Café Tacvba es el título del álbum debut homónimo de estudio grabado por la banda mexicana de rock en español Café Tacvba, Fue lanzado al mercado por la compañía discográfica WEA Latina el 28 de julio de 1992. cuya producción estuvo a cargo de Gustavo Santaolalla. Rubén Albarrán, el vocalista principal de la banda fue acreditado como "Juan, el que hace como que canta" en las notas del disco. El sonido de esta primera producción evidencia el formato underground del que ellos provenían. Fieles a su propuesta inicial de plasmar una identidad mexicana, las canciones son llevadas ideológicamente hacia un plano más acústico y de sofisticación mínima, tomando un poco del espíritu punk con el que se formaron musicalmente algunos de sus integrantes.
Las letras del álbum básicamente aportan dosis de delirio, ironía y buen humor, aunque también hay temas donde cuentan historias enigmáticas y pasionales, como lo son "María" y "Las batallas". También hacen referencias a las de otras canciones: "Bar Tacuba" tiene fragmentos similares a "Tu recuerdo y yo" de José Alfredo Jiménez, y "Las batallas" tiene una estrofa del famoso tema de Pedro Flores "Obsesión". Muchas de las canciones del disco, particularmente "La chica banda" y "Labios jaguar", guardan relación con los indígenas y mestizos de México.
Aunque este material mostró a Café Tacvba sólo como una banda de canciones livianas y divertidas, obtuvo una recepción favorable del público y de la prensa en su país y dejaría canciones firmes en su repertorio.
Este es el segundo álbum del autor americano que se encuentra detrás del seudónimo Orange Cake Mix llamado Jim Rao. En él encontramos canciones pop super emotivas, la mayoria de las cuelas hablan de amor y sus aledaños y que están tan cercanas a Paul McCartney o Paul Simon como a Depeche Mode o Erasure. Quizás su mayor influencia son los grupos escoceses de Sarah Records pasados por una electrónica sutil.
Canciones como "Honeybe" o "Art groupie" són un seguro de baile. La mezcla de sintetizador y beats a baja velocidad en la épica "Godlight" és quizás el top del disco y la canción de anti amor "When i needed you most" en un mundo perfecto sería todo un hit.
Orange Cake Mix nació para deleite de aqellos años británicos en que la compra de discos se basaba en las portadas, las reseñas en revistas y la espera del paquete. Quizas a dia de hoy todo esto sobre aunque a veces viene bien darte un pequeño homenaje.
Este es el octavo álbum de estudio de la banda británica de rock Echo & the Bunnymen. Durante la grabación del mismo se marchó el bajista Les Pattinson debido a desavenencias con el vocalista de la banda Ian McCulloch. Por eso McCulloch y el miembro restante Will Sergeant, grabaron el disco con músicos de sesión. La London Metropolitan Orchestra ayudó con gran parte de la música, mientras que la banda de rock alternativo estadounidense Fun Lovin' Criminals aparece en dos de las canciones. La producción corrió a cargo de la banda y Alan Douglas. Sergeant se sintió desplazado durante la grabación, que describió como «probablemente la peor época de toda mi vida». Se publicó poco después del lanzamiento del primer sencillo, "Rust". El segundo sencillo f ué "Get in the car". Sin duda este disco no recibió la misma acogida que los anteriores álbumes grabados en su segunda juventud.
El crítico de la revista NME le otorgó una puntuación de nueve sobre diez y dijo que «el disco en ningún momento hace aguas. Planea con un precioso empuje desinhibido». Describió la voz de McCulloch como «un instrumento pulido debido a los años, el amor y todos los momento mierdosos de en medio que lo han convertido a un estatus cautivador de cachemira derretido», mientras que describe el disco como «preciso» en cada segundo de sus escasos 38 minutos y medio. En Allmusic Stephen Thomas Erlewine le otorgó cuatro de cinco estrellas y comentó: «se parece en cierto modo a alguno de sus anteriores trabajos, no sólo el sonido, sino en términos de calidad». Mark Richard-San de Pitchfork Media comentó que McCulloch «tenía una voz reverberante y rica», añadiendo que «su calidad al cantar es perfecta».
Sin embargo Andy Gill de The Independent tomó una posición menos positiva diciendo que «el álbum es, como su título sugiere, el mero atractivo de una discusión con el consejero de sus carreras». Al describir el estilo del disco, Gill comentó que «realmente no ayuda que cada vez sean más mayores, ya que la banda parece que esté satisfaciendo su interés en Burt Bacharach y Jimmy Webb más abiertamente, a pesar de carecer de composiciones y melodías ganadoras». En su libro de 2003 The Rough Guide to Rock, Peter Buckley describe el disco como «un poco efusivo y en general decepcionante».
El Niño Gusano probó suerte con RCA, por primera vez en una multinacional, con quienes editaron en 1998 este álbum imprescindible con una producción de alta calidad. Fue el momento de la verdad en el grupo, un disco total, bueno de verdad, extenso y pocos altibajos, con grandes momentos y lleno de matices, es decir, todo un clásico. Fue un giro esencial a su línea argumental con canciones intimistas, medios tiempos, una producción detallista en un estudio profesional.
Resultó sobresaliente como disco, el tiempo le dio un papel de epitafio que le va como un guante por su imagen fría y el tono melancólico de perdedor, letras desoladoras, pop intimista y con grandes canciones pletóricas y visionarias "Duerme", "Un rayo cae", "El fabricante de alas de mariposa", "Lourdes", el adictivo magic-pop de "Papel de regalo"...
Miqui Puig mencionó en el blog Zaragota "No sé si en el momento nos dimos cuenta de que estábamos ante algo muy grande o sólo sonríemos antes lo marcianos que eran esos maños. Años después nos dimos cuenta de que la música pop era algo más que el tópico de las canciones de amor a la vieja usanza, años después vimos a Robyn Hytcock, a los Soft Boys y hasta a Syd Barret, pero con unas connotaciones que hubieran hecho las delicias de ¿Buñuel? El Niño Gusano era claroscuros vitales, unos impulsos únicos, que a día de hoy, nadie ha igualado.”
Aún hoy, veinticinco años después de su publicación, emociona escuchar canciones que saben traducir a un lenguaje vivaz aquellos sentimientos que, de tan universales, necesitan un vehículo de expresión personal para no caer en la obviedad, el adocenamiento y la sensiblería.
