green Day de trío de sótano a estrellas de rock globales, sino que también marcó el comienzo de una comprensión colectiva más amplia del punk que se extendería en cascada a las siguientes generaciones de creadores de melodías jóvenes, ruidosos y engreídos como Blink-182 , luego Fall Out Boy , luego Paramore , y así sucesivamente. 

Es un punto de inflexión para el rock alternativo que todavía se siente tan vibrante décadas después, y captura a Green Day en un estado entre la oscuridad y un nivel de fama casi
improbable, sin saber lo que vendría y simplemente trabajando con las mismas materias primas que siempre tuvieron para hacer de su próximo disco uno del que pudieran estar orgullosos.

GUNS N' ROSES Lies (Geffen, 1988)

 Cuando el álbum debut Guns N’ Roses, Appetite for Destruction, llegó al puesto 1 del Billboard desordenó completamente el panorama musical de la época. Las personas estaban listas para consumir cualquier tipo de material disponible de la banda de Axl Rose. Es por eso, que la compañía discográfica a cargo de los Guns decidió lanzar el 29 de Noviembre de 1988 el álbum Lies.

El disco, que fue promocionado como si fuera uno nuevo, era algo así como una compilación. Sin embargo, contiene algunos de los éxitos más grandes de la banda. Este disco es una introducción perfecta a la banda, se pueden escuchar cláramente las influencias que inspiraron a los Roses. La guitarra explosiva de Slash, acompañando a la dinámica voz de Axl crean un espectacular dúo.

La segunda mitad del disco comienza con "Patience". La clásica balada de los Guns N’ Roses muestra un lado más suave de la banda de hard rock. También hay lugar para letras súmamente ofensivas como "One in a million". En esta Axl Rose canta utilizando insultos xenófobos, homofóbicos, y raciales. En la portada del disco, se puede ver una disculpa de antemano frente a esta canción. «Esta canción es muy simple y extremadamente genérico y generalizada. Me disculpo frente a cualquiera que se haya sentido ofendido», lee la pequeña dedicatoria.

B.B. KING Live at San Quentin (MCA, 1990)

 Las súplicas de BB King a la audiencia, literalmente cautiva, para que aplauda a los guardias que vigilan a los prisioneros en su primer álbum en vivo en casi una década son casi ridículas. 

A diferencia de la ironía burlona de Johnny Cash en su álbum grabado en la misma prisión en 1969, donde se puede sentir que el desdén de Cash por los captores es tan fuerte como el de los reclusos, King parece ser totalmente ajeno al hecho de que estos son prisioneros retenidos contra su voluntad. Y ese es el problema con este disco competente, aunque poco destacable: 

King simplemente está haciendo lo que tiene que hacer. Bien podría estar tocando para un público de sangre azul bajo las estrellas en algún cobertizo del Medio Oeste.

En cuanto a este set, y su contenido, es como se esperaba; aunque abre un poco frenéticamente y caóticamente, se pone en modo crucero tan pronto como en "Let the G
ood Times Roll" (la segunda pista), con BB entregando la exhibición habitual de interpretaciones vocales portentosas y de largo alcance intercaladas por carnosos riffs de blues.

 "Peace to the World", una canción con un cierto aire a "Joy to the World" de Three Dog Night y editada con un falso aplauso legítimo de la multitud,  "Into the Night", y un par de melodías relajadas que, energizadas por el entusiasmo de la multitud, también terminan ganando impulso y vitalidad como sucede con "Sweet Little Angel",  “Everyday I Have the Blues”, o los saxofonistas potencian su sonido y entablan una animada conversación en “Never make a Move too Soon”.